Esta banda procedente de Camberra (Australia) nos invita a volver la mirada hacia una de las combinaciones de sesgo más tradicional: la que se genera entre el Doom y el Heavy Metal. Su EP homónimo, lanzado en 2008, presenta 5 canciones que constituyen una apuesta retrospectiva orientada a recuperar, en una época particularmente saturada de propuestas que abusan de los recursos tecnológicos, ese sonido análogo, orgánico y envolvente de agrupaciones como Candlemass, Dark Quarterer, Cirith Ungol o Witchfinder General. Demons Gate, en este sentido, es un interesante anacronismo, la memoria de una época que ya ha terminado, pero que es susceptible de reconstruirse rastreando cuidadosamente los elementos que le dieron forma e insuflándoles el espíritu requerido para que de ellos vuelve a brotar la vida.

Demons Gate es una banda clásica por donde se la mire: sus composiciones tienen la sencillez y memorabilidad de los grandes referentes, su sonido está cargado de esa distorsión moderada y rica en medios que se usó en el pasado, y su ritmo se afinca en los ritmos medios que caracterizaron también el Metal de antaño. No hay espacio aquí para elementos foráneos: solo una guitarra que deviene los punteos de los riffs con absoluta naturalidad, un bajo totalmente perceptible en cada tema, una batería fértil en su propuesta y una voz madura (gruesa y reverberada) que despunta con modulaciones perfectas. Por demás, Demons Gate es una banda de vuelo, esto es, con amplios espacios de despliegue instrumental que invitan a entregarse a las siempre diferentes ambientaciones o atmósferas.

En el tema "Holy Deceiver", Demons Gate acentúa su tono fúnebre y, apoyándose en vocales susurradas, disonancias y sucios arpegios, llega a asomarse a los terrenos del Black Metal. Sin embargo, esto es solo un atisbo porque, como se mencionó, el grupo sigue con inflexible fidelidad la mezcla entre Doom y Heavy Metal, inclinándose más a un género o al otro de acuerdo a los derroteros que siguen las canciones y encargándose de fabricar otro sentido de la unidad a partir de las letras, pues todas ellas coinciden en la utilización de la imaginería satanista, en ciertos casos (como "Blood and Stone" y "Kiss of Fire") para recrear la destrucción o el apocalipsis, en otros (tipo "Accustomed to the Dark") para denunciar la pérdida de la antigüedad pagana e, incluso, en algunos más (como la mencionada "Holy Deceiver") para reconstruir los lineamientos propios de rituales.

Demons Gate fue originalmente prensado en 2008 por Abysmal Sounds Records en formato TAPE, si bien la banda había editado ya el mismo material de forma independiente dos años antes bajo el nombre Demo 2006. En 2010 el título fue reeditado por Iron Bonehead Productions en LP y en 2012 apareció la edición en CD que estuvo a cargo de la Terror from Hell Records. Esta última edición, aunque digital, no desentona frente a la propuesta de los australianos: su diseño conserva el arte original y, a pesar de su austeridad, ofrece un cuadernillo con información suficiente acerca de letras, agradecimientos y datos de grabación. Como puede observarse en la fotografía, también en el plano visual, Demons Gate buscó subrayar su gusto por lo demonológico, lo cual, sin duda, es otra manera de entrar en comunión con la esencia mística del Doom Metal.

La densidad doomy que caracterizó el álbum debut de Hefeystos (1996) cedió su lugar en Psycho Café (1998) a una experimentación que, pese a no abandonar el cuño místico, desplazó la banda hacia un entrecruce de Heavy Metal, Gótico y Avant-garde. Ese cambio de orientación, sin duda, desanimó a aquella parte de los seguidores que no logró comprender cómo esta segunda placa, en el fondo, respondía a una evolución previsible, al menos si se toman en cuenta los indicios de un sonido más diáfano y confeccionado que ya se encontraban en el primer disco y, sobre todo, el impulso que poseía el genio creativo de la banda que con toda seguridad iba a conducirla, después de la primera grabación, no solo a aumentar su profesionalismo, sino, además, a recorrer las rutas necesarias para que su creatividad fluyese libremente.

Psycho Café constituyó, así, un álbum esencialmente vanguardista, el producto de una experimentación que, interpretando bien el eclecticismo de su época, exhortó a Hefeystos a dar un paso más allá. Las vocales del disco, para dar un ejemplo, son sorprendentes en sus tonos, alcances y combinaciones: solo la figura de Alicja Szumska atestigua resonancias de fuentes tan diversas como Lahka Muza, Diamanda Galas y Mazzy Star. La instrumentación, así mismo, resulta apabullante: bajo, batería y guitarra se ejecutan con una precisión ejemplar, no exenta de feeling; cada instrumento tiene su momento de destacar por medio de solos (el bajo en "Adoration of the Earth", la batería en "Psycho Café" y la guitarra en numerosas ocasiones durante cada corte); además, la conexión del conjunto (en ese predominante mid-tempo que maneja) nunca deja de mostrarse fértil, de suerte que la proyección del álbum sea, al mismo tiempo, individual y colectiva.

Aunque los teclados suelen tener un papel más protagónico en este tipo de títulos, en Psycho Café la base rítmica reposa en las guitarras; esto significa que su música es pesada y que el aporte del teclado se limita a algunos acompañamientos psicodélicos y, a veces también folclóricos (muy bien encuadrados), que aparecen en determinados momentos del disco. Las letras, por su parte, son otro gran acierto de Hefeystos: estas se organizan en textos poéticos que conectan numerosas influencias literarias (Sade, Nietzsche, Byron, Lautreamont, etcétera) con experiencias propias de Piotr Weltrowski (principal compositor de la banda). El disco demuestra una gran atracción por el tópico de la lujuria, de allí que elabore paráfrasis de relatos como el del pecado original o incorpore textos enteros procedentes de los escritos de Aleister Crowley.

De Pyscho Café existen varias versiones: Wounded Love Records prensó en 1998 la edición en Digipak que se muestra en la fotografía y otra promocional en formato Cardboard Sleeve. Ese mismo año, la NEMS Enterprises lanzó otra versión en CD que contiene como bonus tracks los dos temas del EP Vilce Sjen (1997). La presentación que hizo la Wounded Love es impecable: el Digipak está acompañado de un librillo de 12 páginas con las letras de las canciones, agradecimientos, fotografías y datos de grabación. El diseño general establece una mezcla entre lo arcaico y lo moderno, aspecto que captura el enlace que existe entre el nombre del grupo (propio de una etapa remota de lo humano) y su música (la cual nos aboca al lugar más contemporáneo). Vale la pena recordar, para finalizar, que entre los músicos invitados a Psycho Café, se encuentra Nergal de Behemoth, quien hizo parte de las vocales de apoyo en tres temas.

Fueron tan vistosos los shows de Goddess of Desire que después de cada presentación resultaba imposible no preguntarse cuánto había en ellos de calidad musical y cuánto, por el contrario, de pura teatralidad. Para muchos, justamente, su parafernalia escondía un reciclaje de ideas que habían rendido ya suficiente fruto, pero que la banda forzaba aún de modo empecinado. No obstante, para otros, dicha imitación -que tenía incluso nombres propios: Venom, Celtic Frost, Manowar- no constituía un motivo de señalamiento y, en su opinión, encajaba perfectamente con el espectáculo que montaban los holandeses en tarima. Así pues, durante la década y media que vivió la banda, la crítica de su propuesta pareció dividirse en dos posiciones inconciliables.

Ahora bien, para quienes conocemos la banda solamente a través de sus discos aquellas perspectivas están armonizadas. En efecto, es claro que Goddess of Desire no es un grupo original, pues su música -al menos en lo que respecta a Conquerors Divine (2002)- no es más que un enclave de los géneros tradicionales -Heavy, Speed y Thrash Metal- sin ningún arresto propio; pero a pesar de ello, sus integrantes no son figuras fingidas, sino músicos que, moviéndose dentro de un viejo molde, son capaces de componer con riqueza y dinamismo temas que llegan a ser incluso notables. Es más, Goddess of Desire refleja un acople envidiable para muchos, y la calidad de sus solos, el cuerpo de sus riffs y el juego impecable entre sus estrofas y coros, poseen por sí mismos un valor que no sería justo desmeritar.

La prueba de esto está en el hecho de que un disco de 14 canciones parece, de entrada, agotador y, sin embargo, se pasa por todo Conquerors Divine con un gozo permanente, conociendo los lances de sus 3 vocalistas, interiorizando los enérgicos cambios de tiempo y coreando las líneas de las letras que transitan por asuntos tan diferentes como la vida de los metaleros, el orgullo pagano o la crítica religiosa. Apenas durante los 3 cortes que sirven de intermedios se suspende el flujo de esta vitalidad, pero una vez desaparecen estos se retoma el ritmo rampante de las canciones hasta alcanzar el final, en donde a modo de epílogo se encuentra el tema homónimo del álbum, cierre ideal del mismo en la medida en que sintetiza los recursos usados por la banda y concluye dejando el ánimo bastante arriba. 

Conquerors Divine fue lanzado en el año 2002 por el sello alemán Perverted Taste en formato CD y también en LP de 12". El tipo de animación que sirvió de portada al disco fue usual en los distintos trabajos de Goddess of Desire, pero no se mantiene en el interior del booklet, en el que se prefirió incluir imágenes distorsionadas de los músicos y un contraste entre fondos amarillos y negros. Se presentan allí mismo las letras de las canciones, los datos de grabación y los agradecimientos. Debe recordarse, finalmente, que Harm Noort, el bajista/vocalista de la banda es un veterano de la escena holandesa, pues ya estaba incorporado a la banda de Speed Metal Defender cuando corría el año 1984, y también tuvo un breve paso por Questionmark a finales de esa misma década.

Los comentarios que despertó Welcome to Hell a finales de 1981 denotan, a un mismo tiempo, la fascinación y el desconcierto generados por aquel nuevo sonido que se instalaba sobre el mundo y se anunciaba de modo radical en el título del disco. Se habló entonces de una "explosión de halitosis herética", de "una banda que ensordece", y hasta de que Venom equivalía a descubrir toda la suciedad que existe en el subsuelo. Sin embargo, lo que más sorprende es que las críticas recientes sigan coincidiendo con aquellas palabras y que, a pesar de las más de 3 décadas que nos separan del álbum, sigan manifestando que éste condensa el sonido más visceral que logrará tener el Heavy Metal, capaz, incluso, de generar impacto en los oídos y sensibilidad de aquellas personas que se hallan habituadas a la estridencia.

Destinado a erigirse como pieza de culto, Welcome to Hell es la obra que abrió al mundo la música de Venom, tanto a los fanáticos y honestos admiradores (Death, Asphyx, Deceased, Mayhem), como también a todos aquellos dedicados con desigual suerte a imitar su sonido. En todo caso, el punto es que sólo Venom suena como ella, haciendo resonar la batería con su bombo acartonado, y tejiendo riffs sucios, de solos crisposos y acelerados. La misma voz de Cronos ofrece un timbre único, levemente rasgado y atento siempre a transmitir las emociones particulares de los temas, despachando coros que se dirigen directamente a las mentes: si no fuese así, no vendrían a ella, casi de modo inevitable, los de "Poison", "One Thousand Days in Sodom" o "In League with Satan" apenas escuchádolos.

Por otra parte, son muchos los caminos que, en su momento, abrió Welcome to Hell para la música: los arpegios de "Mayhem with Mercy" inauguran los instrumentales que se tornarán comunes dentro del Black Metal, los falsetes de "Poison" serán popularizados después por los vocalistas del Thrash (los de Destruction o Sarcófago, por ejemplo), y el protagonismo del bajo, su marcaje, también será retomado numerosas veces. Con todo, más allá de ésto, tal vez el elemento que más se torna visionario sea el lírico, pues, Venom se desplaza por todo el espectro conceptual del Metal: trabaja el satanismo, se enfoca en asuntos de la muerte, destaca el alcohol, se relaciona con el sexo, rechaza a dios; en fin, condensa muchísimas de las posibilidades, construyendo letras ágiles, y concisas, pero también penetrantes y bien sobrellevadas.

La Neat Records fue la disquera que se encargó de editar originalmente Welcome to Hell en vinilo de 12" y, desde entonces, las reediciones no han parado de realizarse en todos los formatos -TAPE, CD, LP-. La que se presenta en la fotografía es una versión lanzada en el año 2002 por el sello Castle Music, propiedad de Sanctuary Records; esta edición tiene la particularidad de incluir en su cuadernillo una serie de reseñas tomadas de zines antiguos en los que se habló del disco, numerosas fotos de la banda y el back-cover de la primera edición; además, se agregan después de las 10 canciones originales algunos bonus-tracks extraídos de EP's y Demos. La misma Castle Music ha editado las otras piezas emeblemáticas de Venom: In League with Satan (1981), Black Metal (1982) y At War with Satan (1984) en formato CD.

ULTRATUMBA. Museo de los Despojados. Discos y Cintas Denver. 1997.
RANK: 6/10

No soy un experto en cuestiones de Heavy y Power Metal, pero creo que no se necesita serlo para reconocer que Thoten es una banda profesional, y esto a pesar de que existan muchas críticas negativas sobre su labor en diferentes espacios de la red. Algunas reseñas de su disco Beyond the Tomorrow (2001), por ejemplo, señalan que en él no destaca ningún talento en especial y que, incluso, (esto lo expresan los más radicales) el CD es una pérdida total de tiempo y dinero. Con todo, sigo pensado que hay varios puntos llamativos en el trabajo de Thoten y que estos se hallan tan bien dispuestos en el título antes mencionado (su álbum debut), que dejar de escucharlo puede llegar a constituir una pérdida importante, sobre todo para quienes aprecian la música melódica y la forma como esta se proyecta en las propuestas de vanguardia.

Thoten ofrece, de entrada, una música que no se encasilla fácilmente: hay en ella elementos procedentes del Heavy (en la voz, los solos y riffeos), pero también del Power Metal (en la melodía rítmica y los dúos teclado-guitarra) y hasta del Progresivo (en lo que se refiere a la precisión de los músicos y la complejidad de muchos movimientos). Las 10 canciones que contiene Beyond the Tomorrow ponen en marcha este acople, dando primacía a alguno de los recursos: así, mientras temas como "Lady of the Lake" o la balada "Christened by Flame" poseen una confección muy clásica, otros, como "Ashes in the Abyss" van en la dirección del Power noventero, y unos más, tipo "Wild Life" proponen estructuras complicadas y virtuosas, propias del Progresivo; todo, claro está, reflejando siempre una melodía de avanzada, que es el rasgo transversal que unifica la propuesta.

En efecto, Thoten tiene una mirada vanguardista o, por lo menos, en su música hay matices de esta clase: los teclados, verbigracia, ofrecen un rango que va desde lo clásico hasta lo cibernético; las vocales no se enfocan en un solo tono, sino que poseen variedad (hay algo de Kiske, Halford y Dickinson en ellas); y, por último, hay muchos arreglos que perfectamente encajarían dentro de un álbum de Jazz ("Altar of Freedom" es muy diciente al respecto). Con relación a las letras, estas se hallan lejos de los contenidos del Power moderno: su orientación es la crítica social: "Above the Law" invita a pelear por la democracia, "Wild Life" reproduce la historia de un homicidio", y "Altar of Freedom" denuncia la masacre de los conquistadores en América; cada una, pues, busca suscitar la reflexión y el empoderamiento sobre nuestra vidas.

Beyond the Within fue lanzado originalmente por Metal Gallery Records en 2001, y un año después fue reeditado por el sello italiano Scarlet Records, incluyendo el tema "Scream" como bonus track. En la fotografía puede observarse la primera edición del disco, esto es, la prensada en Brasil, cuya portada es distinta a la de la segunda versión, que exhibe a un indígena en acto de invocación. En lo que respecta a la presentación, el álbum cumple sin destacarse: su cuadernillo contiene las letras de las canciones, los agradecimientos y algunas fotos de los músicos, entre los cuales debe destacarse, por supuesto, a su vocal Renato Tribuzy (de amplia reputación en el Brasil) y a Sidney Sohn e Itho Cruz (tecladista y bajista, respectivamente), quienes se han unido en años recientes a la alineación de la conocida banda Inquisição.

Formada a finales de los ochentas en Osaka (Japón), Narcotic Greed es una agrupación que, sin llegar a ser reconocida totalmente, se ha mantenido vigente dentro de la escena y ha cultivado logros importantes, tanto por sus giras en Europa, como por las ventas de sus discos. No soy muy conocedor de la orientación que tuvieron sus primeras Demos y el disco Fatal de 1994, pero, tomando como referencia su álbum Twicet of Fate (2001), podría afirmarse que los resultados obtenidos por esta banda en su carrera se deben, en buena medida, al tipo de música que propone, mezcla bien lograda entre el Thrash, el Power y el Heavy Metal. Así, para quienes son fanáticos del sonido de grupos como Nevermore, Iced Earth o Jag Panzer, Narcotic Greed resulta un nombre digno de consulta, la oportunidad para acercarse a una propuesta oriental hecha con cuidado y sin afanes.

Lo primero que debe destacarse de Twicet of Fate es el nivel compositivo de sus canciones; como dije, son palpables en el disco influencias muy diversas, pero todas ellas se encuentran perfectamente ensambladas, y esto es algo que pone de manifiesto la calidad de ejecución que tienen los 4 miembros de Narcotic Greed. Warzy, por ejemplo, convierte el trabajo guitarrístico en una experiencia diversa e inteligente: es capaz de crear ritmos de tintes Heavy/Power, y sobre ellos incluir largos solos a la usanza del Thrash Metal; también desarrolla fragmentos limpios y maneja de modo magistral los efectos (como sucede en el instrumental "Operetta"). Algo similar ocurre con las voces de Dan, quien posee un amplio rango vocal y, en consecuencia, canta en diferentes estilos a lo largo del disco: tonos altos, lances agudos e, incluso, ciertos fragmentos más groovy.

Los inconvenientes de Twicet of Fate tal vez provengan de otra parte: primero, del sonido demasiado seco que tiene el redoblante, el cual da mayor fuerza a las canciones, pero desentona dentro de la armonía; y, segundo, de la poca presencia que tiene el bajo en la equalización. Con todo, Narcotic Greed es una banda con mucha energía, temas como "Shotgun Highway" o "Deleted Illusion" despliegan una rapidez y fuerza únicas, mientras otros, como "Thug City", aunque son más lentos, mantienen la atención al límite por su variedad rítmica. Debe subrayarse, además, que las letras que presenta el álbum reflejan una mentalidad altamente crítica: la banda señala en ellas los efectos nocivos de la sociedad, la despersonalización, el anonimato, las identidades superpuestas, etcétera. "I walk through the city of gray / look at the sunset with deep hatred / I think I'm lonesome for my life".

Twicet of Fate fue grabado durante diciembre de 2000 y enero de 2001, y fue lanzado el 7 de marzo de este último año a través del sello World Chaos Productions. El cuadernillo del disco contiene las letras de las canciones en inglés y japonés, datos de contacto y fotografías a color de la banda; todo el diseño interior está basado en imágenes oscuras y futuristas, las cuales representan el caos de la existencia. Hasta la fecha no es posible hallar re-ediciones del álbum, como tampoco de la primera producción de Narcotic Greed; es más, desde hace más de una década la agrupación no publica material nuevo, sólo lo ha hecho Warzy con sus otras bandas モノノフ (Thrash/Death Metal), Hate Beyond (Thrash Metal) y su proyecto personal de Heavy/Thrash Metal, Warzy.