Me declaro desconocedor de la discografía de Execrator, si bien sé que se trata de una agrupación cuya historia se remonta a inicios de los noventas, y algunos de los músicos que han formado parte de su alineación también han participado, en su momento, en otras bandas representativas del Metal chileno como Massakre, Pentagram, Sadism o Atomic Aggressor e, incluso, en grupos extranjeros de la talla de Watain. De este modo, Execrator ofrece la garantía de una amplia trayectoria y, asimismo, la presencia en sus filas de músicos profesionales, aspectos que se hacen evidentes en este segundo álbum, autotitulado Execrator (1998), el cual, haciendo acopio de elementos propios del Groove y el Death Metal, presenta 10 canciones propias más un cover del tema "Surprise! You're Dead" de Faith No More. 

El disco propone una especie de balanza que durante las primeras 4 canciones parece inclinarse más por su componente Groove, con canciones de ritmo medio, bastante muteo en las guitarras, efectos tipo megáfono en la voz y una energía exaltada semejante a la que manejaron durante sus mejores tiempos bandas como Pantera o Machine Head. Sin embargo, con el tema "Reprisal", los ritmos se aceleran y en las composiciones empiezan a tener más peso los ingredientes del Death Metal: riffs sostenidos, una gutural de apoyo gruesa, y una pesadez melódica que llega a recordar los grandes momentos de la escena sueca (para comprobar lo cual sólo resta escuchar "That Forgotten War"), todo trabajado con prestancia y precisión, evitando que cualquier instrumento domine sobre las otros.

Ahora bien, aunque Execrator despida esta doble impresión en su decurso, debe precisarse que la onda Groove, por una parte, no se extingue en la segunda mitad del disco, puesto que la voz de Lillo conserva siempre su particularidad tonal y, complementariamente, ya en las primeras canciones del álbum aparecen ciertas aceleraciones y dejos Death Metal, sólo que pasajeros. En cuanto a la sección lírica, sin embargo, la doble perspectiva de Execrator también es clara: inicialmente, sus letras se orientan hacia cuestiones más vivenciales y sociales (como en "Born Again" o "Suicide"), pero progresivamente van adquiriendo una connotación un tanto más oscura que ya en temas como "...By Sorcery" y "Left the Soul Behind" ha aterrizado en un lenguaje que se apropia de lo lóbrego y antirreligioso.

El sello chileno War Discos se encargó de editar, junto a la Black Box Records, el álbum Execrator en 1998. El resultado de esta iniciativa fue positivo, no sólo en lo que concierne a la producción, que está a la altura de las europeas o norteamericanas, sino también en el apartado gráfico que, excluyendo la portada, supo crear un buen diseño, aunando innumerables fotografías de la banda con fondos tanto oscuros como luminosos. El cuadernillo contiene las letras de las canciones, los agradecimientos, datos de contacto y una pequeña nota a modo de epílogo: "...y que nadie se atreva a suplicar más, porque invocar a la muerte es recitar la oración final". La misma War Discos editó, un año antes que éste, el álbum Collapse de Slavery, otras banda chilena de Groove/Death que puede interesar a los seguidores de este estilo.

Mientras organizaba los apuntes para reseñar este disco comprendí que la mejor forma de hacerlo consiste en asumirlo como una propuesta surrealista, y no sólo porque su sentido lírico adeude mucho a ese movimiento, sino porque la música misma de Wicked Innocence constituye una resistencia al concepto de racionalidad, una transgresión de las estructuras tradicionales. No sería difícil que otros pudiesen considerarlo peyorativamente, y quizá esa fue la interpretación que prevaleció cuando Worship apareció en 1999 y fue considerado una experimentación desafortunada, una vacilación del carácter y, en fin, hasta una burla; pero, en buena medida esta clase de juicios sólo los emiten quienes están incapacitados para pensar la música desde fórmulas distintas a las canónicas, y valoran como negativo todo aquello que no encaja dentro de sus paradigmas.

Libres de esa ceguera, otros pueden extrañarse en un primer momento por lo que muestra Worship, pero luego entender que, en realidad, se trata de un enclave de muchas vibraciones, desde las cuales surge una propuesta compleja que exige de nosotros dar lugar, primero, a cada uno de sus elementos y, luego, concebirlos en conjunto. Por supuesto, hay en el disco una base que es la del Death Metal, pero sobre ella, dispersos y en aparente desorden, surgen otros numerosos recursos: la intervención de un vocalista limpio (de onda muy alternativa -tipo A Perfect Circle-), una densidad apabullante (en especial en las secciones lentas), fragmentos de extrema velocidad, constantes visos progresivos y hasta jazzistas, espacios tranquilos en los que llegan a incursionar incluso arpegios y flautas, acoples de hasta 4 voces a un mismo tiempo, etcétera.

Así como proponían los surrealistas, Wicked Innocence presenta una especie de caos a organizar, pero no para reducirlo a la razón, sino para expandir la noción de pensamiento. El resultado es que Worship supera continuamente los límites de aquello que llamaríamos la naturaleza del Death Metal: en él hay una transgresión de la gutural tradicional, del tratamiento rítmico, de la velocidad, del trabajo percusivo (que llega a protagonizar solos y salidas inauditas) y del concepto mismo de la pesadez, que no se encuentra aquí en la velocidad o la excesiva distorsión, sino más bien, en la presencia abigarrada de tantos elementos paralelos. Por demás, hasta las letras de Wicked Innocence reflejan ya un sentido abstracto y de exigencia interpretativa, pues abarcan transversalmente cuestiones relacionadas con historia, religión, cosmología, psicología, entre otros.

La única versión que existe de Worship fue prensada en 1999 por el pequeño sello italiano Headfucker Records (quien también ha editado bandas como Natron y Cephalic Carnage, esto es, proyectos de vanguardia dentro de la música extrema). La portada que puede observarse en la fotografía sólo es parte de un arte más completo y simbólico que se desprende al desdoblar el cuadernillo; se trata, como el resto de la propuesta, de una imagen surrealista combinada con algunos elementos futuristas. El booklet contiene, además, las letras de las canciones, los agradecimientos y la información de la grabación; también se incluyó originalmente junto al CD un inserto publicitario en el que se anunciaban algunas producciones de bandas firmadas por la Headfucker: Retaliation, Deprecated, Catheter, Noisear, Sanity's Dawn y Disgorge.

VOIDD. Texas Chainsaw. Eclipse Records. 1996.
RANK: 8/10

Pensaba que Spearhead había tomado su nombre de la canción homónima de Bolt Thrower hasta que leí una entrevista en la que la banda desmentía esta suposición, señalando, además, que los ingleses no eran una influencia directa de su música. Con todo, aun admitiendo que la elección del nombre haya sido producto de una coincidencia, resulta difícil aceptar la otra parte de su comentario, porque basta escuchar un poco de Spearit (su disco de 1998) para darse cuenta de que esta agrupación reproduce muchos rasgos propios del sonido de Bolt Thrower. Concretamente, en lo que se refiere a las estructuras rítmicas, temas como "Mortal", "Im Westen Nichts Neues" o "Forgotten Thoughts" poseen esa construcción de medio-tiempo con melodías de afinación baja que constituye la base musical de un álbum como The IVth Crusade.

Ahora bien, no sería justo proponer que Spearhead dedica su trabajo a copiar los modelos de Bolt Thrower para luego desmentirlo. Si bien hay una influencia notoria, este cuarteto austriaco expone también un par de elementos personales: en primer lugar, sobre el soporte Death Metal de sus guitarras no presenta una gutural gruesa como cabría esperar, sino una voz de tono Groove, similar a la de bandas como Benediction o Loudblast en su segunda época; dichas vocales, ejecutadas por Michael, son potentes y enérgicas, además, de perfectamente inteligibles. Por otra parte, casi en su totalidad, Spearit es un disco de velocidad media, hecho que permite apreciar los pormenores de la instrumentación, acoplada de un modo tan íntegro que no es posible afirmar que uno de los músicos se destaque más que el resto.

Spearhead es una agrupación balanceada entre la técnica y la pesadez; empero, a pesar de sus aciertos (la mezcla del álbum, los solos de las canciones, la fuerza del bajo) no llega a sorprender, le hace falta aquel arresto que la vuelva memorable: la misma voz, por ejemplo, que la distingue, se eclipsa en su estatismo y; asimismo, algunos riffs de excelente factura (como aquel que abre "Psychologically Disturbed") no se explotan lo suficiente. Con relación a las letras (dos de ellas con títulos en alemán), en Spearit se abordan, ante todo, cuestiones de orden personal: la fe, el olvido, la atribución de identidades y cuestiones por el estilo; la labor que se hace aquí es apropiada, y como sucede con la música, las líricas están concebidas desde una perspectiva no purista, esto es, no enfocada únicamente en los seguidores del Death, sino del Metal en general.

Sarcastic Murder fue el nombre original de Spearhead en 1990, sin embargo, a mediados de esa década pasó a llamarse Speerhead -con doble "e"-, denominación bajo la cual prensó este CD en 1998 de manera independiente; luego de su lanzamiento, la banda mudó definitivamente el nombre a Spearhead y con él se mantuvo activa por varios años más. Teniendo en cuenta que Spearit es un álbum autoproducido, es notable la calidad alcanzada: el cuadernillo (a todo color) está muy bien impreso y contiene numerosas fotos de la banda, además de los agradecimientos y datos de grabación. Hoy en día resulta difícil hallar el disco -incluso, buscándolo en la red-, y lo propio sucede con el Promo 2002, MCD de 5 canciones que Spearhead lanzó también de manera autofinanciada.

Cuando aparecen recopilaciones como Buried Songs: The Early Times (2003) se celebra por partida doble: de un lado, surge la oportunidad de acercarse a títulos ahora descatalogados y, de otro, la historia de la banda adquiere un sentido profundo. En el caso de Poema Arcanvs, esos títulos pertenecen a grabaciones realizadas en los noventas y, en consecuencia, el giro retrospectivo se remonta hasta la época en la que la agrupación, bajo sus nombres iniciales (Garbage en 1995 y Garbage Breed en 1996), se abría un espacio dentro de la fértil escena chilena. El álbum es algo así como un prontuario de las transformaciones que personificó Poema Arcanvs desde el tiempo en el que su música exponía una mixtura de Groove y Melodic Death Metal, hasta aquella otra centrada casi totalmente en el Doom.

Buried Songs: The Early Times contiene 17 canciones; las primeras 6 pertenecen a Underdeveloped, una Demo que, a pesar de haberse grabado en sólo 15 horas, posee muy buena producción y refleja una banda establecida plenamente. El sonido de estos temas recuerda un poco el Scrolls of the Megilloth de Mortification, con la salvedad de que Poema Arcanvs exhibe estructuras más Groove y sus ritmos tienen un matiz marcadamente melódico. La distorsión acartonada de las guitarras, la rapidez de los temas y la denuncia social (de la avaricia, la masificación o el caos ambiental) están presentes en todos estos temas, a excepción de "Errant Souls", en el que se percibe, además de una marcha más lenta, una confección melancólica de las guitarras y el uso de aquellos elementos (voces limpias y teclados) que, posteriormente, ganarían un lugar privilegiado dentro de la banda.

La recopilación incluye también los 7 temas que componen la Demo Innocent Shades de 1996, una grabación en la que Poema Arcanvs, primero, se aleja de los tintes Groove, segundo, mantiene ya con menos firmeza el Melodeath (apenas presente en "Armygeddon" o "Ruined") y, tercero, se enfoca en la construcción de una música más pausada, íntima y oscura, propuesta que podría asociarse con el primer Opeth o, en un ámbito más próximo, con el trabajo de los uruguayos Requiem Aeternam. Es Doom de una vertiente casi progresiva lo que empieza a desarrollar la banda en estos temas, y lo confecciona ampliando la presencia de voces y guitarras limpias, de teclados y de letras más personales. En las últimas canciones del disco, tomadas de un Promo de 1997 y otra Demo de 2001, estas características estarán ya concretadas: guturales de un tono semejante al de Mikael Åkerfeldt, vocales limpias a lo Moonspell y un esquema general anclado sobre el Doom.

El sello discográfico Rawforce Productions de Chile fue el responsable de la edición de Buried Songs: The Early Times en 2003, labor por la cual debe recibir una verdadera felicitación: no sólo presentó un disco excelente en el plano musical, sino que, además, lo complementó con una presentación 100% profesional. El cuadernillo (de 12 páginas) contiene las letras de las canciones, información sobre las demos incluidas en el CD, un texto biográfico escrito por Igore Leiva (guitarrista de Poema Arcanvs) y numerosas fotografías de la banda. El apartado gráfico fue una tarea adelantada por Claudio Botarro y, como puede observarse, se centra en el uso de colores rojos y oscuros: hay en el diseño de la portada y las páginas interiores un contraste interesante entre la simbología de la muerte, rostros humanos y diagramas futuristas.

Grecia ha sido la cuna de numerosas agrupaciones importantes para la historia del Metal; sin embargo, su fertilidad también puede confirmarse revisando las producciones de bandas que han transitado por esos caminos alternos de la brutalidad: el Punk, el Hardcore, el Crust, etcétera. En este sentido, vale la pena rescatar el trabajo hecho por Olethrio Rigma (Ολέθριο Ρήγμα, en griego), un grupo ateniense que desde principios de los noventas viene desarrollando una mixtura interesante que engloba estilos tan diferentes como el Death Metal, el Groove y el Hardcore. Con 5 álbumes profesionales, más otras piezas publicadas bajo sus nombres precedentes (Όλεθρος y Ρήγμα), la banda es bastante conocida en el Mediterráneo y, aunque en el resto del mundo no lo sea tanto, bien vale la pena tomarse el tiempo para acercarse a alguno de sus discos y escuchar su propuesta.

Fight for the Innocents (Πολέμησε Για Τους Αθώους) es el segundo disco de Olethrio Rigma, y supone una excelente oportunidad para adentrarse en el sonido de esta banda, pues en él se encuentran materializados todos aquellos elementos que la caracterizan: en primer lugar, la profusa combinación de voces, que incluye los tonos guturales de Nickos, los gritos femeninos de Emi, y todas las vocales de apoyo en la que participan los 4 miembros del grupo; la implementación de líneas melódicas que enriquecen la base Hardcore que prevalece en el disco; y, por último, el sostenimiento de un ritmo medio que permite ciertas elaboraciones instrumentales de palm-mute y muteos completos, desprendimientos de la guitarra líder, fragmentos con solos de bajo y, en general, composiciones que pueden extenderse por varios minutos.

Olethrio Rigma es una banda de Hardcore melódico, pero trasciende esta aseveración, pues su estilo adquiere distintos matices según la canción: en "Blutende Schatten/Vereiste Blicke", por ejemplo, su música está más cercana al Death Metal; pero, en "Ο Τρομοκόσμος", tiene un tono más Groove. Esto significa que se hallan en Fight for the Innocents espacios muy cercanos al Sepultura que va del Arise al Chaos A.D., otros más propios de un Hatebreed, y muchos en la vena del Hardcore clásico. Con relación a las letras se destaca su bilingüismo, las hay en griego, inglés y alemán y, sin duda, esta es una de las partes más dinámicas de la banda, no sólo porque en el canto participan todos los integrantes, sino porque sus temas giran en torno a un sinfín de problemas sociales: el fascismo, la guerra, el hambre, el caos nuclear y el maltrato de animales, entre otros.

Como se dijo antes, Fight for the Innocents es el segundo álbum de Olethrio Rigma, y fue prensado por Iron Palm Produxions (subsidiaria de Black Lotus Records) en 1999. Dicha edición es la que se muestra en la fotografía, de la cual debe destacarse su alta calidad: el cuadernillo que acompaña el CD contiene 16 páginas a todo color con imágenes muy impactantes (incluso aparece la de un carro bomba en Colombia); el papel de este booklet es acartonado y la impresión 100% profesional. Lastimosamente la portada parece demasiado recargada, este es el único detalle que resta impacto al aspecto gráfico. A principios de 2005 la misma Black Lotus Records reeditó el disco, de lo que puede inferirse cierta búsqueda por parte del público de este material. Una banda para tener presente, χάος!.

Esta es una de las bandas colombianas que nunca pude ver en vivo, no por estar fuera de su época, sino debido a su breve existencia. Intuyo, sin embargo, por el carácter de su música (agitada, crítica), que sus conciertos movilizaban mucha energía, sobre todo, entre quienes buscaban un sonido que representara la situación social y política de nuestro país durante los noventas. Lechoza y otras agrupaciones como Kaala, Ingrand, Síndrome o Neus, fueron las iniciadoras de ese movimiento que heredó la fuerza del Groove Metal y que, a través de su propio tratamiento, se acercaron al estilo Metalcore que fue tan popular en el mundo a finales de aquella década; su impulso, lamentablemente, no perduró tanto, y prueba de ello es que, de todas esas bandas, en la actualidad, a lo sumo, sobrevive Ingrand.

Con Criaturas (1997), Lechoza lanzó a la escena una propuesta, tanto social como sonora; lo primero, porque sus letras expresan un juicio directo a nuestra sociedad, al olvido en el que vivimos sus individuos, a la corrupción y coerción del Estado, a la falsedad religiosa, la mezquindad y el egoísmo; y lo segundo, porque es evidente que en la música de esta banda no subyace una imitación sin más de cierto género, sino, al contrario, una búsqueda de lo que pudiese ser un toque propio. Esa proyección se reconoce en diferentes aspectos del álbum, por ejemplo, en los fondos industriales que hay prácticamente en todas las canciones, en la variedad de voces que ofrece Freddy Torres (gritadas o limpias), y en el modo como se desarrollan los solos, a veces sin guitarra de fondo y, otras, mezclando dos punteos al mismo tiempo.

Los 9 temas que hacen parte de Criaturas desbordan potencia e intensidad; es verdad que se trata de composiciones a medio tiempo, pero la fuerza activa de las vocales, la destreza guitarrística de Suzarte (especialmente en slides y armónicos), la utilización de samplers en la mezcla, y los ocasionales arranques de velocidad, hacen que la vitalidad del álbum no se pierda un instante. Además, Lechoza presenta ciertas sorpresas: el inicio tipo jazz de la canción "Dolor", excelentes dúos bajo-guitarra como el que hay en "Sin Final", o intermedios inusuales a lo "Ciudad Radical - Escoria Humana". Un doble bombo marcando siempre los ritmos, innumerables riffs basados en técnicas de palm-mute, una gran riqueza de efectos sonoros y, en general, el brío que imprimen los músicos a su trabajo, son otros valores agregados de Lechoza.

Según se lee en ciertos sitios de la red, Freddy Torres era el propietario del estudio en donde se grabó Criaturas en mayo de 1997, así como del sello que lo distribuyó: Sirio Producciones. Del disco sólo existe esta versión original, que es la que se muestra en la fotografía, una edición sin mayores logros de diseño (su cuadernillo apenas contiene los agradecimientos de la banda), pero interesante, al menos en lo que corresponde a su portada, corrosiva y artística a un mismo tiempo. Lechoza se desintegró poco tiempo después de la salida de este álbum, y sus miembros emprendieron caminos diferentes: Torres en Defenza (banda de Hardcore/Fusión), Olaya en Neus (proyecto de Hardcore/Industrial), y Suzarte en El Sie7e (grupo de Rock Alternativo).

Koronzon es una banda de Thrash/Speed Metal procedente de Grecia que, lastimosamente, aunque se ha mantenido activa desde el año 2000, cuenta apenas con 2 grabaciones oficiales: el EP Festival of Blood (2001) y una Demo autotitulada (2005). Esta escasa discografía no debe hacernos creer que Koronzon es una agrupación que no merece nuestro interés; por el contrario, al menos en su contexto más próximo ya ha demostrado que encarna un sonido fresco, capaz de captar las ideas del pasado para renovarlas a través de recursos más contemporáneos. Su música es la muestra de que el Thrash Metal puede evitar ese anquilosamiento al que tanto lo someten aquellos grupos que no encuentran otra ruta que no sea la repetición del primer sonido del género.

Lejos de reiteraciones de esta clase, Koronzon formula en Festival of Blood un Thrash Metal que se nutre de ingredientes tomados de otros estilos musicales, especialmente del Speed y el Groove Metal; y esta unión, sumada a ciertos arreglos a nivel de producción, otorga a su trabajo una cualidad moderna, de avanzada. Las 5 canciones que conforman el EP están dotadas de enérgicos riffs, ricos en variedad, en el uso del palm-mute, y en punteos que, si bien no son muy rápidos, se muestran bastante estilizados. Por otra parte, la vocalización de Minas es pletórica en matices: "Koronzon" y "Coming Rage" apelan a una combinación de gritos y rasgados (de puro corte groovy), mientras que "Plague Angel" o "Bloodfest" ofrecen tonos más elevados, en la onda de bandas como Annihilator o Hallows Eve.

En términos generales, Koronzon le concede mucha importancia a la parte rítmica; por ello, hay muchos ejemplos en el EP de acertadas combinaciones de guitarra, también una acentuación armónica de la batería y numerosos cambios de tiempo. Se conserva en la banda el espíritu del viejo Thrash Metal (Kreator, Slayer), pero el efecto que tienen en él las voces y la mezcla abierta de los instrumentos, le proporciona un carácter más noventero. Las letras son, tal vez, el punto en el que menos se distancia Koronzon de lo tradicional, pues insisten sin mayores aportes en la crítica social, en su caso, al sometimiento político, los desastres causados por los conflictos bélicos, la falta de motivación revolucionaria, etcétera: "Resistance, the only way / for a clear and better day / all the future of mankind / in our souls we will find".

La única versión que existe a la fecha de Festival of Blood es la que se muestra en la fotografía, lanzada de manera independiente por la banda en 2001. La presentación del EP es buena, pues a pesar de tener como objetivo principal la promoción, el cuadernillo es de 8 páginas y contiene letras, información técnica y fotos; además, el disco es CD-ROM y, en consecuencia, tiene el valor agregado de canciones en formato MP3, videos de temas no incluidos en el audio, decenas de fotografías de conciertos, la biografía de Koronzon en diferentes idiomas, y otros materiales. Definitivamente, la parte más floja de la presentación es el arte de la portada que, más allá de todos los significados que pueda tener, carece de un impacto notorio en la cabeza de quien lo ve.

Bogotá fue el epicentro de una gran oleada de Groove Metal durante la segunda mitad de los noventas; bandas como Lado Oscuro, Ingrand, Kaala o Infected aparecían con frecuencia en los carteles de conciertos, su música se escuchaba con entusiasmo y contaban con un público bastante fiel. La mayoría de ellas, sin embargo, dejó de figurar en la década siguiente, razón por la cual ahora resulta tan gratificante volver a sus grabaciones y refrescarse con el sonido que desarrollaban. Este disco de Infected, titulado de forma homónima y lanzado en 1997, es una muestra prototípica de aquel entonces; se trata de una pieza similar en su estilo al de las otras bandas mencionadas, es decir, cercano al Chaos A.D. de Sepultura, pero con ciertos rasgos particulares.

Desde el inicio mismo del álbum con "Horror Cloister" se descubre la inclinación Groove de Infected: una distorsión con muchos medios, una batería a medio tiempo, un bajo rítmico y, por supuesto, una voz que combina los tonos guturales con otros más gritados. La banda no despliega una música especialmente técnica, y es verdad que (en ocasiones) las guitarras se juntan más de lo "debido", pero, en términos generales, Infected se mantiene firme en cada tema, haciendo acopio de armónicos, punteos, doble bombo y riffs fuertes que se atacan, a veces, de manera limpia y, otras, generando ese efecto chillón característico de algunos temas de Sepultura, así puede notarse, por ejemplo, en una canción como "Awakening".

Pequeñas intros, efectos de voz (tipo "Death Temptation") y algunos coros (también gritados) aumentan la energía del disco, el cual vincula su parte musical con unas líricas críticas a nivel social y político; al respecto, los nombres de las canciones ya hablan sobre su horizonte: "World Abhorrence", "Eternal Battle" o"Scientist Degradation". Todas las letras de Infected fueron escritas por Andrés González, el vocalista de la banda (también integrante de Neurosis en su momento) y abordan con crudeza temas como la guerra, el caos tecnológico, el peligro nuclear, etcétera, señalando el papel del hombre en cada uno. La grabación de voces cuenta con la participación de algunos invitados como Jhon Cadena (Ethereal, Gaias Pendulum, Purulent) y Houseman Adame (Kilcrops).

El pequeño sello Revolución Records fue el encargado del prensaje de este disco de Infected, así como del Necrocanibalismo de Leishmaniasis, siendo estas sus dos producciones más destacadas. Lamentablemente, la presentación del CD no es la mejor: el cuadernillo es de apenas 1 hoja, no contiene las letras de las canciones, la foto de la banda está pixelada y hay una pequeña franja roja en los extremos que no luce nada bien; por demás, el mismo arte de la portada carece de la fuerza que las letras y la música sí tienen. Defectos semejantes pueden observarse en el label del compacto que, aunque es CD-PRO, por encima no muestra bien definido ni el nombre de la banda ni las figuras que lo acompañan. No existen reediciones del disco y, como se mencionó, Infected dejó de existir ya hace bastantes años.

Los comentarios que se leen en internet acerca de Core resultan dispares: el zine Cannadian Assault la considera una combinación de Napalm Death y Fear Factory; Yperano Records la cataloga como una banda de Hardcore/Grind; y, finalmente, la Metal Curse opina que su sonido transita más en la línea del Death/Sludge Metal. Lo cierto es que todas estas apreciaciones, aunque permiten hacerse una idea de la banda, son inexactas: afirmar, por ejemplo, que Core ejecuta Grind, o recuerda alguna época de Napalm Death, es prácticamente insostenible, y es que, ateniéndonos en concreto a la música que compone Through Chaos and Disharmony (el único disco en la carrera del grupo), lo más evidente y, por ende, sensato, sería sostener que estamos frente a un proyecto de Death/Groove Metal.

Death Metal, porque esa es la estructura que predomina en las composiciones: riffs rápidos, llenos de juegos y efectos de palm-mute, una batería rica en cambios y arranques de velocidad, y unos solos muy al estilo del género. Y, Groove Metal, en especial porque la vocalización de William Fernandez, no es enteramente gutural -como en el Death-, sino que mezcla tonos gruesos con otros más gritados y sostenidos, un poco a la manera como lo hizo Cavalera en Sepultura, por allá en los tiempos del Chaos A.D. o el Roots. De este modo, aquello que se lee acerca del Hardcore es una mala asociación, hecha tal vez pensando en la producción del disco, cruda, primitiva hasta cierto punto; y lo de Fear Factory, no deja de ser una leve impresión que se despierta al escuchar ciertos riffs, escasos en el álbum.

Core es una banda rápida, basta oír las dos primeras canciones ("Not On My Back" y "Severed Senses") para reconocerlo; pero, también hay técnica y creatividad en sus canciones, las cuales se acompañan casi siempre con punteos y riffs de variada dificultad. Asimismo, con relación a las líricas, hay un trabajo interesante: Through Chaos and Disharmony es un álbum directo, político si se quiere poner en esos términos; en él es evidente un plano de denuncia social ("Primal Speech" o "Not On my Back"), y otro caracterizado por un pesimismo rencoroso (tipo "Spineless Breed" o "Circle of Fear"). En la citada "Primal Speech" se escucha: "Imaginen un mundo / donde los débiles no tienen derechos / el fuerte lo toma todo / y a esto se llama vida / la explotación legitimada / por un sistema de reglas codiciosas / la vida moderna significa abuso".

Through Chaos and Disharmony fue lanzado de forma independiente en 1998, aspecto que lo asemeja a la Demo de 3 años antes (Collapse), y a un TAPE de 3 canciones que la banda editó también en 1998. La alusión a Sonopress que se encuentra en la parte de atrás del disco indica exclusivamente la compañía que lo prensó, pero no implica su producción ni distribución, labores que corrieron por cuenta de Core. La presentación interior del álbum es sencilla: incluye apenas 1 hoja con las letras de las canciones y una foto de la agrupación; sin embargo, a pesar de su discreción, el art-work es atrayente: contiene figuras de soldados, policías, hombres con caretas, códigos de computación, etcétera; todo acorde con las 2 palabras que sobresalen en el título del disco: caos y desarmonía.

Cemment es una agrupación japonesa que, durante sus seis años de vida, editó tres álbumes de estudio -Lost Humanity (1995), Donor (1996), y Cemment (2000)-, además de algunas otras producciones compartidas. Su música puede describirse como una mixtura entre el Death/Groove Metal y el Industrial; una combinación que la misma banda catalogaba como "Death Trial Metal", y que seguramente gustará a los seguidores de proyectos como Treponem Pal, es decir, a los amantes del sonido caótico, distópico y brutal. Una vez sueltos los primeros acordes de Cemment, sobre quien los escucha se desatará una descarga de confusión y gravedad capaz de someter hasta la cabeza más dura.

El disco que ahora presentamos, Lost Humanity, es una verdadera rareza, no sólo por ser el primero en la discografía de Cemment, sino también por haber constituido el segundo título lanzado (después del Crucified de Unholy Grave) por el legendario sello nipón Eclipse Records. El álbum está constituido por 10 canciones grabadas a finales de 1994, todas concebidas en una línea de velocidad media, con destiempos y frecuentes arranques de rapidez; temas como "Suffer" o "Commit a Crime" ejemplifican esta variedad de tiempos. Asimismo, a lo largo del disco, son usuales los punteos, ejecutados con precisión técnica y, a veces, decorados con efectos industriales, tipo "Worshipful Lie".

Los riffs de las canciones, en su mayoría, se acoplan al Death Metal; sin embargo, hay algunos que denotan estructuras más Groove, como sucede en "Down Nations", la citada "Commit a Crime" o "Wake". Por otra parte, aunque Lost Humanity mantiene cierta proporción en la duración de sus temas, "Despair" e "Irresistible Impulse" resultan bastante cortas y veloces: son canciones durante las cuales la energía general del álbum se acrecienta. Por último, debe señalarse que la vocalización de Abe y Taichi, modificada en la producción, da al disco un toque futurista, robótico, que pone sobre la mesa las amplias influencias industriales de Cemment; las mismas que pueden sentirse en el track del cierre, "Tanatos", un instrumental ruidoso y pesado.

Como se mencionó antes, Lost Humanity fue lanzado por Eclipse Records (disquera que también editó su segundo álbum, Donor, y el EP Anthitese). El cuadernillo del disco fue elaborado en cartón especial, brillante por un lado; incluye fotos en vivo de Cemment y la información técnica. El art-work es sencillo, pero la mezcla de colores grises y negros traduce bien la orientación de la banda, es decir, la programación tecnológica, el caos vital, etcétera. A la fecha no existen re-ediciones de este álbum, aunque en un par de páginas de la red pueden hallarse algunas copias todavía a un precio aproximado de 20 dólares.

Betrayer es una banda que no llegó a trascender realmente la escena de su país; sin embargo, sería equivocado afirmar que, por esta razón, se deba desatenderla. Por el contrario, al revisar su historia nos damos cuenta de que existen muchos motivos para escucharla: primero, su guitarrista Tal Behar tocó durante algún tiempo en la reconocida agrupación Orphaned Land, lo cual garantiza un alto nivel; segundo, a lo largo de su vida, compartió escenario con grupos como At the Gates o Rotting Christ y; tercero, su trabajo desde 1992 hasta 2001 (fecha en la que sus integrantes tomaron la decisión de separarse) se enfocó siempre en la búsqueda de un sonido muy personal: un Death/Groove con notorias influencias del Metal melódico y progresivo.

Este EP titulado My Twisted Symphony constituye el punto final de su carrera, un material que vino después de haber editado tres TAPES a lo largo de los noventas; y en él puso Betrayer 5 canciones producidas ejemplarmente, llenas de riffs enérgicos de ejecución técnica y lograda. En términos generales, el ritmo de las canciones es medio, un aspecto que seguramente no gustará mucho a los fanáticos de la velocidad, pero que, en cambio, agradará a quienes deseen escuchar una buena muestra de palm mute, armónicos, juegos de platillos, líneas bajas y ciertas melodías de teclado (la mayoría de ellas futuristas, como en "Battles Within" o "Garden of Memories").

Con relación a las letras, debe destacarse la consistencia, su profundidad. Betrayer explora en ellas un ámbito existencial: en "On the Wings of Time", por ejemplo, se resalta la manera como vamos perdiendo con el paso del tiempo, la oportunidad de reflexionar sobre nuestros sentimientos; por su parte, en la segunda estrofa de "Rock Solid" se encuentran unos versos casi proverbiales: "Chaos is a part of the order that rules... order is a part of the chaos that consumes"; y, en fin, en las otras canciones del EP, a excepción de "Dead End" (que es instrumental), se insiste en mostrar los vacíos de la mente, los sinsentidos, cayendo en una visión algo pesimista y dolorosa.

My Twisted Simphony fue grabado en Tel Aviv en 1998, y ese mismo año se lanzó a través de la Raven Music, pequeño sello israelí que también ha estado al frente de producciones de Salem y Arallu. El diseño del EP es sencillo, y su booklet tiene apenas 1 hoja (lo usual en este tipo de formato). Hasta la fecha no existen re-ediciones de este título, el único lanzado por Betrayer en formato CD y, tal vez, uno de los más queridos por la propia banda, como se infiere de las palabras de Yishai Swearts (vocalista de la banda) quien declaró en una entrevista algunos años después de extinguirse la banda: "our debut CD My Twisted Symphony, success was never the thing for us as none of us lived from music and if I wanted to set up a highly successful act then I know that the music will not be what we used to do, but I am satisfied with the good things we made and I've learned from the bad things we made".

Slavery es una banda que viene trabajando en la escena chilena desde hace más de veinte años. Su sonido ha venido evolucionando progresivamente del Thrash al Groove/Death Metal, y en este punto ha sido decisivo el hecho de que varios de sus integrantes participen en agrupaciones de diferentes géneros. En este sentido, contrario a las reseñas que pueden leerse sobre el álbum Collapse, las cuales desatienden las transformaciones de la banda, encasillándola insistentemente dentro del Thrash Metal, en nuestra opinión la propuesta de Slavery, para esta época, puede definirse mejor como una combinación del sonido noventero de Sepultura con el tipo de voces que siempre gustaron a Phil Anselmo.

Ahora bien, a nivel musical los chilenos ofrecen elementos que los hacen particulares: pasajes rápidos, estructuras "gruesas" a la usanza del Death Metal, una vocalización que mantiene tonos semi-guturales, etcétera. Se trata de un álbum que no fue elaborado con prisa, sino que, por el contrario, refleja la búsqueda de un sonido profesional. Se destaca sobretodo el trabajo de los guitarristas, Paolo Maugard y Francoise Tapia, quienes se muestran acoplados como dúo y muy avanzados en el dominio de su instrumento, tanto en los punteos como en los cambios de velocidad y la combinación de riffs. Hay que añadir que en este disco también colaboró en la ejecución de las seis cuerdas el músico Rafael Salgado.

Con relación a las letras, Slavery intenta establecer un puente de comunicación entre la sociedad y el individuo, mostrar cómo muchas de las prácticas de aquella nos afectan como personas. Así, unas veces hablarán sobre el sometimiento, como en "Machination" ("I accept this hideous reality but my repulsion and hate I don't deny"), otras tendrán un rasgo de denuncia, por ejemplo, "Fucking Religion" ("Sanctified is the money and the good life of your pastor") y, por último, habrán temas con un tono más pesimista, tipo "Damned Sunset" ("Dark future, evil color, crazy days before the farewell").

SLAVERY. Collapse. War Discos. 1997.
RANK: 7.5/10