En ocasiones, la pretensión de deconstruir la música para hacerla inteligible constituye un sinsentido, sobre todo si esa música ha nacido en el seno de una visión holística y, en consecuencia, su valor está más allá de las partes que la componen. Un ejemplo de ello parece hallarse en el producto de aquellas bandas que plantean su trabajo como una experiencia para sentir, no para entender, pues situando sus aspiraciones en un plano emotivo, la deconstrucción -que es un ejercicio privativo de la razón- queda sin campo de injerencia. Y, a lo mejor me equivoque, pero creo que esta es la clave que permite acercarse más profundamente a la propuesta de Abyssum, pues, ante ella, vale mucho menos el preguntarse sobre qué es aquello que nos mueve en su sonido que la simple entrega a ese transporte.

En este sentido, supongo, además, que la precisión hecha por Abyssum en Thy Call (1998), indicando que se trata de música para escuchar en un bosque durante la noche, no es para nada superflua, sino que, por el contrario, formula, en el propio lenguaje de sus creadores, el deseo de acercarse lo más sensiblemente posible a ella. De algún modo, si el disco pretendiese ser abordado racionalmente, permitiría, por ejemplo, seguir sus letras, u ofrecería una sofisticación tal que llevara a quien lo escucha a preguntarse por la técnica que la hace posible. Pero nada de esto sucede y, en cambio, todos los recursos que se ponen en marcha en Thy Call operan en nosotros suscitando el tránsito por distintas emociones como el temor, la tranquilidad, la ansiedad, la euforia, el desaliento, etcétera.

Como se trata de generar emociones, Thy Call no es una simple pieza de Black Metal; en ella se encuentran pasajes ambientales, secciones acústicas y atmósferas a base de teclado, todo lo cual se combina o trabaja aisladamente produciendo la mencionada experiencia de transición. Los temas se presentan como prolongaciones de una misma matriz que, en lo musical, está relacionada con el filtro por el cual se ha pasado toda la elaboración instrumental, y, en lo lírico, busca rastrear los abismos que perviven en nosotros mismos, así como la armonía que enlaza todos los elementos que hacen parte de la naturaleza. Como mencioné, las letras no se presentan en el cuadernillo, pero su contenido se trasluce en el propio sonido y se infiere de las anotaciones que los dos miembros del grupo, Ebvlev y Diatharma Thoron, hacen respecto de su obra.

Algunos de los temas de Thy Call habían aparecido previamente en la Demo TAPE realizada por la banda en 1996; sin embargo, en este CD, que representa el primer álbum de Abyssum, poseen un sonido más profesional. El título fue lanzado a través del sello argentino Southern Hellish Productions, constituyendo junto al Eclipse I de Panikos y el Depressiva Vox Clamantis de Noctis Invocat, los 3 discos lanzados por esta disquera -todos con un prensaje limitado a 200 copias-. El diseño del cuadernillo es profesional y fue diagramado a color con base en fotografías de bosques y paisajes. A la fecha esta es la única versión que existe del disco, aunque la banda ha seguido publicando diversos trabajos, entre ellos una recopilación titulada In Darkness We Will Forever Be..., en la que volvieron a aparecer las canciones de Thy Call.

La controversia ha acompañado a Velvet Cacoon prácticamente en todos los sentidos e, incluso, hasta su fecha de formación es discutida, presumiendo que fue ubicada a mediados de los noventas con propósitos engañosos. Se ha alertado, asimismo, sobre el robo de material  protagonizado por Angela y Josh -miembros de la banda-, la extraña desaparición de un tercer integrante -Skv-, la invención de todo clase de rumores (como asilos y ecoterrorismo) para llamar la atención de la escena, el uso de drogas disociativas que contrarrestan la creación consciente, prácticas de celibato con las que se busca prescindir al máximo del contacto humano, y el uso de recursos tales como guitarras metalizadas, grabaciones de ondas planetarias y registros subacuáticos para la elaboración de sus piezas ambientales.

Hasta qué punto cada uno de estos elementos constituye o no un rumor es algo difícil de determinar, pero lo cierto es que la música de Velvet Cacoon tiene connotaciones realmente inusuales, incluso, para quienes están relacionados con los proyectos de su estilo. En Dextronaut (2002), cuyo título hace referencia precisamente al dextrometorfano -fármaco que puede provocar desde estimulaciones perceptivas hasta sensaciones de desdoblamiento corporal-, se consolida una densidad que invade, no a través de lo sentidos, sino de la sedación del inconsciente; por decirlo de esta forma, la atmósfera del álbum es tan saturada, caótica y disonante que la mente se ve envuelta por un sonido del que apenas logra reconocer algunos aspectos -el sustrato melódico-, mientras los otros se la llevan sobre la corriente del aturdimiento o la hipnosis, según el caso.

Es como si en Dextronaut hubiese un permanente nexo entre lo audible y lo incomprensible: entre la voz crisposa que se escucha y lo que dice, entre la lentitud y su significado, entre la suciedad y la apertura de un vuelo cósmico. Como Xasthur, Velvet Cacoon se proyecta más allá de la oscuridad del Black Metal, deseando alcanzar sobre todo la disonancia, la confusión, para dejar detrás de éstas, aquella atmósfera que embebe los sentidos e impulsa en ondas encubiertas la inconsciencia. Desde esta perspectiva, la Intro "Bloodletting" y el Outro "World Untouched by Mankind" se erigen como la entrada y la salida de un universo que, como en las mejores canciones del álbum -"Setting Off the Twilights" y "A Year of Decembers"-, está caracterizado por su efecto narcótico, desorientador y ameno a un mismo tiempo.

La Full Moon Productions fue la disquera encargada de prensar por primera vez Dextronaut en el año 2002, y además tomó para sí el trabajo de reeditarlo en 2006 en la versión que se presenta en la fotografía, es decir, remasterizada e incluyendo un segundo CD compuesto por 3 temas de Dark Ambient no editados a esa fecha. El cuadernillo del disco se reduce a una página a dos colores y, aunque también reproduce paisajes lúgubres, ofrece una portada distinta a la de la primera edición, que contrastaba oscuramente mar y cielo. Existe, asimismo, otra versión en CD lanzada por Khrysanthoney Records, limitada a 150 copias, de portada otra vez diferente y sin remasterizar; y, finalmente, una edición prensada por ese mismo sello pero en doble LP y limitada según el color del vinilo negro o blanco, a 150 y 100 copias, respectivamente.

Soulcide y Nuclear Winter son dos proyectos pertenecientes a la escena más subterránea de Europa Oriental y su música posee, por ello, un espíritu ajeno a las modas y flirteos con la mainstream. Sucede que, aunque no se trata de nombres con una trayectoria particularmente extensa, en cambio sí encarnan ese sentido autodestructivo que caracteriza a las bandas más radicales y, en consecuencia, su sonido constituye una manifestación contra todo aquello que dentro del Metal desea presentarse de un modo afable o afectuoso. Radicalismo, misantropía y nihilismo son los núcleos que emparentan a estos dos grupos, cercanos, además, por su procedencia, pues ambos nacieron dentro del territorio que hasta 1991 fue conocido como la Unión Soviética: Soulcide se fundó en el año 2001 en Bielorrusia, y Nuclear Winter en 1999 en pleno centro ruso.

Las primeras 5 canciones que aparecen en el SPLIT corresponden a Soulcide, agrupación de Black Metal integrada apenas por dos músicos (Jaros y Melkor) que proyectan una especie de fusión entre la simpleza instrumental de Burzum y la densidad caótica de Xasthur. Destacan dentro de estas canciones (bien dispares en su duración) 2 rasgos fundamentales: la presencia rítmica del bajo -mucho más melódico que las propias guitarras- y la maldad que transmiten sus componentes: lo desgarros funestos de la voz, las ambientaciones oscuras y macabras de los teclados e, incluso, los efectos conseguidos con las ejecuciones de guitarras limpias. Una sencilla programación percusiva, ciertos samples incorporados a las composiciones y letras centradas en el genocidio cierran el cuadro musical que presenta Soulcide en su parte del CD, titulada simplemente Misanthropy.

Nuclear Winter, por su parte, es un proyecto Dark Ambient conformado únicamente por Podonok, un músico que a través de 3 largas canciones nos coloca de frente a una serie de sensaciones cercanas al vacío, la agonía y el enigma de la nada. La propuesta de Beyond the Nought se basa enteramente en lo ambiental, excepción hecha del tema homónimo en el que se incluyen algunos riffs de guitarra y batería; lo esencial, así, se encuentra en la creación de atmósferas, en la reiteración de esas resonancias de teclado que, gracias a su lentitud y concentración, nos trasladan al centro mismo de la oscuridad, del abismo. En este sentido, en los temas de Nuclear Winter, aunque no se haga por medio de las letras, también es evidente la negación vital, pues la percepción que se tiene mientras se escuchan los temas es esa: la nulidad, la ausencia, la caída.

SOULCIDE - Misanthropy / NUCLEAR WINTER - Beyond the Nought. Possession Productions. 2003.
RANK: 7.5/10

No es mucho lo que la mayoría de nosotros conoce acerca del Metal hecho en Islandia; a lo sumo, podríamos traer a colación un par de nombres como Sororicide o Sólstafir. Sin embargo, dicha limitación se encuentra justificada por el hecho de que Islandia representa, dentro del conjunto de los países escandinavos, el de menor incidencia en términos de proyección internacional. Ahora bien, desatender ciertos grupos amparándonos en el argumento de que pertenecen a una escena pequeña podría conducirnos a ignorar propuestas realmente interesantes; una de ellas, por ejemplo, sería la de Potentiam, una agrupación formada en Reykjavik alrededor de 1995 (originariamente bajo el nombre Thule) que ha venido puliendo su sonido a lo largo de estos años hasta alcanzar un matiz característico.

En Bálsýn, su álbum debut lanzado en 1999, la consecución de ese sonido propio es evidente, aun cuando puedan rastrearse diversas influencias. Potentiam ejecuta Black Metal en una línea atmosférica, cercana por su instrumentación a la de Arcturus en su obra Aspera Hiems Symfonia; como los noruegos, también Potentiam incluye teclados, riffs melódicos, diferentes registros vocales (rasgados, altos) y, por lo general, se inclina por los medios tiempos. En canciones como "To Know Is to Die" es inevitable esta reminiscencia; es posible, además, que la vocalización de otro tema como "Voices Within" nos remita a un Borknagar, o que uno como "Látum Oss Biðja" se nos asemeje al estrépito que por aquella época hacía con su música ...And Oceans. Mas, con todo, estas similitudes van difuminándose completamente hasta entregarnos un disco por entero particular.

Lo que contribuye a que esto sea así es, en primer lugar, la importancia que en Bálsýn se concede a los fragmentos ambientales (hay aquí 3 temas que no desentonarían en un álbum de Dark Ambient); por otra parte, tenemos la inclusión de elementos distintos a los convencionales dentro del género, como lo son las trompetas del instrumental "Álfablóð"; y, finalmente, la variedad que, en el fondo, respira su música, pues, si bien predomina el sentido atmosférico, no por ello dejan de encontrarse aceleraciones bastante trabajadas, punteos, guitarras estridentes, etcétera. Las letras, asimismo, distan de los contenidos anti-religiosos, orientándose más preferentemente en cuestiones de orden reflexivo; así, en la citada "Voices Within" se escucha: "The more I see, the less I know / let my torments become free / why they hunt my soul, I don't know / risen above all life I am".

Bálsýn fue grabado entre septiembre de 1998 y enero de 1999 y fue prensado en formato CD por el sello italiano Wounded Love Records. Debe recordarse que Potentiam había lanzado previamente un TAPE bajo el mismo título limitado a 50 copias y que en él se incluyeron prácticamente todas las canciones que luego aparecieron en el álbum. La presentación gráfica de Bálsýn no destaca por su arte, más bien, se muestra pobre; el cuadernillo contiene las letras de las canciones y algunos montajes fotográficos de Eldur y Forn (los dos miembros de la banda), pero la portada y contraportada son poco sugerentes. Hay de este disco también una versión rusa, editada de forma no oficial, con colores más resaltados y usando el viejo logo de la banda.

Afirmar que Leviathan pertenece a la élite del Black Metal estadounidense puede parecer innecesario; sin embargo, lo remarco desde el inicio para recordar que no estamos frente a un proyecto más dentro del género, sino ante toda una figura emblemática, reputada y de culto. No hace falta penetrar demasiado en la escena norteamericana para comprobar que junto a bandas como Judas Iscariot, Xasthur o Krieg, entre otras, Leviathan ha trazado un sonido que en la actualidad resulta identificable por sus niveles de crudeza, caos y oscuridad. Incluso, para los fanáticos que transitan la línea mainstream del Black Metal, el encuentro con cualquiera de estas agrupaciones llega a ser perturbador ya que ninguna de ellas dio (o ha dado) un paso atrás cuando se trata de renunciar al espíritu negro y turbio de su música.

The Tenth Sub Level of Suicide (2003), primer disco de Leviathan es, justamente, un encuentro con lo soterrado: grabado de forma exclusiva por Wrest (vocales, instrumentos) en una consola de 4 canales, las 10 canciones que lo conforman están signadas por lo descarnado y lúgubre. En efecto, el álbum se funda sobre 3 pilares fundamentales: la velocidad del Black Metal tradicional, acompañada con riffs simples y sostenidos (tipo "Fucking Your Ghost in Chains of Fire"); la lentitud de pasajes depresivos en los que no solo merma el ritmo, sino que toda la música se satura, volviéndose fúnebre y mohína (como en "The Bitter Emblem of Dissolve"); y, finalmente, la aparición de elementos ambientales, a veces, sobre el cuerpo de las composiciones y, otras, independientemente, algo que transforma el disco en una experiencia tenebrosa, lóbrega (como el final de "He Whom Shadows Move Towards").

Wrest logra equilibrar estos 3 recursos de manera magistral en las canciones, acondicionándoles, además, un par de valores agregados: la excelente ejecución del bajo (poco usual en discos de esta naturaleza), y su extrema vocalización: ruidosa, aguda, muchas veces ininteligible (similar a la trabajada por Malefic en Xasthur). The Tenth Sub Level of Suicide, por otra parte, propone un enfoque conceptual bien claro: la exploración de ese espacio que antecede la muerte y que está plagado de espectros, agonía y experiencias complejísimas; la mayoría de las letras fueron escritas con antelación a la música (llegan a datar, incluso, de 1997) y, a pesar de su corta extensión, transmiten emociones atribuladas y oscuras. Ya en la misma Intro del álbum puede escucharse: "There is no light for you... at the end of the tunnel".

La edición de este disco por parte de la Moribund Records marcó el inicio de las relaciones entre Leviathan y este sello, las cuales duraron hasta la salida de su obra de 2008 Massive Conspiracy Against All Life. Es de destacar la labor que hizo la disquera con The Tenth Sub Level of Suicide pues, al contrario de lo que sucede con la presentación austera de muchos de sus títulos, en este incluyeron un cuadernillo de 8 páginas con las letras de las canciones, fotografías, etcétera. La parte gráfica y de diseño fue labor también de Wrest, y puede verse que sus dibujos están en la misma vía que su música. Del álbum existen a la fecha 3 versiones: la primera editada en CD, que es la que se muestra más arriba, y 2 más prensadas en LP en el año 2006. Para finalizar, debe recordarse que Leviathan lanzó en el 2002 una Demo con el mismo nombre de este disco, pero todas las canciones que aparecen allí (a excepción de una) son diferentes.

Como sucede con numerosos proyectos de Black Metal estadounidenses, éste, I Shalt Become, también es el resultado de una inquietud individual, el deseo de un solo hombre (S. Holliman) de utilizar las posibilidades del género para movilizar efectivamente un lenguaje oscuro y soterrado. La historia de I Shalt Become, sin embargo, no es tan reciente como la de otras bandas, sino que se remonta a 1995, año en el que empezaron a aparecer sus primeras grabaciones (In Whitering y A Funeral Celebration), luego de las cuales vino su primer disco Wanderings (1999), el cual recibió un crítica positiva, aunque no entusiasta. Desde esa fecha, S. Holliman permaneció en total hermetismo, y apenas hasta 2008 volvió a saberse algo de su proyecto con la edición del álbum Requiem, el cual contiene 10 canciones grabadas apenas unos meses antes.

Como Xasthur o Leviathan, la propuesta de I Shalt Become se encamina por un sonido hipnótico y crudo, enriquecido con atmósferas lúgubres tipo Dark-Ambient. Los temas que componen Requiem son lentos, estridentes: una guitarra rítmica produce una sucia distorsión de fondo sobre la que otra guitarra se encarga de tejer oscuras melodías a base de arpegios o ataques pausados sobre las cuerdas; la voz es prácticamente inaudible en la mezcla, de ella nos llegan, a lo sumo, algunos ecos antes de perderse por completo en la disonancia de la música; por último, el cuadro de I Shalt Become lo completa la presencia muy sutil de recursos de sintetizador que otorgan a las composiciones una tonalidad aún más lóbrega y envolvente, pues si hay una característica que resalte en este álbum es su magnetismo.

La mayoría de temas siguen a cabalidad esta descripción al punto de que fácilmente puede interpretarse Requiem como un álbum repetitivo; empero, en la "Intro" y el instrumental "Seven Days to Dead" S. Holliman ejecuta algunas armonías limpias de guitarra que resultan interesantes. Asimismo, al final del disco, se encuentra la canción "Want" que por sí misma vale todo el álbum, un himno oculto, envolvente, de una belleza misteriosa y suprema; hay algo en ese tema que recuerda al Welowie de Gontyna Kry pero, por la lentitud de I Shalt Become, la melodía se torna mil veces más hipnótica, atrapando de manera posesiva, semejante a como lo hace el simbolismo de su letra, corta como cualquier otra de la banda: "There was nothing but failures... / Deprived, bereaved / So, she wept...".

A la fecha existen 3 ediciones de Requiem: la primera fue prensada por el sello estadounidense Moribund Records en el 2009 (Cat. DEAD 111CD); la segunda, también de esa fecha fue lanzada por Darker Than Black de Alemania para distribuir allí y en el resto de Europa; finalmente, existe la versión en LP de la None Shall Defy Records, limitada a 418 copias y con el logo de la banda en color amarillo. La presentación del disco es sencilla, el cuadernillo es de apenas 1 hoja, e incluye las letras de las canciones (que, como se dijo, apenas tienen de entre 2 a 5 líneas) y una pequeña información  técnica. El diseño del arte, esto es, aquellos paisajes nebulosos y grises son el correlato perfecto de lo que es la música de I Shalt Become.

Paul Ledney inició su trabajo en Havohej alrededor de 1993, es decir, un tiempo después de haberse retirado de Incantation y, obviamente, en una época para la cual Profanatica ya estaba formada. Ese nuevo proyecto se alejó de manera significativa de aquellas otras dos bandas, primero, porque se trató desde su inicio de una propuesta en solitario de Ledney y, segundo, porque se enfocó en un Black Metal oscuro, crudo, alejado de las mezclas con el Death Metal, y volcado enteramente sobre el satanismo. Con el paso del tiempo, esa idea que se materializó en su clásico Dethrone the Son of God (1993) fue tomando tintes cada vez más experimentales hasta desembocar en la fusión Ambient/Black Metal que es latente en su segundo disco, Kembatinan Premaster, lanzado en el 2009.

En esta pieza es más que evidente una conciencia de experimentación, de recorrer rutas diferentes a las usuales manteniendo e, incluso, potenciando el carácter oculto del género. Kembatinan Premaster está compuesto por 8 canciones en las que a una base ruidosa creada con samplers  (por momentos industriales) se suma la ejecución de una batería sin alcances técnicos, y la fría voz de Ledney que parece invitarnos a entrar en un mundo soterrado. Es lógico que la ausencia total de las guitarras en las canciones aleje la propuesta de Havohej del Black Metal tradicional, pero muy pronto esos desgarros de voz y las líneas de la batería (que mantienen una composición común) se encargan de transmitir los sentimientos clásicos del género: oscuridad, frialdad, blasfemia.

Por el contrario, cuando en los temas de Kembatinan Premaster están ausentes la percusión y la voz, Havohej se revela como un proyecto de Dark Ambient en su forma más pura; así sucede, por ejemplo, al inicio de "Bloud of the World". No podríamos decir que Ledney intenta elaborar una especie de anti-música, pero está claro que el caos y la nebolusidad de su creación no es apta para un público amplio, ni siquiera entre los mismos seguidores del Black Metal. Finalmente, como se dijo antes, a todo este complejo laberinto musical, se suma un campo temático enfocado en un satanismo de corte doctrinal, muy icónico y de profundidad abisal; tanto es así que las líricas de Havohej son entendidas por su autor como verdaderas meditaciones espirituales.

De Kembatinan Premaster existen varias ediciones, todas ellas prensadas por el sello estadounidense Hell Headbangers Records: en primer lugar, se encuentra la versión en CD, cuya presentación es impecable, si bien no contiene prácticamente ninguna información, a excepción del nombre de las canciones; el arte del disco, si no nos equivocamos, fue obra del mismo Ledney y está impreso sobre papel duro. Por otra parte, es posible hallar 3 versiones diferentes en formato LP: una edición limitada a 111 copias en vinilo café; otra, también limitada a ese mismo número en Picture Disc; y, por último, la versión normal de vinilo negro. Hay que resaltar que los 3 LPs tienen una portada distinta a la del CD y fueron lanzados en el año 2009.