Trail of Tears hizo parte de la ingente escena gótica que explotó en Noruega a mediados de los noventas, si bien su propuesta supo forjar un camino propio al evitar sustancialmente los aparatajes clásicos y encarrilarse hacia un sonido más moderno y fuerte. De hecho, su música posee un regusto a Black Metal que inmediatamente la aleja de nombres como Tristania, Sirenia o Theatre of Tragedy y la acerca, más bien, a la línea sinfónica de bandas como Dismal Euphony o The Sins of Thy Beloved. En 2002, la época de su tercer álbum, A New Dimension of Might, esa personalidad estaba más que desarrollada, de suerte que el disco resulte muy profesional, tanto en lo que respecta a la calidad operativa de sus músicos, como a la agudeza desde la cual encuadran todos los elementos para crear una obra entretenida y polifacética.

A New Dimension of Might toma forma a partir de tres pilares: una fuente gótica que emana de las voces operáticas, los riffs melódicos, los pasajes sosegados y el contraste entre lo luminoso y lo oscuro; una fuente Black Metal que se descubre en los fragmentos en que Trail of Tears propone vocales desgarradas, acelera la marcha o presenta guitarras sostenidas; y una fuente electrónica que enriquece los temas con el uso de sintetizadores y samples. Según la canción, es posible que una de estas facetas predomine, pero la banda tiene un maduro sentido del equilibrio, gracias al cual, a lo largo de los 50 minutos que dura el disco, se experimenta la sensación de hallarse frente a una propuesta completa que va descorriendo sus distintas dimensiones obedeciendo solamente al discurrir que proyecta la misma música.

La conciencia de lo simétrico en Trail of Tears es admirable, además, porque, a pesar de que a los siete integrantes del grupo se suman varios músicos de sesión (todos ellos con un nivel notable), el álbum realza siempre el espíritu del conjunto sobre la individualidad, abocándonos a una arquitectura sumamente sólida. En lo que sí exhibe la banda un carácter íntimo es en las letras de las canciones: buena parte de ellas está enfocada en el aislamiento, la oscuridad del mundo interior y el modo como la integridad se pierde por efecto de los miedos o la ilusión. Hay una concepción casi laberíntica en el disco, pues por momentos se abre la puerta a voces de auxilio o a la salvación en el plano de lo sexual para cerrarse nuevamente en esos estados extremos que se describen en temas como "Splendid Coma Visions" o "Bloodred Trance".

A New Dimension of Might fue lanzado por Napalm Records en la época más prominente de este sello, es decir, cuando su catálogo presentaba, además de las bandas mencionadas antes, otras tan interesantes como Dargaard, Darkwell, Hollenthon, Lacrimas Profundere o Visions of Atlantis. La presentación del CD es muy cuidada: incluye un cuadernillo de 16 páginas con fotografías de la banda, las letras de las canciones y los agradecimientos. El diseño corrió por cuenta de Nieraj Singh, quien utilizó estrictamente tonos azules, grises y negros para dar forma a un arte que responde correctamente a la música y letras de Trail of Tears. De este mismo título existe también una versión en CD no oficial prensada en Rusia por la Steamhammer Records y otra en TAPE hecha por Irond Records, ambas lanzadas en 2002.

Mardraum: Beyond the Within (2000) es el resultado de la experiencia que ganó Enslaved con todas sus obras anteriores y de la apertura musical que caracteriza su proceso creativo. Lo primero, le permitió a los noruegos tener un bagaje, y, lo segundo, arriesgarse a depurar los recursos que hacen parte de su sonido, organizándolos de modo que no tuviesen comparación con nada precedente. Y es que, difícilmente podría hallarse un disco como este, con el mismo tratamiento de la pesadez, la cual se forja, no desde la velocidad o el ruido -como es usual-, sino a partir del cruce de numerosos elementos que generan una sensación de densidad. Con Mardraum se está un paso más allá del Black Metal, pues la creatividad de la banda desborda el género, pero, también se permanece en el seno de él, pues esa es la base la banda y aquello que en el álbum se estiliza y reinventa.

Los 11 temas que conforman el disco son de probadísima calidad; en ellos se destaca un empuje épico, producto de los constantes cambios de marcha y de una instrumentación que trabaja intensamente tanto la distorsión como la limpieza. Es indudable que Enslaved tiene una perspectiva progresiva; eso queda remarcado en los variados juegos de guitarra, en la generación de solos por fuera de lo convencional e, incluso, en la propia versatilidad de sus músicos que, por regla, se desempeñan en por lo menos dos roles. Pero, aun así, Mardraum no es un álbum que pueda catalogarse simplemente como técnico; en él habita todavía el nervio del Black Metal, y este salvaguarda en la experimentación toda la pesadez y energía del género.

Mención aparte merece el trabajo vocal que es francamente sorprendente: las fuertes growls de Kjellson están aquí en su mejor momento, y se unen de forma permanente con los tonos altos y las salidas Heavy Metal de Kronheim y Bjørnson. Por añadidura, el hecho de que el álbum se encuentre compuesto casi enteramente en noruego, ofrece a quien escucha un tono y una potencia especiales en las voces. El apartado lírico no desencaja y en todo momento se halla a la altura de la música. En general, las letras se mueven en una dirección que tiene que ver con la vuelta al paganismo nórdico; con todo, no abundan aquí los nombres de dioses antiguos o algo por el estilo, sino más bien, el rechazo a la creencia cristiana, la exhortación a recuperar la voluntad propia y algunas descripciones de gestas vikingas.

Mardraum: Beyond the Within fue grabado en febrero de 2000 en los Abyss Studios bajo la ingeniería de Lars Szöke y Peter Tägtgren y fue prensado ese mismo año por la Osmose Productions; esta doble asistencia garantizó la producción que es, por donde se mire, impresionante. En cuanto al diseño, el CD cuenta con un cuadernillo de 16 páginas a todo color que presenta las letras -tanto en noruego como en inglés-, los agradecimientos de la banda y fotografías en vivo. La portada del álbum tal vez no sea la parte más destacable del mismo, aunque bien podría sostenerse que en ella se exponen las runas y esa especie de rapto que simbolizan las pesadillas para Enslaved -"mardraum" traduce "pesadilla"-. Existen de este título numerosas versiones en todos los formatos, lanzadas, entre otros, por Metal Mind Productions, Necropolis Records y Season of Mist.

Con Theatre of Tragedy se inaugura prácticamente el puente que comunica el Doom con el Gothic Metal, no sólo por cuestiones de orden temporal, sino también porque el concepto del que se sirve para este enlace explicita ya de manera más que clara las coordenadas por las que se rige. Esto significa, en otras palabras, que Theatre of Tragedy elabora una propuesta cuyos antecedentes son pocos y que, además de ello, en su obra (refiriéndonos, por supuesto, a su primer disco, auto-titulado) las bases de creación están perfectamente definidas: ese paisaje gris, lúgubre del Doom empezará a adquirir, por efecto de los recursos góticos, un nervio clásico, antesala de lo que serán las armonías y el estilo propio de las bandas que vendrán un par de años después como Tristania, Within Temptation, The Sins of Thy Beloved o Trail of Tears.

Es posible que antes de 1995 algunas bandas se hubiesen aproximado a aquello que Theatre of Tragedy convierte en proposición, pero lo cierto es que ninguno de esos acercamientos tuvo en su abordaje del Doom un carácter que lo acercara tanto al Gótico en una doble dirección: primero, la presencia de esos elementos en los que se afinca la raíz clásica -el chelo, piano, soprano- y, por otra parte, la marcada presencia de los opuestos: belleza y fealdad, luz y oscuridad, tranquilidad y conflicto. De esta manera, al escuchar los temas que componen su álbum, se experimenta una emoción compleja: el sentirnos arrastrados por una corriente lenta, nostálgica y oscura que nos lleva de vuelta hacia el pasado, a un espacio impreciso, pero colmado de los más diversos estados: la agonía, el temor, el vértigo, la contingencia, el vacío.

¿Qué criterio podría utilizarse para juzgar "...A Distance There Is..."? ¿Cómo interpretar la sublimidad de "Mïre" o de "Dying: I Only Feel Apathy"? El arte se ha volcado fértilmente sobre estas canciones, y sólo la perfección, el equilibrio de la forma, el rapto, la catarsis parecen servirnos de guía. En la misma pausada melodía -cuya estampa se asemeja a la de Katatonia-, se filtran los destellos de un tiempo invocado desde tantos puntos: desde el encanto luminoso de Liv Kristine, desde la soledad que mueve el chelo, desde el ímpetu que declina en la palabra ("...In peace I now will rest..." / "...On his knees, a plea to harvest roses..."). Todo Theatre of Tragedy avanza en un sentido puro, develando el quiebre de la vida, su claroscuro y enfrentándonos, al final, con la sentencia que condensa su mensaje: nuestra vitalidad es un teatro hasta la última tragedia.

Originalmente, esta obra maestra fue lanzada por Massacre Records; sin embargo, en 1998 fue reeditada por Century Media Records, siendo justamente esta la versión que se muestra en la fotografía. El diseño del cuadernillo que acompaña el CD conserva el enfoque artístico de la música; la portada, incluso, simboliza mucho de su orientación, y el apartado gráfico restante (elaborado en tonos grises) es pulcro; se incluyen en el booklet las letras de las canciones, los agradecimientos, varias fotos de Theatre of Tragedy y la información técnica, en la que se puntualiza que el disco no fue grabado en Noruega -a pesar de la procedencia de la banda-, sino en Suecia, con la asistencia en producción de Dan Swanö, quien garantiza, como es costumbre, una mezcla y sonido excelentes. 

Dos cosas quedan claras cuando se escucha Twin Obscenity: la primera es que estilos como el Pagan o el Viking fueron variaciones naturales del Black Metal y, en consecuencia, inicialmente su distinción fue sólo conceptual; y la segunda es que, más allá de los aportes hechos por las bandas más crudas de Escandinavia, la melodía siempre supo abrirse allí un camino sobresaliente. Es verdad que sobre esto puede discutirse prolijamente, pero jamás se logrará probar algo distinto a que, en esencia, el sonido de Twin Obscenity corresponde al del Black Metal, que las etiquetas de Viking/Pagan que usualmente se le adjuntan obedecen ante todo a su plano lírico o estético y que, por otra parte, la banda es portavoz de la cosmovisión nórdica de los noventas, concretamente de su deseo de dirigirse por un camino menos primitivo que el recorrido por las primeras bandas.

Con relación a todo esto, For Blood, Honour and Soil (1998), segundo disco de Twin Obscenity ofrece una excelente ilustración. En efecto, se halla en él una temática perfectamente establecida, de la cual hablan ya tanto la portada como el título; las nueve canciones del álbum nos remiten a un espacio en el que las batallas, los dioses y los héroes se entrecruzan formando un discurso que rememora lo más propio de la épica vikinga: "Our swords will mark our stand / by glory this our right / once more unto the field / once more we stand and fight". Las letras de la banda son, por así decirlo, himnos de guerra, y en tal sentido se enfocan en las estrofas, coros e intervenciones de los vocalistas, pues estos últimos pueden alternativamente ejecutar susurros, rasgados, guturales gruesas y, en el caso de un par de canciones, hasta líneas femeninas.

Ahora bien, la música que acompaña este ideario, no posee ritmos o elementos vikingos, sino, como dijimos, la estructura propia del Black Metal melódico. A este respecto es muy diciente la influencia de Dissection, evidente en la confección de los solos y ciertos riffs (como los de "The Wanderer"); asimismo, los teclados (ejecutados aquí por Mona Skottene -la vocal femenina-) comparten más o menos la dirección de grupos como Old Man's Child o Dimmu Borgir, sólo que sin caer en la saturación de las composiciones, insinuando más que protagonizando. La producción de For Blood, Honour and Soil permite escuchar cada instrumento y sorprenderse con pequeños detalles: el eco de las voces en "In Glorious Strike" o "Upon the Morning Field", los logrados fragmentos acústicos, o el uso del doble bombo, entre otros.

Twin Obscenity firmó un contrato con la Century Media Records a finales de los noventas al parecer por más de 5 discos, pero lamentablemente tras el lanzamiento del segundo -Bloodstone  (2001)- la banda se desintegró. For Blood, Honour and Soil, al haber sido prensado también por este sello, contó con una presentación profesional y, por supuesto, una amplia distribución en el mundo; la portada y todo el diseño interior están basados en gestas épicas, y las mismas fotografías de la banda reflejan esta orientación. A la fecha no existen reediciones del disco, si bien la mayoría del catálogo del sello se ha vuelto a prensar, de suerte que únicamente es factible buscar las versiones de época, editadas en Alemania y Estados Unidos. Debe destacarse que ninguno de los 3 miembros de Twin Obscenity en esta época (Tønnessen, Wiig y Naesje) han tenido otros proyectos desde entonces.

TRISTANIA. Beyond the Veil. Napalm Records. 1999.
RANK: 9.5/10

Después de editar dos álbumes con alineaciones de al menos 4 integrantes, Old Man's Child lanzó en 1998 un nuevo disco -Ill-Natured Spiritual Invasion- en el que la creación recaía enteramente en un solo miembro. Se ratificaba así algo que ya resultaba evidente: más que una banda, Old Man's Child constituía un proyecto que giraba en torno a las ideas de Galder, aquel músico que hasta el 2000 elaboró con su música un buen contrarrelato de Dimmu Borgir y que, partir de esta fecha, se integró a las filas de esa banda como miembro regular, claro está, sin abandonar su trabajo en solitario. Sin duda, Galder es un artista ambicioso, y ha contribuido en no poca medida a la evolución del Black Metal noruego, crudo y oscuro durante sus primeros años de vida, pero luego cargado también de los más variados visos exploratorios: lo atmosférico, lo sinfónico, lo melódico, lo progresivo, etcétera.

Ya desde la época de Born of the Flickering (1996), Old Man's Child se destacaba entre las bandas de su país justamente por no anclarse en su mismo sonido, sino sondear estructuras mucho más melódicas. Con Ill-Natured Spiritual Invasion esta búsqueda se hace explícita totalmente, hasta convertirse en un referente para quienes aprecian el sonido de bandas como Naglfar, Covenant, Dimmu Borgir o Susperia. Lo que impresiona es que, detrás de la concepción de este disco se halle únicamente la mente de Galder, que sólo él componga las líneas de guitarra, el soporte armónico de los teclados, y que además se encargue de la parte vocal, la mezcla y la producción. Una excelente labor que apenas complementa Gene Hoglan (Dark Angel, Death, Testament), baterista invitado que imprime sobre las melodías de Galder un acompañamiento puntual y diverso.

Ill-Natured Spiritual Invasion contiene 8 temas de Melodic Black Metal cuya velocidad combina ritmos medios y rápidos. En total son 35 minutos muy bien utilizados, en los que se puede disfrutar de riffs oscuros, aunque emparentados con los del Heavy Metal ("Demoniacal Possession" o "Thy Servant"); una fuerte presencia de teclados ("Towards Eternity", "Captives of Humanity"); y una ejecución vocal que ofrece ciertas tonalidades cercanas al Death (como ocurre en "My Evil Revelations"). Tal vez el aspecto que menos sobresale en el disco es su parte lírica (al parecer improvisada en por Galder en el estudio), pues la mayoría de las letras tienden a seguir el cliché de la rebelión anticristiana, sin ofrecer ninguna cualidad particular. Ahora bien, aun aquí es justo resaltar que hay algunas líneas interesantes y que los coros de las canciones son memorables.

En la fotografía se observa la edición original del disco, lanzada por la Century Media Records tanto en Europa como en Norteamérica en 1998. La presentación interior cumple sin llegar a sorprender, pues la imagen de la portada se repite aplicándole diferentes colores en las 8 páginas del cuadernillo. Aparecen allí las letras de las canciones, la información técnica y la publicidad de discos precedentes. De este mismo álbum de Old Man's Child existen otras 2 versiones también editadas por Century Media: un LP prensado en Alemania en 1998 y un CD de procedencia brasilera del 2000. Asimismo, es posible encontrar una edición japonesa realizada por Avalon Records que contiene el tema "The Millenium King" como bonus track.

Detrás del nombre de Limbonic Art hay todo un concepto estético y filosófico porque, como bien ha explicado el mismo Daemon, el limbo representa un campo ideal para experimentar las pasiones y los límites del hombre; es ese espacio en el que emerge con mayor potencia el lado oscuro de la vida. Una postura que resulta atrayente, en especial cuando se mezcla con la música fina y compleja que desarrolla la banda, enmarcada dentro del Symphonic/Black Metal, de corte vanguardista, incluso, con relación al trabajo de otras bandas de su país (Emperor, Dimmu Borgir, Tartaros), fértil en exploraciones de este tipo. Ya son 20 años de trabajo dentro de la escena, 7 álbumes de estudio, giras por todo el planeta y una reputación prácticamente consolidada, los logros obtenidos por Limbonic Art hasta la fecha.

Epitome of Illusions (1998) es el tercer título en la carrera de los noruegos, y se considera un disco como tal porque, a pesar de que en él aparecen temas regrabados de sus primeras Demos, posee una unidad y dirección claras. Las 7 canciones aquí incluidas son lúcidas, profundas, de una belleza sublime y oscura; en ellas, los teclados se vuelcan de forma abrasiva sobre los otros instrumentos, llenándolos con su presencia y otorgando a las armonías una densidad cósmica, universal. Tal es la importancia que tienen los teclados para la banda que en temas como "Sources to Agonies" se prescinde por entero de la guitarra, y en otros como "Artic Odyssey", también de la batería. Y es que no son atmósferas lo que construye Limbonic Art, son verdaderas sinfonías, con sus correspondientes oberturas, clímax y cierres, y para probarlo basta oír "The Black Heart's Nirvana".

Ahora bien, que primen los teclados en Epitome of Illusions no significa que todo lo demás sea accesorio; por el contrario, hay en el disco un buen trabajo de guitarras, con sus propios riffs y solos; también una ejecución de voces increíble, capaz de conseguir diversos tonos rasgados y registros altos; una batería no lineal, acompañada de percusiones operáticas; y una gama amplísima de velocidades (que van de los fragmentos ambientales a aquellos otros con el redoblante a fondo). Escuchar Limbonic Art es adentrarse en un escenario de comunión entre el hombre y el universo, así queda expuesto en su música y en el enfoque de sus letras, elaboradas todas al modo de una poesía de trazos oscuros y simbólicos: "I dwell in a mournful symphony / as I prepare for the cosmic funeral / the body yearns for dormancy / my spirit awaits to be set free".

La primera edición de Epitome of Illusions fue prensada en 1998 por el sello noruego Nocturnal Art Productions (propiedad de Samoth, guitarrista de Emperor). En la fotografía puede observarse dicha versión, cuyo cuadernillo de 12 páginas incluye tomas de la banda, las letras de las canciones y el arte principal, diseñado por el propio Morfeus. Existe también una re-edición remasterizada lanzada por Nocturnal Art a los pocos meses de la primera; su diferencia física radica en el logo del sello (más pequeño en la re-edición), el código de barras, y la falta de los datos de los distribuidores. Asimismo, existe una versión en TAPE hecha en Polonia por Mystic Production, y las recientes versiones editadas en CD por la Candlelight Records (que incluye bonus tracks) y en LP por la Floga Records.