Los proyectos en solitario siempre están orientados por una búsqueda particular y tienden a una concepción totalizante. En el caso de Aras, esa condición resulta especialmente interesante porque su creador, Ehsan, proviene de Irán, un país en el que el Metal sigue siendo severamente censurado. No se trata de un hecho incidental, sino de una coyuntura profunda, pues esta ha restringido la música de Aras al reducto de su intimidad, a un aislamiento con el cual intenta sustraerse del hostigamiento de los musulmanes. Con todo, no ha sido posible resistir el embate de dichas persecuciones y, a pesar de que sus discos se producen a puerta cerrada y se dan a conocer solo a través de sellos foráneos, el propio Ehsan ha tenido que huir de Teherán para evitar ser encarcelado como viene sucediendo con muchos otros artistas, entre ellos, por ejemplo, los miembros de la banda Confess.

Acaso la situación de Aras, al tratarse de una banda de Black Metal, sea todavía más peligrosa: su música se levanta en el contexto religioso y político de Irán (en donde ambas cosas son una sola) como una voz de protesta cuyo objetivo principal es la crítica del régimen. En efecto, las letras de la banda denotan una misantropía general, pero también un odio focalizado hacia la imposición de los dogmas musulmanes; cualidad que, por un lado, la aleja del tradicional satanismo que pulula en el género y, por otro, la acerca, en todo caso, a la cruzada secular contra las religiones dominantes que también es propia del Black Metal y que, en su caso concreto, se ve ricamente alimentada por la "iluminación" recibida de fuentes literarias procedentes de poetas en lengua farsi como Hafiz, Shamlou, Sa'adi, Ferdowsi, Akhavan Sales, Molana y Khayam.

En el caso particular de Hemaseye Andooh (2006) esas influencias se expresan líricamente solo en la primera canción, ya que todos los otros temas son instrumentales. Sin embargo, debido a la atmósfera densa que hay en el EP (muy cercana a la de Xasthur), a su imponente atmósfera y la espesura que inunda la armonía, también se encuentra de esa concepción temática un correlato sonoro. De hecho, el predominio de los cortes instrumentales demuestra la suficiencia que tiene para Ehsan la pura música y, por supuesto, su destacable dominio de los instrumentos, en especial del teclado (con el que perfila continuamente las líneas saturadas de las guitarras) y de la batería (que, aun siendo programada, expresa un dinamismo importante y se alimenta con percusiones orientales, acaso derivadas de la música tradicional persa, que brindan al conjunto un tono bélico y fuerte).

Hemaseye Andooh fue lanzado originalmente de forma digital en 2006 y, dos años más tarde, el sello estadounidense Ragnarok Records se encargó de editarlo en una versión limitada a 1000 copias en formato DIGIPAK. La portada del EP, como puede observarse, ofrece la escena de la crucifixión en un dibujo realizado siguiendo la técnica del carboncillo; ese arte, en conjunto con la fotografía de la contraportada (y que podría equivocadamente dar a entender que se trata de una banda de Depressive Black Metal) es todo lo que puede hallarse de layout en la edición, la cual expresamente prescindió de los datos de contacto o grabación, incluyendo apenas la frase: "In the mourn of the four elements of the existence". A la fecha, esta sigue siendo la única edición del EP, si bien Aras ha seguido publicando con increíble regularidad más títulos.

Yomi Kafeli presenta de forma retrospectiva una recopilación del material lanzado por la banda Mortes Saltantes durante la década de los noventas, es decir, los TAPES Call from Yomi (1998), Yomitivo Ga Mafi (1996) y la Demo #1 (1995), más una canción aparecida originalmente en el sampler Thrash Corps of the Storm (1997). En general, estas grabaciones poseen un sonido destacable que, a pesar de sus variaciones (especialmente en lo que concierne a la Demo #1, que es la más cruda de todas), permiten la proyección de un Black Metal que elude el camino de la sencillez para enrutarse, más bien, hacia la consecución de una música cuidadosa de los detalles, modulada en sus componentes e ingeniosa en la manera de disponer la velocidad, el uso de los teclados, el apartado melódico y la rigurosidad en el tratamiento de los temas mitológicos que integran sus letras.

Es posible que al escuchar a Mortes Saltantes se tenga inicialmente la sensación de una influencia proveniente de grupos como Isengard, Arcturus o Storm, en especial por lo que concierne al tipo de vocales limpias que implementa; sin embargo, a pesar de coincidir con aquellas bandas en una disposición sustancialmente vanguardista, los japoneses encuentran la manera de generar una propuesta propia, en primer lugar, a través de los teclados, cargados de tesituras no occidentales y de aplicaciones que semejando el piano o el órgano producen una versión inédita de lo macabro y, en segundo término, por medio de aquellas mismas voces que en sus canciones se despliegan en coros formados hasta por tres registros diferentes y que cuentan, además, en una de las Demos con la fantástica línea operática de Yuko, quien posee un tono supersticioso y envolvente.

En las grabaciones más antiguas la velocidad de Mortes Saltantes suele incrementarse más y, por momentos, parece expresar un regusto Thrash Metal. Con todo, sin importar la fecha del material, el grupo se cuida de incorporar siempre quiebres melódicos, fragmentos sosegados, refuerzos de bajo y los mencionados aportes corales y de teclado. Además, el marco conceptual también resulta transversal, pues la banda renueva canción tras canción temas tomados de la mitología ancestral japonesa. Aquí no hay apuntes de supremacía racial o satanismo, únicamente la alusión continua a deidades como Yaoyorozu no Kami o Izanami y su adoración como entidades que controlan la vida y la muerte. Esa recuperación de las fuerzas naturales está hasta tal punto fundamentada en las tradiciones orientales que el mismo uso del corpse-paint lo justifica la banda no como un préstamo de Occidente, sino como una encarnación de la apariencia que tienen los demonios Oni en las representaciones de teatro Kabuki.

La disquera encargada de reunir el material para presentarlo en este CD fue la Zero Dimensional Records. El trabajo de diseño que hizo el sello (también japonés) debe destacarse positivamente, pues, aunque modificó la imaginería primitiva que caracteriza las Demos, consiguió mantener la orientación del grupo basándose en un arte circense y oscuro. El booklet de 8 páginas ofrece toda la información sobre la procedencia del material y, asimismo, una galería con numerosas fotografías de la banda y flyers de conciertos. Es importante no dejar de mencionar dos cosas más: primero, que en estas grabaciones tomaron parte como bajistas invitados Miduti (de la agrupación Amduscias) y Kamala (de Funeral Rites) y, segundo, que alrededor de 1999 la banda cambió su nombre a Magane, nombre con el cual lanzaron dos discos, el primero de los cuales, no solo lleva el título Mortes Saltantes, sino que está compuesto enteramente por canciones que ya antes se habían publicado en estas Demos.

La recopilación No hay escape de Satanás (2012) reúne las 5 canciones de la Demo Caída de Cristo (1995) y las 4 del TAPE Ritual (1996) que la banda grabó para sumarlas a las primeras y conformar el material de un álbum debut que no llegó a realizarse. Es por esto que el título permite conocer a Bael en su etapa germinal, es decir, cuando solo estaba integrada por sus miembros nucleares (Sargatanas y Black Pazuzu), cuando los recursos para la producción eran limitados y cuando su música profería el sonido más crudo y rudimentario. Como otras grabaciones de la época, la de estas Demos no se destaca por su calidad, pero es posible conocer la propuesta sin impedimentos y persuadirse de que en manos de esta banda, procedente de Sucre, estuvo buena parte de la configuración de la escena del Black Metal en Bolivia.     

La primera Demo de Bael expone un sonido frío que contrasta (casi intercala) la lentitud del Doom con despliegues veloces. Las composiciones son en extremo básicas: a lo largo de los temas, por ejemplo, solo se presenta una guitarra que, excepción hecha de los punteos que hay en "Destrucción", carece de nervio y se afinca en un ataque instintivo y en una desenvoltura privada del respaldo rítmico que podría obtener con otro instrumento. La batería, por su parte, se orienta hacia el acompañamiento, sin  pretensiones de orden técnico o algún afán protagónico. En todo caso, la atmósfera de la cinta es envolvente; posee, merced a la fuerte vocal de Pazuzu, esa atracción que brindaban por aquel tiempo bandas tan oscuras como Asaradel o Apolion's Genocide, y a esto se suma el conjuro particular que produce la banda al escribir únicamente letras en nuestra lengua.

El material perteneciente al TAPE Ritual ofrece un mejor sonido y, en consecuencia, sus elementos tienen mayor potencia. La batería exhibe un gran uso de platillos y el punch de su redoblante está mas marcado; la guitarra, así mismo, aun sin dejar de ser solo una, ofrece riffs acentuados, espacios de arpegios y, sobre todo, un control más adecuado de la distorsión. La velocidad y los cambios se multiplican en esta cinta y, la voz, tornándose más furiosa, resulta precursora de ese tono que más tarde usarían grupos como Kulto Maldito o Bestial Holocaust. Lo que sí permanece inamovible en ambas producciones es la orientación lírica, ya que Bael siempre ubica al ser humano en medio de una batalla contra el cristianismo, denunciando, por un lado, la falsedad y blandura de esta creencia y, por otro, encumbrando el poder de Satanás y su eterno deseo destructivo.

El sello Fog Records (Morbillus Records) asumió la tarea de editar No hay escape de Satanás en formato CD y debe afirmarse que el resultado fue más que satisfactorio. En primer lugar, la edición fue ejemplarmente trabajada en el apartado de diseño: el cuadernillo, hecho con papel de alta calidad, se despliega hasta formar un póster de 6 caras que reproduce la portada. Además, el arte interior se enriquece con flyers de conciertos que tuvieron lugar en los noventas, diversas fotografías de la banda, símbolos satanistas y una pequeña semblanza biográfica. Debe recordarse que la misma disquera editó en 2012 el título We Wait for You... Satan!, recopilación que agrupa otras dos Demos importantes del metal boliviano, en ese caso correspondientes a la agrupación Sanctum Regnum.

El canon del Black Metal se manifiesta a través de esta agrupación chilena que viene trabajando desde inicios de los noventas: Undertaker of the Damned es modélica, tanto en lo que concierne a su sonido (renuente a las atracciones del teclado o a las maniobras exploratorias), como a su plano conceptual (conservador de una estética oscura y satanista). Su álbum debut, The Falling of the Parody of Misery (2005), bien podría comparecer ante los oyentes más radicales con la certeza de convencerlos, primero, de su firmeza como portavoz de un espíritu y, segundo, de su propia competencia a la hora de componer dentro del (a veces estrecho) espacio que deja la fidelidad a un género. Es así que las 11 canciones del disco emanan de una fuente que, al mismo tiempo, preserva la ortodoxia del Black Metal y busca en el interior de él las pistas para concebir algún rasgo de personalidad.

La música de Undertaker of the Damned despliega ese sonido machacante y violentamente melódico de bandas como Thy Infernal, Thornspawn o Setherial; sin embargo, encuentra un sello personal en el uso de los armónicos (recurso usual dentro de la instrumentación), en la combinación de los tradicionales desgarros con una gutural más gruesa y en ciertas salidas cercanas a la propuesta de Immortal (por ejemplo, en la canción de cierre). La banda se revela rápida durante la mayor parte del tiempo, matizando la marcha para evitar lo lineal y enriqueciendo las composiciones con arpegios, transiciones y ocasionales juegos de guitarra. Como los temas no son largos, la intensidad del álbum no se halla en la epicidad, sino en la celeridad con que modula su espíritu malévolo, algo en lo cual The Falling of the Parody of Misery no ceja un solo instante.

Como se indicó, la agrupación es canónica tanto en lo musical como en lo estético; por ello conserva elementos paradigmáticos de los noventas (como el uso del corpse-paint). Algo similar sucede en el apartado lírico ya que Undertaker of the Damned, aun abordando diferentes campos, siempre firma sus letras con un signo maligno. Varias de sus composiciones instigan a atacar el cristianismo (a nivel simbólico y real), otras incursionan en temas demonológicos o literarios (estos últimos basados en Lovecraft) y algunas más instan al conocimiento del individuo o de las fuerzas de la naturaleza. Todo el plano temático lo desarrolla el grupo en textos relativamente cortos, elaborados mediante un lenguaje ominoso, y compuestos, salvo por el caso de "Summoning Sathanas", en inglés. 

The Falling of the Parody of Misery fue mezclado y masterizado bajo la dirección de Claudio Salinas (vocalista y guitarrista de Dominus Xul, además de encargado de por lo menos varias decenas de producciones del metal chileno). El álbum fue lanzado en formato CD (sin número de catálogo) por los propios miembros de Undertaker of the Damned. De esta edición, la única a la fecha, debe destacarse su calidad: el booklet (tipo gatefold de 3 caras) presenta un diseño a tono con la música, una mixtura impecable de tonos azules, negros y grises, y una portada siniestra, realizada por Ricardo Costa, responsable también del arte que eligió la banda para su segundo disco, Lords of the Extreme Mockery (2011). El cuadernillo ofrece las letras de las canciones, los datos de grabación y los agradecimientos.

Hay en este título de Ghast una conjunción hasta tal punto cautivante de Doom y Black Metal que, aun tratándose de un EP con solo 2 canciones, las expectativas de quien lo escucha se superan con suficiencia. La fuerza de la propuesta que presentan estos ingleses radica en declinar ex profeso el uso de los aditamentos que ofrece la producción moderna e inclinarse hacia un sonido más visceral y frío, pero radicalmente orgánico. En otras palabras, Terrible Cemetary entrega, no el resultado de un ejercicio en el que convergen dos influencias (pues, en ese caso estaríamos ante un simple eclecticismo), sino el fruto único que surge cuando los géneros se articulan por vía natural, garantizando que el tejido de los elementos y su cohesión se dé en una materia realmente viva.

El corte que abre el EP, “O Akhea Rheōn”, recupera y amplía un tema aparecido originalmente en una Demo que la banda grabó durante la época en que funcionaba bajo el nombre Souldust. La canción inicia con una estructura lenta que va mudando hacia el distintivo sonido de Celtic Frost para desembocar en una velocidad pronunciada. La música de Ghast se muestra instintiva en esas transiciones y la voz de Arrrrrrrach unifica aún más el conjunto a través de unos desgarros Black Metal que en algunos finales de frase poseen los quiebres depresivos característicos de bandas como Bethlehem o Silencer. La letra del tema, como lo expresa su título, está basada en la mitología griega y recrea el monólogo de un hombre que exhorta a Caronte a que lo traslade, en cumplimiento de su destino, a las profundidades del inframundo.

La segunda canción comienza otra vez con la morosidad típica del Doom y así se prolonga por más de 10 minutos, adquiriendo después un tono Black Metal que realza la rapidez. Nuevamente aparecen aquí las vocales llenas de emociones negativas (a veces multiplicadas con un leve efecto de delay), en este caso para elaborar el retrato de una conciencia que descubre la muerte en el paisaje y su conexión fatal con lo viviente. Por la extensión del tema, que supera por mucho a la del anterior, la canción contiene numerosos espacios para que las guitarras aborden sus propias líneas o se unan reforzando determinados motivos; asimismo, da el chance al bajo de descollar o integrarse a las disonancias propuestas por Ghast; y, por último, valiéndose únicamente de los instrumentos base (bajo, guitarra y batería), estimula una densa experiencia de lo fúnebre.

Terrible Cemetery fue lanzado en 2010 por el sello inglés Todestrieb Records. Aunque el prensaje original se realizó en CD, también existe una versión en LP (realizada cinco años más tarde por la Forgotten Wisdom Productions) y otra digital compartida en Bandcamp. Como puede observarse, el arte del EP (elaborado por el mencionado Arrrrrrrarch) se adecúa bien al concepto de Ghast: un paisaje en el ocaso, con testimonios de muerte surgiendo de la tierra, todo ello en medio de una atmósfera fantasmagórica y decadente. Ateniéndonos a la información proveída en el booklet, la grabación del disco no se prolongó más que una sesión (la del 15 de agosto de 2009), y seguramente tampoco el proceso de mezcla tomó mucho tiempo, pues, como se indicó, uno de los rasgos distintivos del EP es su crudeza.

Eminenz desempeñó un papel decisivo para la consolidación del Black Metal en Alemania; de hecho, por su fecha de formación (1989), antecedió a todos los referentes del género allí: Dark Fortress, Agathodaimon, Mystic Circle, Nagelfar, Katharsis o Nargaroth. En todo caso, su obra sigue circulando dentro de un grupo más bien reducido, lo cual ha determinado, por un lado, su culto dentro del underground, pero, así mismo, una injusta subvaloración. El álbum Anti-Genesis confirma está circunstancia en la medida en que evidencia una banda templada e inteligente, clara en su dirección y cuidadosa en la compaginación de los elementos que integran su propuesta, pero no lo suficientemente atrayente como para que alguien, por ejemplo, se anime a reeditar el disco y presentarlo a un nuevo público a casi 25 años de distancia.

Anti-Genesis es un disco con un planteamiento singular: el Black Metal se presenta aquí como expresión de renuncia y tranquilidad ante el final. Su subtítulo, On the 8th Day I Destroy Godcreation, exterioriza ese enfoque  (cargadamente nietzscheano) y las letras de las canciones se encargan de desarrollar la consecuente negación de los principios religiosos a favor de la individualidad; sin embargo, de forma paralela, Eminenz erige hasta tal punto una apología de la muerte en su sentido más totalizante que su música se convierte en una suerte de resonancia apocalíptica: el murmullo de un universo que, en trance de desaparecer, no da ya lugar a los dejos depresivos o las lamentaciones, tampoco a la violencia o el señalamiento vengativo, sino simplemente al vano discurrir del vacío.

Debido a su horizonte, el álbum trabaja exclusivamente los tiempos medios y lentos. Eminenz usa una vocalización  pareja, sin excesos, y guitarras melódicas o fundidas, según el caso. Los teclados son el instrumento principal: dirigen el empalme rítmico la mayor parte del tiempo, mostrándose lóbregos, misteriosos y alargados. Como es de esperarse, el resultado es un Black Metal sinfónico y atmosférico con teclados como los artífices de los largos pasajes musicales que hay en las canciones y con solo algunos espacios para que las guitarras figuren en los punteos o determinados riffs. Por cierto que la música de Eminenz alcanza así momentos grandiosos y no requiere ir más a fondo en su velocidad o aumentar la presencia de las cuerdas, porque hay leves cambios en la mezcla que permiten matizar la armonía y, sobre todo, porque, como se mencionó, la orientación general es abiertamente fúnebre.

Anti-Genesis fue prensado originalmente por Last Episode Records en fomato CD, tanto en su versión promocional como en la de circulación. El sello alemán fue cuidadoso en los detalles que conforman la presentación: el cuadernillo que acompaña el CD es de 8 páginas y, aunque no incluye las letras de los temas ni se destaca especialmente por su diseño (reducido a tonos blancos y negros), fue impreso en papel de alta calidad, lo cual favorece las fotografías de los músicos que hacen parte del arte interior. El booklet también incluye datos sobre la grabación y los agradecimientos de la banda. Como se mencionó antes, salvo por una reedición en LP que la propia banda lanzó en 2001, cambiando radicalmente el arte original y esta vez sí incluyendo las letras, no existen más versiones del álbum hasta la fecha.

Se preguntaba el editor de Necroscope Zine si el calificativo de "banda tributo" resultaría injusto con Hermon o si, por el contrario, el grupo estaría satisfecho con él. Sin duda, se trata de un asunto espinoso puesto que, dentro de una escena como la argentina en la que vienen editándose discos tan llamativos como los de Genuflexión, Windfall o Espiritismo, este debut de Hermon luce hasta tal punto austero, que prácticamente es imposible no calificarlo de emulación u homenaje a Celtic Frost. De este modo, ante el dilema propuesto, lo de ser una "banda tributo" es más que evidente: estos argentinos evocan el estilo clásico de manera abierta y reiterativa, desdeñando los tanteos propios y atrincherándose en un lugar desde el cual elevan lanzas para defender el viejo espíritu frente a los devaneos contemporáneos.

Blackest Night hace pensar desde el primer momento en Celtic Frost, tanto por el uso del mid-tempo característico de los suizos, como por el tipo de riffeo y esa vocalización que media entre lo harsh y el grito. Como la producción no destaca sobremanera y la ejecución de los músicos mantiene un enfoque directo, sin lucimientos, la comparación progresivamente se ahonda. En todo caso, es verdad que Hermon suele acelerar más que sus maestros, y en esos momentos su música adquiere un cariz más fuerte; así sucede en temas como "Funeral Black Winter" o "Blacken Fields" (cercanos al primer Darkthrone). Además de esto, la banda incluye fragmentos en los que solo suena la guitarra para, a partir de ella, reorientar el ritmo o jugar con los riffs: al respecto, el inicio de "The Return of the Imperial Gods" fácilmente se empareja con las maniobras que abren la emblemática "Jesu død" de Burzum.

Algo que resalta dentro del disco es la lograda presencia del bajo: este no solo se escucha, sino que por momentos llega a asumir cierto protagonismo. Las vocales, por su parte, tal vez son el elemento más lineal, aunque quizá por esta misma razón empalman con la música de forma organizada y sólida, algo que habla bien del grupo pues atestigua su noción de conjunto. En cuanto al plano conceptual, existe una fascinación innegable de Hermon hacia la oscuridad; de hecho, el nombre de 5 canciones y el propio título del disco utilizan palabras derivadas de lo negro o relacionadas con él. Este aspecto indudablemente refuerza la faceta Black Metal de la banda, pues sus letras se erigen como exaltaciones de las diferentes formas desde las cuales opera la oscuridad: las deidades, la naturaleza, los sentimientos, el poder, etcétera.

Blackest Night fue lanzado en 2019 en CD y TAPE por uno de los sellos más prominentes que hay actualmente en Argentina: Sons of Hell Productions. La edición es sencilla, su booklet ofrece algunas fotografías de la banda, los datos de grabación y los agradecimientos. Todo el diseño fue obra de Kuntur, exbajista de Espiritismo y creador del arte para decenas de títulos del metal argentino. La imagen de la portada establece un contraste entre las tinieblas y una cruz luminosa ubicada en lo alto de una iglesia local. Vale la pena subrayar que, si bien este álbum es el primero en la carrera de Hermon, la banda se formó a principios de los noventas, época en la que, aun sin llegar a editar material, participó en eventos con dos de los músicos que hicieron parte de esta grabación: Nan Herrera y Devas.