La densidad doomy que caracterizó el álbum debut de Hefeystos (1996) cedió su lugar en Psycho Café (1998) a una experimentación que, pese a no abandonar el cuño místico, desplazó la banda hacia un entrecruce de Heavy Metal, Gótico y Avant-garde. Ese cambio de orientación, sin duda, desanimó a aquella parte de los seguidores que no logró comprender cómo esta segunda placa, en el fondo, respondía a una evolución previsible, al menos si se toman en cuenta los indicios de un sonido más diáfano y confeccionado que ya se encontraban en el primer disco y, sobre todo, el impulso que poseía el genio creativo de la banda que con toda seguridad iba a conducirla, después de la primera grabación, no solo a aumentar su profesionalismo, sino, además, a recorrer las rutas necesarias para que su creatividad fluyese libremente.

Psycho Café constituyó, así, un álbum esencialmente vanguardista, el producto de una experimentación que, interpretando bien el eclecticismo de su época, exhortó a Hefeystos a dar un paso más allá. Las vocales del disco, para dar un ejemplo, son sorprendentes en sus tonos, alcances y combinaciones: solo la figura de Alicja Szumska atestigua resonancias de fuentes tan diversas como Lahka Muza, Diamanda Galas y Mazzy Star. La instrumentación, así mismo, resulta apabullante: bajo, batería y guitarra se ejecutan con una precisión ejemplar, no exenta de feeling; cada instrumento tiene su momento de destacar por medio de solos (el bajo en "Adoration of the Earth", la batería en "Psycho Café" y la guitarra en numerosas ocasiones durante cada corte); además, la conexión del conjunto (en ese predominante mid-tempo que maneja) nunca deja de mostrarse fértil, de suerte que la proyección del álbum sea, al mismo tiempo, individual y colectiva.

Aunque los teclados suelen tener un papel más protagónico en este tipo de títulos, en Psycho Café la base rítmica reposa en las guitarras; esto significa que su música es pesada y que el aporte del teclado se limita a algunos acompañamientos psicodélicos y, a veces también folclóricos (muy bien encuadrados), que aparecen en determinados momentos del disco. Las letras, por su parte, son otro gran acierto de Hefeystos: estas se organizan en textos poéticos que conectan numerosas influencias literarias (Sade, Nietzsche, Byron, Lautreamont, etcétera) con experiencias propias de Piotr Weltrowski (principal compositor de la banda). El disco demuestra una gran atracción por el tópico de la lujuria, de allí que elabore paráfrasis de relatos como el del pecado original o incorpore textos enteros procedentes de los escritos de Aleister Crowley.

De Pyscho Café existen varias versiones: Wounded Love Records prensó en 1998 la edición en Digipak que se muestra en la fotografía y otra promocional en formato Cardboard Sleeve. Ese mismo año, la NEMS Enterprises lanzó otra versión en CD que contiene como bonus tracks los dos temas del EP Vilce Sjen (1997). La presentación que hizo la Wounded Love es impecable: el Digipak está acompañado de un librillo de 12 páginas con las letras de las canciones, agradecimientos, fotografías y datos de grabación. El diseño general establece una mezcla entre lo arcaico y lo moderno, aspecto que captura el enlace que existe entre el nombre del grupo (propio de una etapa remota de lo humano) y su música (la cual nos aboca al lugar más contemporáneo). Vale la pena recordar, para finalizar, que entre los músicos invitados a Psycho Café, se encuentra Nergal de Behemoth, quien hizo parte de las vocales de apoyo en tres temas.

Las bandas del Mediterráneo, especialmente las que trabajan Black Metal, son herederas de una oscuridad bastante peculiar. Bien porque en la historia de esta parte del mundo converjan las más variopintas culturas, o bien porque exista algún tipo de influencia geográfica, lo cierto es que en las bandas de esta procedencia siempre se entrevé ese rasgo común, de suerte que pueda afirmarse que se trata de un flujo inmanente. Y dicha distinción se ha convertido en un punto de referencia hasta tal punto interiorizado por el público que si ahora mismo escribiese que la banda que nos ocupa, esto es, Cultus Sanguine, trasluce la oscuridad propia de la música mediterránea, rápidamente inferiríamos de las referencias que primero vengan a nuestra mente -Necromantia, Varathorn, Opera IX, Necromass- ese aire ritualístico, sombrío y atemporal que emana de ellas.

Ciertamente, Cultus Sanguine se presenta como una agrupación oscura desde su nombre, pero es en su sonido en donde esta cualidad se evidencia con más rigor. Su propuesta, enmarcada dentro del Black/Doom, elabora atmósferas densas y melancólicas en las que se establece un equilibrio inteligente de los componentes: la presencia etérea y lúgubre de los teclados, la vocalización alternada que ofrece sensaciones de frialdad y angustia, y las guitarras que sutilmente unen su melodía al oleaje de los teclados creando un conjunto envolvente, a la vez que delicado. Los temas que componen el EP guardan un aire de semejanza con el primer Katatonia, pero la lentitud de Cultus Sanguine y su propio tratamiento de lo tétrico no escapan, como dijimos, del sello particular del Mediterráneo, el cual les confiere un tono más litúrgico.

La mezcla de esta obra, compuesta apenas por 4 temas -uno de ellos una Intro de la que hubiese podido prescindirse-, acentúo, por una parte, la sobriedad de la parte rasgada de las voces y, por otro, la sutileza de los riffs que aparecen en la armonía como ecos. Las letras, por su parte, encuentran un perfecto conductor en Joe Ferghieph, ya que el vocalista destaca cuando lo descriptivo de un pasaje le exige una interpretación átona y, asimismo, cuando el sentido abatido de lo que se dice requiere de él la profundización del sentimiento. En general, las líricas están muy bien concebidas y poseen un carácter amargo que encaja perfectamente con la música; en "Into the Field of Screaming Souls", por ejemplo, se escucha: "I'm the sadness grey as tomb / I'm the desert where all the hopes die".

Cultus Sanguine inició su carrera musical con una Demo en el año 1994, y, a finales de ese mismo año, entraron a los New Hammil Studios de Milán para grabar el material que haría parte de este EP homónimo. El título fue lanzado por el sello Wounded Love Records y distribuido por Avantgarde Music, disquera propiedad de Aqua Regis, bajista y guitarrista de Cultus Sanguine en aquel entonces. El diseño de la obra es sobrio; todo se elaboró sobre papel brillante a blanco y negro, e incluyó un apartado fotográfico realizado por Ouranos, tecladista del grupo. A la fecha no existen reediciones del EP, a pesar de lo cual -dejando de lado el valor que le atribuyen algunos especuladores- es posible todavía comprarlo a un precio razonable.

Este es uno de esos casos en los que el último disco de una banda deja la sensación de una gran pérdida y la tristeza de saber que, a veces, no basta el talento o las ideas si la suerte se mueve en dirección contraria. Gracefallen (1999) es una obra maestra, el adiós perfecto con el que Unholy se despidió del selecto grupo que le seguía, hábil para captar en su propuesta, abiertamente lenta y experimental, el sentido de una estética que probaba, a cada paso, su capacidad de elevación, de rapto, y el encanto de un misterio que todavía hoy no termina de explicitarse. Todo Unholy, aunque en especial el de este álbum, rebosa arte, al punto de que existe la posibilidad de entender su propuesta, no sólo dentro de las fronteras del Metal, sino, además, como una expresión más general de las vías que tiene la música contemporánea.

Y es que Unholy se hace singular en la medida en que, tomando como base la densidad propia del Doom, empieza a enriquecerse con otros elementos: sobre su distorsión brillante y crisposa, por ejemplo, hay otra atmósfera tejida sigilosamente, sombría en su textura, pero de un lirismo hipnótico; asimismo, en medio de la viscosidad a la que en ocasiones llega la armonía, se levanta la voz de Muhli, serena y limpia, para convertir sus sílabas en embeleso, en una ceremonia de siglos. La lentitud se asume como único tiempo, pero aquí y allá surgen recursos que la ennoblecen: los dejos circenses de "When the Truth Turns Its Head", el ritualismo de "Haoma", la lobreguez de "Daybreak" o las declinaciones poéticas de "Athene Noctua", ambientadas, como siempre, con teclado.

Por otra parte, Gracefallen es brillante en lo que se refiere a los efectos sobre las ejecuciones, pues estas redundan en sensaciones de eco, vacío o temblor, algo que empalma perfectamente con la morosidad de la música y, por supuesto, con el apartado lírico, muy simbólico y trabajado. Las letras parecen escritas en clave y tienden a repetirse en varias canciones (como ocurre en "...Of Tragedy" y "Daybreak"); Unholy presenta en ellas un recorrido por las fuerzas elementales, el vínculo que nos une con el resto del universo ("Here is the wisdom: life is coming and going / and becoming of the ones into one / symmetry of souls harmony under the sun); nada hay en sus palabras que pueda desaparecer la siguiente mañana, pues lo que estas captan es lo que siempre ha perdurado sobre la espalda del cosmos.

Como sucedió con los dos discos precedentes de Unholy -The Second Ring of Power (1994) y Rapture (1998)-, Gracefallen fue producido por el sello italiano Avantgarde Music en 1999 con un resultado que está a la altura de la música. El diseño es francamente deslumbrante: desde la portada -elaborada por Juha Vuorma (In the Woods..., Usurper)- cuyas imágenes parecen atemporales, hasta el manejo del color y las formas que hay al interior del cuadernillo, basado en el contraste de los elementos (la tierra, el fuego, el agua y el aire) y la creación que puede hacerse a partir de ellos de mundos soterrados y complejos. Además de la versión original -que es la que se muestra en la fotografía-, existen de este álbum dos versiones en TAPE lanzadas por Moon Records y Mystic Production, y una más reciente en CD prensada por la Peaceville Records.