Exploiting Dysfunction causó más incomprensión que entendimiento cuando apareció y, en cierta medida, hoy continúa siendo un título extravagante para muchos. La situación la explica el hecho de que este álbum llevara el Grind a un nivel acaso vislumbrado solo por los propios Cephalic Carnage en su debut Conforming to Abnormality (1998). Hablamos de una obra experimental que se despliega de forma aparentemente anárquica y, por consiguiente, exige sucesivos acercamientos para entender o, al menos, reconocer que ese flujo impredecible, anormal e inconexo, en realidad responde a un nuevo sentido de la disposición y que cada elemento está acondicionado de ese modo por la banda, no para aminorar la extrema densidad del Grind, sino para multiplicarla a través de lo aplastante que resulta para una mente promedio el exponerse a la imponencia de lo excéntrico. 

El álbum supera la hora, lo cual ya es algo inusual en el género, y exhibe una disparidad tal en la duración de los temas que algunos alcanzan apenas los 6 o 10 segundos, mientras que otros se extienden hasta los 15 minutos. Por su parte, la música se alimenta de una ilimitada fuente de recursos: una mezcla cargada de bajos, riffs vertiginosos y distorsionados, samples futuristas, numerosos efectos de guitarra,  frecuencias disonantes o espaciales, pequeños fragmentos computarizados y ruidosos, imprevisibles cortes de jazz, modulaciones variadísimas de voz, cambios violentos de ritmo y una ejecución francamente asombrosa de los platillos. Con semejante inventario es realmente una virtud de Cephalic Carnage que su fuerza unifique todo y no permita nunca alimentar la idea de estar frente a un proyecto al que le interesa poner en riesgo un solo grado de su pesadez.

El nombre del disco, Exploiting Dysfunction, no es fortuito en lo absoluto. Basta revisar cómo se llaman los otros álbumes de Cephalic Carnage para comprender cuánto le interesa el tema de lo extraño al grupo y con qué persistencia lo ha trabajado. Así pues, las letras giran sobre la manera en la que lo disfuncional se normaliza por medio de los discursos (mediáticos, cívicos o políticos) estableciendo una ampliación contrahecha de lo "normal". En el disco aparece reiterativamente el tema de las drogas (sus efectos y defensa frente a la censura), la violencia infantil, la vida alienígena o los tratamientos psiquiátricos. La composición siempre sigue un tono coloquial y suele alimentarse de otros tópicos como las patologías o lo anatómico, además de generar intertextos impresionantes con otras fuentes, como sucede con los diálogos de la película Gummo que aparecen en el tema homónimo del álbum.

Exploiting Dysfunction fue grabado y mezclado bajo la dirección de Keith Falgout (productor de bandas como Master o Soilent Green) y él mismo participó junto a Kirk Windstein (de Crowbar) como vocalista invitado en la grabación. El arte corrió por cuenta de Wes Benscoter (diseñador de Hypocrisy, Broken Hope, Autopsy, Incantation), siendo formidable el resultado en tanto correlato de lo que es Cephalic Carnage a nivel conceptual. La edición original del CD fue realizada por el sello norteamericano Relapse Records, encargado desde entonces de todos los full-length de la banda. Debe aclararse que el track 6, "Gracias" (un largo enlistado de bandas y personajes a los que Cephalic Carnage hace homenaje), y el 16 (una semblanza del activista de la marihuana Tom Forcade), no aparecen en la contraportada. Por último, después del corte 16 el CD sigue rodando en silencio hasta la pista 66 en la que se escucha la última irreverencia del grupo.

Mardraum: Beyond the Within (2000) es el resultado de la experiencia que ganó Enslaved con todas sus obras anteriores y de la apertura musical que caracteriza su proceso creativo. Lo primero, le permitió a los noruegos tener un bagaje, y, lo segundo, arriesgarse a depurar los recursos que hacen parte de su sonido, organizándolos de modo que no tuviesen comparación con nada precedente. Y es que, difícilmente podría hallarse un disco como este, con el mismo tratamiento de la pesadez, la cual se forja, no desde la velocidad o el ruido -como es usual-, sino a partir del cruce de numerosos elementos que generan una sensación de densidad. Con Mardraum se está un paso más allá del Black Metal, pues la creatividad de la banda desborda el género, pero, también se permanece en el seno de él, pues esa es la base la banda y aquello que en el álbum se estiliza y reinventa.

Los 11 temas que conforman el disco son de probadísima calidad; en ellos se destaca un empuje épico, producto de los constantes cambios de marcha y de una instrumentación que trabaja intensamente tanto la distorsión como la limpieza. Es indudable que Enslaved tiene una perspectiva progresiva; eso queda remarcado en los variados juegos de guitarra, en la generación de solos por fuera de lo convencional e, incluso, en la propia versatilidad de sus músicos que, por regla, se desempeñan en por lo menos dos roles. Pero, aun así, Mardraum no es un álbum que pueda catalogarse simplemente como técnico; en él habita todavía el nervio del Black Metal, y este salvaguarda en la experimentación toda la pesadez y energía del género.

Mención aparte merece el trabajo vocal que es francamente sorprendente: las fuertes growls de Kjellson están aquí en su mejor momento, y se unen de forma permanente con los tonos altos y las salidas Heavy Metal de Kronheim y Bjørnson. Por añadidura, el hecho de que el álbum se encuentre compuesto casi enteramente en noruego, ofrece a quien escucha un tono y una potencia especiales en las voces. El apartado lírico no desencaja y en todo momento se halla a la altura de la música. En general, las letras se mueven en una dirección que tiene que ver con la vuelta al paganismo nórdico; con todo, no abundan aquí los nombres de dioses antiguos o algo por el estilo, sino más bien, el rechazo a la creencia cristiana, la exhortación a recuperar la voluntad propia y algunas descripciones de gestas vikingas.

Mardraum: Beyond the Within fue grabado en febrero de 2000 en los Abyss Studios bajo la ingeniería de Lars Szöke y Peter Tägtgren y fue prensado ese mismo año por la Osmose Productions; esta doble asistencia garantizó la producción que es, por donde se mire, impresionante. En cuanto al diseño, el CD cuenta con un cuadernillo de 16 páginas a todo color que presenta las letras -tanto en noruego como en inglés-, los agradecimientos de la banda y fotografías en vivo. La portada del álbum tal vez no sea la parte más destacable del mismo, aunque bien podría sostenerse que en ella se exponen las runas y esa especie de rapto que simbolizan las pesadillas para Enslaved -"mardraum" traduce "pesadilla"-. Existen de este título numerosas versiones en todos los formatos, lanzadas, entre otros, por Metal Mind Productions, Necropolis Records y Season of Mist.

Este es uno de esos discos que no permite predecir su decurso a partir de la primera canción, ya que ofrece elementos que permanentemente enriquecen la propuesta inicial y dan rasgos particulares a cada tema. Puede decirse, por esta razón, que Summoned by Astral Fires (2000) constituye una obra irrestricta, abierta a la exploración y la ganancia creativa, puntos que fácilmente se constatan, por un lado, gracias a la impecable producción que posee el álbum y, por otro, a su duración que, aunque prácticamente completa la hora, no se torna en ningún momento tediosa. Tales virtudes, por demás, deben recibir una mención especial si se recuerda que con esta pieza Amortis se consolidó como abanderada del Black Metal austriaco, logrando exportar su propuesta a algunos otros lugares de Europa y a América.

Lo que contiene Summoned by Astral Fires podrá llevar a algunos a recordar el viejo tinte melódico de Agathodaimon o los apliques de teclado de Abyssos; sin embargo, ninguna de estas orientaciones permitiría tener una idea cabal del trabajo de la banda. En primer lugar, si bien es cierto que hay aquí un fuerte acento de la melodía, la pesadez se mantiene de modo categórico, con aceleraciones muy próximas al Death Metal, un doble-bombo machacante y muchas dosis de guturalidad. Asimismo, aunque los teclados juegan un papel decisivo en la configuración de la música, para nada se restringen estos a lo sinfónico, sino que mudan su tono continuamente para elaborar acompañamientos épicos, operáticos o futuristas, con lo cual siempre se tiene una modulación diferente de ellos en la armonía.

En otras palabras, Amortis realiza una especie de decantación de recursos y, por ello, su agresividad se halla bastante bien direccionada, con numerosos cambios en la línea de los temas, una marcación magistral del bajo, empalme con sonidos acústicos y una dinámica excepcional entre velocidad y lentitud. Todo esto se asegura en el álbum a través del dominio instrumental de los músicos, quienes, sin llegar a ser virtuosos, encaran con acierto muchas técnicas y ejecutan con precisión todo aquello que les corresponde, algo que también se cumple en el caso del vocalista -Chris Tremetzberger-, capaz de despachar con talento las letras, todas ellas de extensión considerable y enfocadas en una postura ocultista de la existencia -como solían ser las que redactaba antaño Cradle of Filth-.

La única versión que existe hasta la fecha de Summoned by Astral Fires fue lanzada en el año 2000 en formato CD por el sello Last Episode Records. Se trata de una producción 100% profesional, con un cuadernillo de varias páginas que contiene las letras de las canciones, fotografías de la banda, información de la grabación, etcétera. El arte incluye una pequeña cita tomada del Chilam Balam: "Toda luna, todo año / todo día, todo viento / camina y pasa también / también toda sangre llega / al lugar de su quietud". Por otra parte, aunque el disco está compuesto por apenas 8 canciones, el CD contiene 25 pistas, pues del track 9 al final hay una serie de espacios en blanco que desembocan, al final, en un corto instrumental de teclado.

Clayman (2000) fue uno de los últimos grandes discos del Melodic Death Metal de urdimbre clásica, y señala una especie de ruptura entre lo que fue el sonido de las bandas pioneras (Dark Tranquility, At the Gates, Gates of Ishtar, Unanimated) durante los noventas y el que vendría a desarrollar una segunda oleada (Soilwork, The Haunted, Darkane, The Forsaken) a partir del nuevo siglo. Por decirlo de otra manera, Clayman refleja un In Flames que todavía consolida su música a partir de los fundamentos que dieron forma a sus primeros discos, pero que, de otra parte, siente ya el impulso de buscar nuevos recursos en zonas todavía no exploradas. Por eso, lo que vino en adelante para la banda fue, precisamente, un ejercicio de indagación, de sondeo musical que, a la postre, ha sido interpretado de forma muy dispar por sus seguidores, muchos de los cuales prefieren mantenerse lejos de todos estos lances vanguardistas.

Lo cierto es que Clayman es un álbum imponente, asentado, es verdad, sobre el trabajo guitarrístico, pero compacto en todos sus componentes. Los 11 temas que incluye apelan a una misma serie de elementos -el tradicional riffeo melódico, solos talentosos, coros de fácil memoria, juegos entre distintas velocidades, y combinaciones vocales-, pero la manera en la que estos se proyectan en cada caso es enteramente diferente y, en consecuencia, las canciones no son repetitivas, sino que, antes bien, conducen siempre a emociones particulares. A propósito de esto, In Flames consigue un equilibrio impresionante, pues las distintas vertientes de su música encuentran un opuesto que las vivifica; así, Clayman se descuelga rápido, pero también posee pasajes sosegados, y es rudo en muchos de sus ritmos, pero, al mismo tiempo, se muestra emocional y de una sensibilidad bien depurada.

La impronta moderna se exhibe en Clayman todavía sutilmente: algunos samples electrónicos o de teclado se vierten sobre los temas consiguiendo atmósferas de vacío o espacialidad, y como no se abusa de ellos, enriquecen la armonía sin llegar a ser jamás su centro. Esto mismo sucede con los efectos de guitarra que, aun siendo notorios, están lejos de digitalizar el sonido o convertirlo en una producción artificial. Las letras, hilvanadas a partir de un riquísimo cuerpo vocal, son otro de los fuertes de In Flames; la banda transluce en ellas una profunda preocupación por aquello que da unidad al hombre, la relación de este con el tiempo y el destino, y el equilibrio que puede alcanzarse en medio de la destrucción (no en vano la portada del álbum muestra el Homo Vitruvius de Da Vinci consumiéndose entre las llamas). 

En la fotografía se muestra la primera edición de Clayman, prensada por el sello alemán Nuclear Blast Records en el año 2000. Como es costumbre en las producciones de esta disquera, la presentación del cuadernillo que acompaña el CD es 100% profesional; son 12 páginas a todo color en las que, sobre un diseño de contrastes clásicos y futuristas, se ubican las letras de las canciones, los agradecimientos, datos de grabación, etcétera. En la actualidad existen más de 30 versiones del álbum, editadas en todos los formatos y en diferentes partes del mundo (Polonia, Rusia, Japón, Argentina, etcétera). Resáltese, por último, que en el tema "Suburban Me" participó Chris Amott (Arch Enemy) como guitarrista invitado, y que la labor de samples y teclados corrió por cuenta de Fredrik Nordström (Arch Enemy, Dark Tranquility, Opeth) y Charlie Storm (Dimmu Borgir, Dragonlord, The Haunted).

Estamos frente a la reedición de la única Demo de Usurper, lanzada originalmente en 1994 y limitada a 1300 copias. Sin duda, se trata de una iniciativa que ofrece a un mayor número de personas la oportunidad de acercarse, no sólo a esas 4 canciones que componen la Demo, sino también al otro material incluido en el título que corresponde a temas exclusivos de compilaciones, grabaciones inéditas y tomas en vivo. Hay, así, motivos diversos para interesarse por esta pieza que, además, se separa de un modo interesante de muchos otros discos de su especie, porque no agrupa por rellenar, sino que depura su contenido (reducido a 10 canciones) y, con ello, hace concreto su objetivo: presentar una imagen clara del Black/Thrash que ejecuta Usurper, partiendo de una retrospectiva que va desde el año 1993 hasta el 2000.

Como la mayoría de las canciones, incluso aquellas que no hacen parte de la Demo Visions from the Gods fueron grabadas en estudio, la recopilación tiene un carácter profesional, y también unificado en la medida en que Eaton Records siempre fue el lugar de grabación. A nivel musical, Usurper se muestra heredera del sonido de bandas como Hellhammer y Celtic Frost; y es que el ritmo medio de su música, la proyección vocal y hasta la confección de las guitarras se convierten, casi siempre, en una referencia directa a dichas agrupaciones. Es obvio, sin embargo, que Usurper tiene ciertos rasgos distintivos como, por ejemplo, arranques inesperados de velocidad (como los de "Deep in the Forest" o "Dusk"), inclusiones de samples o efectos caóticos y estridentes (del tipo "Soulstalker"), y una amplia variedad de tonos vocales tanto naturales como modificados.

No se encuentra en la recopilación una propuesta técnica, por el contrario, las canciones de Usurper son sencillas, aunque puede hallarse en ellas buenos riffs, solos y una armonía compacta; lo mejor, en términos generales, habrá de ser el uso del doble-bombo (que endurece los temas) y la aparición de esas atmósferas ruidosas mencionadas antes. Con relación a las letras, todo Visions from the Gods gira en torno a un plano trascendental ubicado en lo antediluviano o lo postapocalíptico. La banda no se destaca por una escritura especialmente rica e inteligente frente a estos temas, pero, en todo caso, las canciones tienen un concepto que las unifica (lo sacrílego, la maldad primigenia) y, en este sentido, hasta el cover de "Charon" de King Diamond que hace la banda no llega a desentonar.

Como se dijo, Visions from the Gods fue lanzado por primera vez en 1994 en tres versiones distintas de TAPE y un número restringido de copias (1300). En el 2002, el sello Earache Records se dio a la tarea de reeditar la Demo incluyendo el material extra que hemos descrito: 2 canciones procedentes de compilaciones, 1 cover, 2 tracks inéditos y 1 tema grabado en vivo por un fanático durante un concierto en Francia. Dicha edición es la que se muestra en la fotografía, aunque previamente la Necropolis Records también había reeditado la Demo en formato DIGIPACK agregando 5 temas bonus (entre ellos una versión en vivo de 1998 de la canción "Blood Passion"). El diseño interior del disco prensado por Earache reproduce la portada original de la Demo y adjunta las letras, procedencia de tracks y fotos de la banda.

The Arrival (2000) fue un disco del que no se habló mucho en la época de su lanzamiento y, más pronto que tarde, pasó a engrosar esa lista de títulos que conforma la historia olvidada del Metal colombiano. Existen muchas razones para que hubiese sucedido lo contrario, esto es, que el nombre de Pagan Fears alcanzara mayor reconocimiento, la banda se mantuviese activa dentro de la escena y, hoy por hoy, fuese una portavoz del Death Metal melódico; sin embargo, el azar del destino, los problemas de alineación y la misma receptividad del público -que mayormente prefiere las propuestas que involucionan los géneros-, hicieron que esta agrupación procedente de Medellín decidiera no continuar trabajando, aun cuando en su momento (2003-2004), se mencionara, incluso, la posibilidad de un segundo álbum titulado Among Blood.

No hace falta ser un amplio conocedor del Metal hecho en nuestro país para convencerse de que Pagan Fears está muy por encima del nivel de otras bandas, irónicamente exaltadas hasta el hastío; y esto es así, no sólo merced a que por sus filas pasaran músicos bien reputados de Athanator, Degradeath o Typhon, sino porque en realidad la proyección de su música se encausó siempre en el perfeccionamiento y la lucidez. Lejos de los prototipos del Death Metal frenético y denso, Pagan Fears ofreció una textura diferente, más melódica y acompasada, nutrida con aportes técnicos y ritmos marcados en los que predominan los medios tiempos; en The Arrival, concretamente, la banda presenta estos recursos consolidados con un excelente sonido y una producción en la que es posible escuchar hasta el más pequeño detalle.

En el álbum destacan varios elementos: los pulidos inicios de las canciones (en especial, los de "The Endless Outcry of Grief" y "Neverending Road"); la potente gutural de Gustavo Álvarez, más gruesa de lo normal en las bandas melódicas; y el profesionalismo de las ejecuciones, dentro de las cuales sobresalen los solos de guitarra, las bien elaboradas líneas de bajo, y la atmósfera que abraza ciertos temas a través de los teclados. Como se dijo, Pagan Fears hace énfasis en las velocidades intermedias, mas, en el disco pueden hallarse muchas aceleraciones o, por el contrario, canciones más cercanas al Doom, como la citada "The Endless Outcry of Grief". En lo que concierne a las letras, The Arrival posee una visión integradora, pues en él se distinguen enfoques paganos, otros de crítica al cristianismo y algunos más cercanos al existencialismo.

La alianza compuesta por Debelis Records y Viuda Negra Music fue la encargada del prensaje de The Arrival en el año 2000 (tal y como lo hiciera con La Edad del Fierro de Occisor y Vité de Gaias Pendulum). Del álbum se editaron 500 copias y hay que advertir que su presentación es equilibrada, es decir, no descolla ni defrauda: la portada corresponde a una pintura elaborada por Juan Guillermo Ríos, y todo el diseño interior corrió por cuenta de Edwin Restrepo (guitarrista de la agrupación); el cuadernillo contiene las letras de las canciones, algunas fotografías y los datos de grabación. Como apunte extraño ha de mencionarse que dos de los músicos de Pagan Fears hacen mención de dios en sus agradecimientos, si bien en temas como "Slaves of Christ Passion" o la homónima "Pagan Fears" se percibe una ideología, por lo menos, escéptica frente a este tema.

La música de Mortuary Drape posee un carácter único debido a dos razones fundamentales: en primer lugar, a ser el resultado de un estilo personal de composición y ejecución y, por otra parte, a haberse mantenido fiel durante tanto tiempo a su concepto lírico, basado por entero en la necromancia y el esoterismo. En este sentido, cualquier título de la banda es un correlato de los otros y expresa, además, una identidad clara, arraigada, sin parangones o equivalencias. Podrán tomarse discos como el All the Witches Dance (1995), el Secret Sudaria (1997) o el Tolling 13 Knell (2000) y, aunque entre ellos existan diferencias significativas a nivel de producción, cualquiera será un testimonio superior de Black Metal y mostrará con un espíritu bien exclusivo el ocultismo, la melodía y solemnidad que cimientan este género.

Una prueba de ese modo particular con que trabaja Mortuary Drape el Black Metal se halla justamente en su álbum Tolling 13 Knell, concebido -según puede leerse en las notas del booklet- a partir de la creación de vibraciones musicales capaces de asociarse con las líricas escritas para el disco; es decir, la posibilidad de que las notas, no acompañen los textos (nacidos, incluso, de manera espontánea), sino transmitan con su sonido el mismo mensaje que la palabra. En términos prácticos, esto significa que Mortuary Drape implementa numerosos recursos instrumentales capaces de ir a la par de su concepto esotérico: tres de los seis miembros de la banda hacen vocales de respaldo, hay dos bajistas activos en las composiciones, se invita al tecladista de Cultus Sanguine para ambientar ciertos fragmentos, y se multiplica la complejidad de las las guitarras y batería.

Las canciones de Tolling 13 Knell resultan, así, inimitables: se inclinan por las velocidades medias y bajas, aunque no es extraño que, de repente, alcancen también un ritmo galopante; las guitarras elaboran líneas magistrales, tanto en los riffeos (ágiles, oscuros), como en los arpegios (abundantes e hipnóticos) y los punteos (extensos, impecables); por su lado, los bajos continuamente están escuchándose, llenando las melodías y puliéndolas con una ejecución rápida, armónica y tenebrosa. Todo lo instrumental se une, pues (como lo explica Mortuary Drape), a lo lírico, en una síntesis real por medio de la cual se invoca la presencia de lo muerto, se efectúan rituales mágicos, se conocen dimensiones metafísicas, y se abre un espacio para el cultivo del conocimiento herético y ocultista.

De Tolling 13 Knell existen a la fecha al menos 4 ediciones. El prensaje original -que es el que se muestra en la fotografía- fue realizado por el sello Avantgarde Music en el 2000, únicamente en formato CD; esta edición incluyó un cuadernillo de 8 páginas con las letras de las canciones, fotos del grupo, información y datos técnicos. Un año después, la disquera alemana Iron Pegasus Records editó una versión limitada en LP doble, modificando un poco la portada. Más recientemente el sello Peaceville Records re-editó el disco en CD y LP, remasterizándolo e incluyendo en él 5 bonus tracks. Debe resaltarse, por último, que, si bien el álbum se grabó y editó en el año 2000, constituyó la conmemoración de los primeros 13 años de vida de Mortuary Drape (1986-1999); de allí su nombre: Tolling (ejecutar, tocar), 13 (el tiempo) y Knell (el concepto oculto y necromántico que viene manejando la banda).

Quienes han escuchado al menos una vez a Krisiun coincidirán en que esta es una de las bandas más rápidas y pesadas que ha dado Brasil; una condición que ya era evidente en sus primeras grabaciones, pero que ha venido perfeccionando con el transcurso de los años. Lo que admira de Krisiun es que detrás de esa máquina devastadora que es su música solo se encuentra el trabajo de los tres hermanos Kolesne (Moyses, Max y Alex), cada uno de los cuales se ha concentrado en su propia función dentro del grupo (guitarra, batería y bajo/vocales, respectivamente) desde 1990, fecha en la que unieron sus fuerzas para tocar Death Metal en la línea más pura del género: Morbid Angel, Deicide o Malevolent Creation.

Tras 2 discos lanzados en los noventas -Black Force Domain (1995) y Apocalyptic Revelation (1998)-, la agrupación editó en el 2000 su disco Conquerors of Armageddon, una pieza de 9 canciones en las que no hay tregua ni contemplaciones. Krisiun es una banda que no ejecuta música precisamente técnica, pero que posee un equilibrio muy logrado entre sus componentes: todo gira en torno a la velocidad y, en consecuencia, la batería tiene un ritmo azotante, raudo incluso en los fragmentos en los que se siente que ha mermado; las guitarras proyectan riffs ágiles, de muchos movimientos, y sus solos mantienen esas escalas tipo Morbid Angel llenas de rapidez, tappings y efectos de trémolo; por su parte, la vocalización no se apega a las guturales indescifrables, sino que opta por un tono intermedio que despacha las letras de manera enérgica y veloz.

La mayor virtud de Conquerors of Armageddon radica en la efectividad con que se usan estos elementos, pues bien podrían aburrir al repetirse durante todo el disco; sin embargo, Krisiun aplasta tan contundentemente que hace olvidar hasta la ausencia de coros o novedades en sus canciones, la sola velocidad es suficiente para la banda. Así, escuchando punteos vigorosos como los de "Hatred Inherit" o "Iron Stakes" se olvida por completo lo demás, incluso, las letras que, tal vez, son el aspecto más deslucido dentro del disco, en primer lugar, porque retoman sin una impronta personal temas manidos del Metal como el satanismo, el apocalipsis, o la blasfemia y; segundo, porque su escritura, más que una estructura formal, parece el tejido de frases con un sentido aproximado.

KRISIUN. Conquerors of Armageddon. Century Media Records. 2000.
RANK: 7.5/10

Brutalidad es la palabra que mejor define el trabajo realizado por Internal Suffering desde mediados de los noventas; y es que esta banda colombiana ha impreso en cada uno de sus discos una marca caótica indiscutible, apta, quizá, solamente para quienes están más acostumbrados a la estridencia. Tal es su nivel de agresividad que el grupo se ha abierto un campo también en los lugares en los que ha predominado históricamente la violencia sonora como Europa o Norteamérica; hasta allí, ya sea por razones de gira o radicación, ha llegado su música, teniendo la oportunidad de tocar en reputados festivales (Obscene Extreme Festival, Move Your Fucking Brain Fest o, Maryland Deathfest) y de firmar con sellos internacionales (Repulse, Displeased o, Unique Leader Records).

El primer álbum de la banda, Supreme Knowledge Domain (2000), marcó el estilo musical de Internal Suffering: Brutal Death Metal rápido y aplastante; con todo, no dejó de recibir críticas con relación a su producción, la saturación de bajos que impide escuchar bien la instrumentación (algo que es palpable incluso en la versión remasterizada). En efecto, las 10 canciones del disco se destacan por su velocidad, la voz ultra-gruesa (tipo Grind) de Fabio Marín y los agresivos riffs de Leandro (que mezclan líneas graves con el uso continuo de armónicos), pero todo ello en medio de una atmósfera congestionada, que no da tregua un instante, y que puede ser agradable cuando se busca una descarga de crudeza musical, pero también incómoda si lo que se desea es analizar a profundidad los detalles de ejecución y sonido.

Descontando este punto, Supreme Knowledge Domain es una pieza que satisface a cualquier fanático de lo extremo: sus temas son cortos, directos, sin decorados inútiles, algo reiterativos en su forma, pero con ciertas sorpresas también, por ejemplo, en los excelentes riffs de "Enter the Gate of Death", o el solo de cierre de "Summoning the Ancient Ones". Por lo que respecta a las letras, Internal Suffering ofrece una línea muy particular pues, teniendo en cuenta el estilo de su música, cabría esperar algo vinculado al Gore, pero nada más lejano, ya que el enfoque de la banda es la demonología, la literatura y las teorías del caos; por ello, en sus canciones son usuales las alusiones a otras dimensiones, el lenguaje lovecraftiano (Hastur, Azag) y la mitología antigua (Hecate, Ningishzida).

Supreme Knowledge Domain fue grabado en Colombia durante marzo y agosto de 1999; en el año 2000 fue lanzado por el sello español Qabalah Productions (subsidiaria de Repulse Records) en formato CD, por Mutilated Records en TAPE y, finalmente, por Perverted Taste Records en LP. Para el 2006 el disco fue re-editado por la disquera holandesa Displeased Records en la versión que se observa en la fotografía, incluyendo como bonus-tracks los cuatro temas del Promo del año 2000. Esta última es una edición remasterizada que conserva el arte original del álbum; el cuadernillo incluye las letras de las canciones, tomas de la banda, datos técnicos y demás; lastimosamente, aunque éste tiene 12 páginas de información la calidad de la impresión no es la mejor y hay fragmentos algo ilegibles.

Más allá de las diferentes opiniones que cada quien pueda tener sobre esta agrupación, está claro que Immortal constituye uno de los nombres de mayor trascendencia dentro del Metal noruego. Desde los tiempos de su primer disco, Diabolical Fullmoon Mysticism (1992), hasta los del más reciente, All Shall Fall (2009), la banda no ha dejado de figurar junto a los otros dioses de su país (Emperor, Mayhem, Satyricon, Darkthrone), llegando a consolidar su música alrededor del mundo; no en vano, los miembros de Immortal viven actualmente de las regalías de su material (más de cien mil copias por título), las ganancias por giras y todos los otros dividendos producto de sus objetos comerciales: ni la triste salida de Demonaz en 1997, ni el cese de actividades de la década pasada (2003-2006) mermaron esta cruzada expansiva a la que apostó Immortal desde su formación en 1991.

El papel que desempeña este álbum, Damned in Black (2000), en la carrera de estos noruegos es decisivo porque define la transición musical iniciada en At the Heart of Winter (1999) y consolidada en Sons of the Northern Darkness (2002); es decir, implica la inclusión dentro de los usuales recursos Black Metal que venía manejado Immortal (rapidez, oscuridad, agresividad) de otros procedentes de géneros alternos (Death y Thrash especialmente) como, por ejemplo, estructuras rítmicas diversas, mayor tecnicismo en la ejecución, y una mejor y más limpia producción (en este caso, lograda con la colaboración de Peter Tägtgren en los Abyss Studios). Por tal razón, los temas del álbum son rápidos y oscuros, pero también de un riffeo más fértil en sus alcances, versátiles en lo que concierne al acompañamiento de la batería y siempre efectivos en el trabajo de Iscariah con el bajo.

El impactante inicio de "Triumph", las memorables guitarras de "Against the Tide (In the Arctic World)", o el perfecto acople de "Damned in Black", reflejan una banda madura, que tiene clara su dirección y no teme ir en contravía del género por evitar los tonos sostenidos y repetitivos que caracterizan el Black Metal tradicional. Immortal es incisiva, rica en cambios, limpia y llena de ese toque nórdico que le es tan propio, no sólo por lo que compete al sonido, sino también a las letras (compuestas, como ha venido sucediendo desde su salida, por Demonaz) y enfocadas en la naturaleza y todos los sentimientos oscuros que esta despierta en las zonas más frías del planeta; bien puede entenderse así con el inicio de "My Dimension": "Eyes of stone / eyes of ice are watching me / their glimpsing light comes in my sleep / chained in a dream from the ancient deeps / mindtravelling the darkest paths".

Damned in Black fue lanzado por Osmose Productions en el 2000, siendo el último disco de Immortal editado por este sello, el cual prensó sus primeros 5 álbumes. Ese mismo año apareció en Estados Unidos la versión licenciada de la Osmose para distribuir por The End Records, que es la que puede apreciarse en la fotografía; se trata de una edición cuidada, con un cuadernillo de 12 páginas que incluye tomas del grupo (Abbath, Horgh e Iscariah), las letras de las canciones y datos sobre la grabación y fan clubs; el arte de la portada es bastante discreto como el diseño del interior. De este disco también existe una edición limitada a 15000 copias en caja de lujo, y una edición en LP, ambas lanzadas por Osmose Productions. Además es posible hallar la edición en TAPE de Yücel Müsik, y una re-edición estadounidense en CD de 2006.

Dos agrupaciones con muchos aspectos en común se reunieron en este SPLIT prensado por Sempiternal Productions en el año 2000: ambas enfocaban su trabajo en el Black Metal, las dos reeditaron aquí material procedente de Demos anteriores y, por último, juntas dejaron de existir al poco tiempo de lanzarse esta producción. La primera de ellas, Hirilorn, anunciaba justamente en el booklet del disco su ruptura a raíz de supuestas traiciones acometidas por 2 de sus miembros, si bien, tiempo después, se vería a 3 de ellos en Deathspell Omega, un proyecto en el que, hasta entonces, habían trabajado de modo alternativo. Por su parte, Nasav, también se despedía de la escena, dejando únicamente para la posteridad dos Demos grabadas en 1993 y 1998, y a un miembro inscrito en la naciente agrupación Magan, activa hasta nuestros días.

Hirilorn es la encargada de abrir el SPLIT presentando los temas de su TAPE A Hymn to the Ancient Souls, originalmente aparecido en 1997. Son en total 5 canciones, 2 de ellas instrumentales elaborados con teclados clásicos y cósmicos, muy en la onda de Evol. La música de Hirilorn es una mixtura de las melodías épicas de una banda como Rotting Christ con la velocidad, vocalización y agudos de otra tipo Enthroned; las guitarras de estos franceses se destacan por sus logradas armonías, combinaciones con sonidos acústicos, y riffs líderes bastante logrados. Sus canciones son largas (7, 9 minutos), de modo que en ellas siempre hay un espacio para el desarrollo prolijo de las estructuras, la repetición, los cambios de tiempo (bien sutiles, por cierto), y el desarrollo de extensas líricas, concebidas todas en una dirección de satanismo militante.

Concluida la intervención de Hirilorn, los mexicanos Nasav asumen el control del SPLIT a través de la ejecución de los 4 temas que hicieron parte de su Demo Umr At Tawil de 1998. La propuesta de esta banda está signada por la oscuridad y el trabajo atmosférico; en sus canciones se ponen en marcha recursos acústicos, ritmos medios y rápidos, una voz rasgada excelente y un continuo soporte de los teclados que, con seguridad, gustará a los seguidores de bandas como Evol, o de otras más desconocidas como Angel of Light y Satanaquia. Nasav transmite desde su primera nota lobreguez, tenebrosidad, un carácter que se multiplica todavía más con sus líricas, basadas en el maestro H.P. Lovecraft, y escritas en un lenguaje místico y simbólico: "Ia / tivi magnum et dominium / niniv ia gat antare / margolqubbonsh luciferi frikk".

La edición del SPLIT, como se dijo, corrió por cuenta del sello estadounidense Sempiternal Productions, el cual lanzó un poco antes de éste, otro trabajo muy recomendado que reúne 2 bandas sumamente oscuras: Occultus y Esgaroth. La presentación del disco no se destaca por su calidad, pero cumple con la misión de incluir las letras, fotografías de las bandas y las portadas de ambos trabajos. El arte juega con los colores dorados, negros y blancos, y reproduce imágenes satanistas. Es obvio que se trata de una producción descatalogada desde hacia varios años, máxime cuando su número de copias estuvo limitado a 200; sin embargo, en algunas páginas de la red se ofrecen ejemplares de segunda mano.

Con la aparición de Creed of Iron en el año 2000 empezó una nueva etapa en la historia de Graveland pues, si bien es verdad que desde su formación las ideas de Rob Darken marcaron la dirección musical de este proyecto, hasta esa fecha había encontrado cierto apoyo (al menos en calidad de invitados) de Karcharoth y Capricornus. El nuevo siglo significó para Graveland, en cambio, un enfoque todavía más personal de Darken, quien entonces asumió enteramente, no sólo la composición y ejecución de todos los instrumentos, sino también la escritura de las letas, la interpretación vocal, la producción de los discos, buena parte del diseño de portadas y todos los demás encargos que suelen hacer parte del trabajo de una banda.

Por demás, con Creed of Iron se definió mejor ese sonido que Graveland ha venido manteniendo a lo largo de sus últimos discos, desde el Memory and Destiny (2002) hasta el Spears of Heaven (2009), es decir, aquel que fusiona las bases del Pagan Metal con elementos provenientes del Viking y el Folk. Se trata de un sonido con un impronta bien particular, fácilmente identificable por los amantes de este estilo: primero, porque la voz de Darken trabaja siempre en la misma línea, sin ocuparse de los matices; segundo, porque el uso épico de los teclados también tiene ya una marca registrada y; tercero, porque el conjunto armónico de Graveland (la velocidad media, los riffs sencillos, los toques orquestrales, etcétera) ya es un paradigma en la escena del Metal.

Es verdad que Graveland ha dado a luz álbumes más logrados (el Thousand Swords, o el citado Memory and Destiny); sin embargo, Creed of Iron no es una pieza de relleno, tiene sus propios méritos, y estos se reflejan de modo especial en 2 de sus canciones: "Tyrants of Cruelty" y "Ancient Blood"; una, gracias a varios riffs memorables que se escuchan en la canción, y la otra, por la pomposidad de los teclados que inevitablemente nos sumergen en una batalla épica. Y es que, justamente, lo que se respira en las 5 canciones que presenta aquí Graveland (inspiradas en el libro Creed of Iron de Ron McVan) es, por un lado, un tributo a la fuerza ancestral del pueblo europeo y, por otro, un llamado a la reivindicación de ella misma a través de su cultura y sabiduría.

Creed of Iron originalmente fue prensado por el sello No Colours Records en formato CD; en la fotografía se observa dicha versión cuyo cuadernillo es de apenas de 1 hoja y no incluye letras, sólo unas tomas de Darken y unas palabras que él mismo escribió sobre el sentido del álbum. En 2001 apareció una edición en polaco (Prawo Stali) lanzada por Nawia Productions y limitada a 500 copias. Asimismo, la No Colours Records prensó 2000 copias del disco en formato DIGIPACK (2009) y 500 copias en LP (2000). La versión en TAPE estuvo a cargo de Night Bird Records (limitada a 300 copias). Finalmente, también existe dos re-ediciones en polaco e inglés que datan de 2009.

Gaahl se dio a conocer en la escena del Black Metal en 1994 con la edición de la primera Demo de Trelldom, banda que había formado junto a otros dos músicos noruegos un par de años antes. Sin embargo, fue sólo hasta su llegada a Gorgoroth en 1998 cuando su reputación traspasó definitivamente los límites de Noruega, alcanzando el reconocimiento como uno de los mejores vocalista del género. En aquella misma época, Gaahl se había unido a Skagg (guitarrista que empezaba a incursionar en el movimiento) con la intención de dar forma a un proyecto que mezclara la crudeza del Black Metal  con la estridencia y fuerza de la música Industrial; la banda terminó llamándose simplemente Gaahlskagg y, aunque es poco lo que se sabe de ella después del 2000, grabó un SPLIT EP con Stormfront y este disco titulado Erotic Funeral (2000).

Lo que se encuentra en el álbum es justamente una combinación del sonido que para los tiempos del Destroyer trabajaba Gorgoroth con fragmentos industriales macabros. Erotic Funeral está dividido en tres partes, la primera de las cuales ya había aparecido en el SPLIT que antes mencionamos; son en total 13 canciones sobre las cuales Gaahlskagg despliega sus principales argumentos: en primer lugar, la extrema vocalización de Gaahl, fría y apabullante; la rapidez de la ejecución (sobre todo en temas como "Skullfuck" o "I Am Sin"); el fuerte y seco sonido de la batería; y, por supuesto, la programación de los segmentos industriales, que unas veces se unen con los instrumentos y la voz ("Mankind-Development?"), y otras se convierten en canciones independientes ("Whipper", "Moralens Hammer").

El sonido en general de Gaahlskagg mantiene relaciones muy estrechas con Gorgoroth y con otras bandas como Nattefrost o Carpathian Forest porque, como ellas, se inclina por las guitarras sucias y una percusión bien marcada. Pero, además, también comparte con ellas un concepto que está centrado en la destrucción y la exaltación de las perversiones. Bien claro deja la banda este asunto al afirmar que la única razón para grabar Erotic Funeral es blasfemar el mundo y, mucho más, cuando en tono sarcástico escribe: "conviértete en prostituta si no tienes el suficiente dinero para colocarte una bala en el cerebro". Sexualidad, pecado, placer y un aquelarre caótico es lo que se encuentra a lo largo del disco.

La disquera alemana No Colours Records fue la encargada de editar las 2 piezas de la discografía de Gaahlskagg: su SPLIT con Stormfront y el álbum Erotic Funeral. El prensaje original de este último se realizó en formato CD, y es el que se muestra en la fotografía; su presentación es bastante regular en lo que a arte se refiere: contiene 2 tomas de desnudos, la primera de una mujer, y la otra de un grupo de hombres; el resto de la información se refiere a los lugares de grabación del disco (como se dijo grabado en tres partes) y las direcciones de contacto. En el año 2008, el mismo sello No Colours Records re-editó el álbum en formato LP con una nueva portada y en doble versión: la tradicional black vynil y una edición limitada a 100 copias en blue vynil.

Formada a mediados de los noventas, como Children of Bodom y, también como ella, procedente de Finlandia, Faerghail es una agrupación que debería ser más reconocida. Y es que mientras la banda de Alexi Laiho ha lanzado más de 7 álbumes desde su formación, Faerghail sólo ha tenido la oportunidad de grabar 2: su disco debut -Horizon's Fall (1999)- y la pieza que ahora presentamos: Where Angels Dwell No More (2000). Bien se dice que la suerte no llega a todos por igual, sobre todo cuando se trata de música, y esto es algo que resulta triste si la banda que se tiene enfrente posee la actitud y el talento necesarios para estar mucho más allá de donde permanece.

Where Angels Dwell No More nos ofrece una descarga de excelente Power/Dark Metal, una combinación que puede parecer extraña, pero que en el fondo es familiar para quienes han escuchado bandas como Brimstone, Fangorn o la citada Children of Bodom; al igual que el de ellas, el sonido de Faerghail se organiza sobre una base Power melódica y fértil, pero, por otro lado, la agrupación se apoya en teclados que matizan las canciones con toques sinfónicos, y se inclina por una vocalización rasgada (a la usanza del Black Metal), dos características que otorgan a su música una atmósfera oscura, la cual, obviamente, al contrastar con las armonías de la parte rítmica generan una mezcla bien particular.

Las 10 canciones que componen el álbum están concebidas así, y se ejecutan a una velocidad media lo que facilita escuchar los juegos de guitarra, punteos, arpegios y demás. Con relación a las letras, Faerghail propone tres rutas principales: la primera, está enfocada en la exploración de sentimientos como el miedo o la nostalgia ("Suicidal Rites", "Behind a Sinful Shade"); la segunda, es un acopio de distintos rasgos de la naturaleza y las emociones que despiertan estos en las personas ("Silver Moon Child", "Summer Sadness"); la tercera, por último, se centra en una visión más épica, de héroes y batallas ("Horizon's Fall", "Strife for Blood"). La extensión de las letras varía, aunque no significativamente, y en ellas es evidente un esfuerzo de escritura.

Un sello belga fue el encargado del prensaje de Where Angels Dwell No More, nos referimos a The Last Shivering Planet Company, cuya labor dio sus principales frutos a inicios de la pasada década. La presentación del disco es destacada, su cuadernillo (de 12 páginas) incluye líricas, tomas de la banda y algunos otros datos. El arte, sin embargo, es bastante sobrio; tal y como se ve en la portada, Faerghail se inclinó por un diseño a dos tintas (negra y morada) que captura paisajes naturales, todos ellos muy sombríos. A la fecha, la edición que se muestra en la fotografía es la única que existe del disco, y vale mucho la pena conseguirlo, puesto que su música se encargará de retribuir ampliamente el esfuerzo.

La historia de Denial Price se remonta a 1986, fecha en la que el vocalista Panos Dimitriou decidió formar, junto a otros músicos de Larissa (en Grecia), una agrupación de Heavy Metal; su intención era canalizar a través de ese proyecto, no sólo la predilección que sentía por este género, sino también utilizarlo para transmitir sus experiencias y reflexiones personales. Esa primera alineación trabajó en la escena local unos tres años, hasta la edición de la Demo I, luego de lo cual se desintegró. Sin embargo, el mismo Dimitriou se encargó de reorganizar la banda (temporalmente bajo el nombre Shadow Axis), y fue así como en 1994 se lanzó la Demo II, TAPE que reflejaba un sonido llamativo y muy bien trabajado.

Lamentablemente, después de dicho lanzamiento la agrupación volvió a entrar en una etapa de silencio, que vino a interrumpirse sólo hasta el año 2000, cuando se editó este EP, Farewell Within Remains, compuesto por las mismas canciones de la Demo II, pero en versión remezclada. Son en total 5 temas de un Heavy Metal de línea tradicional, lento, pero de variados matices. El corte de apertura, "Serpent's Curse", recuerda la primera época de Judas Priest, si bien el estilo de Denial Price está moteado con algunos toques Doom; la segunda canción, "Gloria Dei", mantiene este enfoque, añadiéndole una mezcla de ejecuciones limpias y riffs agresivos. Por su parte, el acústico "Black Dust" resalta el virtuosismo de Vassilis Garagounoulis en la guitarra, y la variedad de tonos que alcanza Dimitriou con su voz.

Las dos últimas canciones ("Nevermore" y "Farewell Within Remains") son las más épicas del EP, pero no al modo del Power Metal, sino a la usanza del Heavy clásico, con teclados atmosféricos, estructuras melódicas y gruesas, etcétera. Todos los instrumentos se escuchan en la grabación perfectamente, incluso, el bajo, y la voz galopa por encima de la musicalización de forma acertada, hecho que permite conocer la apuesta lírica del grupo que está centrada en explorar las conexiones entre el hombre y la naturaleza divina. Las letras de Denial Price tienen un carácter simbólico, y hablan del olvido, la muerte o el pecado, todo en medio de una lograda poesía: "Pero, ¿cómo puedo olvidar lo que siempre permanecerá? / ¿cómo podría convertirse ese sueño de verano en una máscara del dolor?".

Farewell Within Remains fue prensado por el sello griego Ground Records, siendo esta una de las pocas producciones de la disquera, si no la única. El diseño gráfico del EP intentó ser vanguardista, pero carece de mayor impacto artístico; ahora bien, en lo que compete a la calidad del cuadernillo debe abonársele su excelente presentación, primero, por la calidad del papel y, segundo, por incluir toda la información que busca un fanático (letras, fotos, agradecimientos y datos técnicos). A la fecha, esta es la única versión que existe del EP, y lo más posible es que así sea durante mucho tiempo pues, aunque Denial Price editó la Demo Into the Oblivion Tragedy en 2002, y participó en la compilación Warzone XIX de Metal Invader, no se sabe con certeza cuál es el estado actual de la agrupación.

En una entrevista concedida por Count Czar Yang a Grinder Magazine, el líder de la agrupación chilena Ammit hacía notar su orgullo de pertenecer a "una de las primeras generaciones que dijo 'no' a la iglesia católica", es decir, de haber contribuido con su música a resistir la influencia de la religión en la mente de los jóvenes. Y, en efecto, desde 1991, fecha de formación de Ammit, la ideología de la banda puede sintetizarse en esas tres palabras que tanto gustan a su front-man: odio, muerte y destrucción. Odio a los dogmas e ídolos cristianos, muerte a sus creyentes, y destrucción de todo aquello que no contribuya a acrecentar nuestra propia voluntad.

Este SPLIT que ahora presentamos reúne dos de los trabajos más emblemáticos de Ammit (Steel Inferno y Mass Suicide), y muestra el enfoque de este grupo que, si bien se ha mantenido reacio a presentarse alguna vez en vivo e, incluso, a acceder a medios menos subterráneos, representa una figura importante dentro del metal chileno, tal vez no por la originalidad de su sonido (que adeuda muchísimo a la escena de los ochentas), sino por su constancia, prueba de lo cual se encuentra en su discografía, que supera la docena de títulos. Sin duda, estamos frente a una banda que se ha mantenido firme a través del tiempo con su mensaje oscuro y verdugo del rebaño.

Steel Inferno y Mass Suicide son discos que, aunque se distancian por dos años (1998, 2000), comparten ciertos aspectos de sonido: una producción y mezcla primitivas, estructuras musicales simples, y la recurrencia de un estilo que se asocia inmediatamente con bandas como Bathory, Celtic Frost o Hellhammer. Ammit ejecuta un Black/Thrash Metal sin pretensiones de tipo técnico que se enriquece apenas con ciertos tracks ambientales (principalmente en Steel Inferno) en los que Czar Yang muestra su destreza en los teclados. Así pues, se trata de dos álbumes que pueden ser vistos como interesantes, en el caso de ser un fanático del sonido crudo y directo o, por el contrario, como prescindibles, si se es de preferencias más exigentes.

La edición que se presenta en la fotografía corresponde a la lanzada por el sello holandés From Beyond Productions (Displeased Records) en el año 2005, la cual incluye, además de los discos mencionados, unas canciones de ensayo de 2004. Debe recordarse que Steel Inferno fue lanzado originalmente en TAPE por Arte Pagano Records de Chile, y que esa misma disquera lanzó la primera edición en CD de Mass Suicide. En el año 2008, el sello Exhumed from the Grave re-editó este SPLIT eliminando las canciones de 2004, e incluyendo en su lugar las 5 tomas de la Demo Rehearsal de 2008 Todos los Maricones son Santos.

Abigor es una de las bandas más emblemáticas del Black Metal austriaco, y también una de las más prolijas en lo que se refiere a producción de material: 9 discos, 5 EP's y varias Demos, así lo demuestran. Pero, además, esta agrupación representa un caso particular debido a que su ingente discografía no ha sido respaldada nunca con presentaciones en vivo; es decir, la carrera artística de Abigor (durante casi 20 años) se ha enfocado enteramente en la creación musical y el desarrollo de una cosmovisión oscura, satanista en sus letras. Así, pues, estamos frente a un proyecto bastante reputado pero, al mismo tiempo, enigmático, una combinación que muy pocas bandas han logrado personificar tan logradamente.

In Memory... hace parte de esa lista de trabajos de Abigor, más en concreto de sus EP's, pero figura entre ellos de un modo especial, puesto que es el primer título (y tal vez el único) en el que se han incluido covers. Incluso, esta fue la carta de presentación del mismo: una respuesta a los fanáticos que esperaban versiones hechas por Abigor de canciones que no fuesen suyas, en este caso "Terrible Certainty" (de Kreator) y "Crionics" (de Slayer). El EP está compuesto por 5 canciones: los 2 covers mencionados y 3 canciones propias grabadas en diferentes tomas (1995, 1997 y 1999); material que, en conjunto, revela el sonido distintivo de los austriacos, así como su línea temática, para esta época enfocada en simbología cósmica.

Hay dos elementos que marcan la originalidad de In Memory..., por un lado, el tipo de manejo que hace P.K. de los teclados, los cuales irrumpen a lapsos en las canciones, generando mezclas inusuales, no el clásico acompañamiento atmosférico; un toque que es especialmente palpable en los covers que, resultan así, enriquecidos con un instrumento diferente. El otro elemento tiene que ver con el registro sonoro que alcanza Abigor, a veces por no incluir en las pistas bajo, sino muchos riffs de guitarras y, en otras, por manejar una amplia variedad de vocalizaciones a un mismo tiempo: limpias, femeninas y rasgadas. Este EP, como sucede en el fondo con toda la música de la banda, mantiene estructuras melódicas, pero la distorsión y la ecualización en caja que siempre ha manejado Abigor, le confieren un matiz crudo y agresivo.

ABIGOR. In Memory... Napalm Records. 2000.
RANK: 7.5/10