Trail of Tears hizo parte de la ingente escena gótica que explotó en Noruega a mediados de los noventas, si bien su propuesta supo forjar un camino propio al evitar sustancialmente los aparatajes clásicos y encarrilarse hacia un sonido más moderno y fuerte. De hecho, su música posee un regusto a Black Metal que inmediatamente la aleja de nombres como Tristania, Sirenia o Theatre of Tragedy y la acerca, más bien, a la línea sinfónica de bandas como Dismal Euphony o The Sins of Thy Beloved. En 2002, la época de su tercer álbum, A New Dimension of Might, esa personalidad estaba más que desarrollada, de suerte que el disco resulte muy profesional, tanto en lo que respecta a la calidad operativa de sus músicos, como a la agudeza desde la cual encuadran todos los elementos para crear una obra entretenida y polifacética.

A New Dimension of Might toma forma a partir de tres pilares: una fuente gótica que emana de las voces operáticas, los riffs melódicos, los pasajes sosegados y el contraste entre lo luminoso y lo oscuro; una fuente Black Metal que se descubre en los fragmentos en que Trail of Tears propone vocales desgarradas, acelera la marcha o presenta guitarras sostenidas; y una fuente electrónica que enriquece los temas con el uso de sintetizadores y samples. Según la canción, es posible que una de estas facetas predomine, pero la banda tiene un maduro sentido del equilibrio, gracias al cual, a lo largo de los 50 minutos que dura el disco, se experimenta la sensación de hallarse frente a una propuesta completa que va descorriendo sus distintas dimensiones obedeciendo solamente al discurrir que proyecta la misma música.

La conciencia de lo simétrico en Trail of Tears es admirable, además, porque, a pesar de que a los siete integrantes del grupo se suman varios músicos de sesión (todos ellos con un nivel notable), el álbum realza siempre el espíritu del conjunto sobre la individualidad, abocándonos a una arquitectura sumamente sólida. En lo que sí exhibe la banda un carácter íntimo es en las letras de las canciones: buena parte de ellas está enfocada en el aislamiento, la oscuridad del mundo interior y el modo como la integridad se pierde por efecto de los miedos o la ilusión. Hay una concepción casi laberíntica en el disco, pues por momentos se abre la puerta a voces de auxilio o a la salvación en el plano de lo sexual para cerrarse nuevamente en esos estados extremos que se describen en temas como "Splendid Coma Visions" o "Bloodred Trance".

A New Dimension of Might fue lanzado por Napalm Records en la época más prominente de este sello, es decir, cuando su catálogo presentaba, además de las bandas mencionadas antes, otras tan interesantes como Dargaard, Darkwell, Hollenthon, Lacrimas Profundere o Visions of Atlantis. La presentación del CD es muy cuidada: incluye un cuadernillo de 16 páginas con fotografías de la banda, las letras de las canciones y los agradecimientos. El diseño corrió por cuenta de Nieraj Singh, quien utilizó estrictamente tonos azules, grises y negros para dar forma a un arte que responde correctamente a la música y letras de Trail of Tears. De este mismo título existe también una versión en CD no oficial prensada en Rusia por la Steamhammer Records y otra en TAPE hecha por Irond Records, ambas lanzadas en 2002.

Este fue el segundo disco hecho por Lividity y un ejemplo contundente de que, incluso, sin llegar a ofrecer una sola cuota de originalidad, puede presentarse una obra admirable. 'Til Only the Sick Remain (2002) ciertamente recorre los consabidos derroteros del Grind, es decir, el doble bombo permanente, la extrema guturalidad, la distorsión y los pasajes frenéticos; pero, a pesar de ello, todo se encuentra tan bien dispuesto que el no estar frente a algo nuevo deja de ser significativo y el álbum en sí mismo empieza a perfilarse como una pieza que puede disfrutarse muchísimo. Dada esta concesión, hasta llega a resultar admirable la armonía que se consigue de los elementos que convergen en la música y el modo como sobre ella se exponen unas letras que, como bien se anuncia en el título, también son características del Grind.

'Til Only the Sick Remain expone a lo largo de 30 minutos una música potente y pesada, que no se ancla en la velocidad excesiva, sino que elabora también pasajes lentos de gran densidad. Las guitarras conocen muy bien los matices de su estilo y su mérito consiste en elaborar líneas memorables a pesar de sus limitaciones (prueba de lo cual es que el único solo del álbum sea hecho por un invitado). La batería, por su parte, cumple con el acompañamiento y siempre se muestra a ritmo con la marcha del conjunto, lo cual es positivo en la medida en que Lividity transita durante la reducida duración de la mayoría de sus canciones por diferentes velocidades. El bajo, finalmente, solo logra destacar en fragmentos determinados, pero no se trata de una ausencia que pudiese echar al traste la unidad.

En lo que concierne al trabajo vocal, Lividity se apropia de una gutural casi ininteligible hecha por el front-man Dave Kibler y los rasgados de Matt Bishop; ambos estilos se cruzan sin abusos de ninguna parte, despachando las líricas con energía y contundencia. No podría ser de otra manera, a sabiendas de que las letras, inmersas totalmente en el gore, requieren de esta violencia particular. Con enfermiza frecuencia se repiten las palabras "cunt", "dick", "scum" o cualquiera de sus variaciones, en medio de unas letras que desprenden del deseo sexual toda una serie de filias y aberraciones; así, en cada tema de Lividity se asiste a una violación, a un asesinato, o a actos necrofílicos o de tortura. Las pequeñas grabaciones que anteceden buena parte de los temas -tomadas de películas porno, al parecer- anuncian con justicia el asunto a tratar, y también su enfoque que nunca deja de ser humorístico.

'Til Only the Sick Remain fue grabado entre el 8 y el 15 de marzo de 2002 en los Mercenary Digital Studios de Illinois, y fue lanzado ese mismo año por el sello de culto Morbid Records. La versión que se muestra en la fotografía corresponde, sin embargo, a la reedición que lanzó en el año 2008 Epitomite Productions. Esta edición conserva la portada original del disco -macabra en todo sentido-, y presenta un cuadernillo de 12 páginas que contiene las letras de las canciones, los agradecimientos y la dedicatoria -a ciertos amigos de la banda-, todo ello en medio de un diseño sangriento que parece recordar que estamos en la mente o las entrañas de un psicópata. Resta recordar que participaron aquí, como guitarristas y vocales invitados, músicos de bandas importantes como Numskull, Broken Hope y Putrid Pile.

Fueron tan vistosos los shows de Goddess of Desire que después de cada presentación resultaba imposible no preguntarse cuánto había en ellos de calidad musical y cuánto, por el contrario, de pura teatralidad. Para muchos, justamente, su parafernalia escondía un reciclaje de ideas que habían rendido ya suficiente fruto, pero que la banda forzaba aún de modo empecinado. No obstante, para otros, dicha imitación -que tenía incluso nombres propios: Venom, Celtic Frost, Manowar- no constituía un motivo de señalamiento y, en su opinión, encajaba perfectamente con el espectáculo que montaban los holandeses en tarima. Así pues, durante la década y media que vivió la banda, la crítica de su propuesta pareció dividirse en dos posiciones inconciliables.

Ahora bien, para quienes conocemos la banda solamente a través de sus discos aquellas perspectivas están armonizadas. En efecto, es claro que Goddess of Desire no es un grupo original, pues su música -al menos en lo que respecta a Conquerors Divine (2002)- no es más que un enclave de los géneros tradicionales -Heavy, Speed y Thrash Metal- sin ningún arresto propio; pero a pesar de ello, sus integrantes no son figuras fingidas, sino músicos que, moviéndose dentro de un viejo molde, son capaces de componer con riqueza y dinamismo temas que llegan a ser incluso notables. Es más, Goddess of Desire refleja un acople envidiable para muchos, y la calidad de sus solos, el cuerpo de sus riffs y el juego impecable entre sus estrofas y coros, poseen por sí mismos un valor que no sería justo desmeritar.

La prueba de esto está en el hecho de que un disco de 14 canciones parece, de entrada, agotador y, sin embargo, se pasa por todo Conquerors Divine con un gozo permanente, conociendo los lances de sus 3 vocalistas, interiorizando los enérgicos cambios de tiempo y coreando las líneas de las letras que transitan por asuntos tan diferentes como la vida de los metaleros, el orgullo pagano o la crítica religiosa. Apenas durante los 3 cortes que sirven de intermedios se suspende el flujo de esta vitalidad, pero una vez desaparecen estos se retoma el ritmo rampante de las canciones hasta alcanzar el final, en donde a modo de epílogo se encuentra el tema homónimo del álbum, cierre ideal del mismo en la medida en que sintetiza los recursos usados por la banda y concluye dejando el ánimo bastante arriba. 

Conquerors Divine fue lanzado en el año 2002 por el sello alemán Perverted Taste en formato CD y también en LP de 12". El tipo de animación que sirvió de portada al disco fue usual en los distintos trabajos de Goddess of Desire, pero no se mantiene en el interior del booklet, en el que se prefirió incluir imágenes distorsionadas de los músicos y un contraste entre fondos amarillos y negros. Se presentan allí mismo las letras de las canciones, los datos de grabación y los agradecimientos. Debe recordarse, finalmente, que Harm Noort, el bajista/vocalista de la banda es un veterano de la escena holandesa, pues ya estaba incorporado a la banda de Speed Metal Defender cuando corría el año 1984, y también tuvo un breve paso por Questionmark a finales de esa misma década.

El influjo de la música nórdica ha alcanzado, incluso, lugares bastante alejados geográficamente y, por esta razón, es posible encontrar agrupaciones como Great Vast Forest, que si bien pertenecen a otras escenas (en su caso, a la brasilera), presentan propuestas emparentadas con el sonido vikingo de bandas como Mithotyn, Månegarm, Thyrfing, Einherjer, etcétera. De esto resulta que, no sólo en el plano musical, sino también en el lírico, Battletales and Songs of Steel (2002) reúna todos aquellos elementos épicos y de orgullo hereditario que caracterizan el estilo de los grupos mencionados, adaptándolos en alguna medida al contexto propio de Suramérica, y sosteniendo así una postura que, para muchos será únicamente un calco de modelos foráneos, mientras que para otros constituirá una adaptación provechosa y fértil.

Las 10 canciones que hacen parte del álbum son disímiles entre sí respecto de su duración; sin embargo, en todas ellas es posible advertir una serie de recursos transversales: el contraste de voces altas y rasgadas, la ambientación bélica de los teclados, la sencillez compositiva de la guitarra (que apenas encuentra al inicio de "Masters of the Old War" algunos lances interesantes), transiciones entre pasajes lentos, ambientales y aceleraciones pronunciadas, y el acompañamiento austero de la batería. No hay en realidad alguna parte que resulte especialmente cautivante a lo largo de Battletales and Songs of Steel, pero, en todo caso, el disco no llega a defraudar ya que su producción es lúcida y, además, las canciones se encuentran bien montadas y no se tornan repetitivas, como en ocasiones ocurre con trabajos de este tipo.

Es importante resaltar que, aunque Great Vast Forest encuentra su sustancia fundacional en lo épico y, en consecuencia, aquí y allá hay toda clase de referencias desperdigadas sobre los fragores de la batalla, la fuerza, la altivez o el pundonor, sigue siendo para ella muy importante la estética del Black Metal (todos sus miembros continúan usando corpse paint), así como ciertas cualidades musicales de este género (la rapidez, la simplicidad rítmica y la clase de rasgados que proyecta el vocalista). Por demás, esta mixtura es evidente también en las letras del álbum, ya que ocasionalmente se hace acopio en ellas del lenguaje sombrío, místico y ritualístico del Black Metal y que, combinándose con todas las cuestiones de las sagas bélicas, termina adquiriendo un tono siempre pagano.

Battletales and Songs of Steel fue editado en 2002 por Evil Horde Records (sello que ha producido otras agrupaciones importantes de Brasil como Ocultan, Imperious Malevolence, Posthumous y Murder Rape). La presentación del cuadernillo es increíble: son 20 páginas a color diseñadas sobre la base de martillos, escudos y espadas; se incluyen en él las letras de las canciones, una extensa lista de agradecimientos a bandas y amigos y los datos de grabación. Huelga decir que, después del último tema enlistado del CD, se incluyó una canción extra dispuesta al revés, lo cual le otorga cierto carácter macabro a la producción. Recientemente, Great Vast Forest ha editado un disco recopilando los TAPES que lanzó a mediados de los noventas, de manera que a través de él puede conocerse la primera época de esta banda.

La controversia ha acompañado a Velvet Cacoon prácticamente en todos los sentidos e, incluso, hasta su fecha de formación es discutida, presumiendo que fue ubicada a mediados de los noventas con propósitos engañosos. Se ha alertado, asimismo, sobre el robo de material  protagonizado por Angela y Josh -miembros de la banda-, la extraña desaparición de un tercer integrante -Skv-, la invención de todo clase de rumores (como asilos y ecoterrorismo) para llamar la atención de la escena, el uso de drogas disociativas que contrarrestan la creación consciente, prácticas de celibato con las que se busca prescindir al máximo del contacto humano, y el uso de recursos tales como guitarras metalizadas, grabaciones de ondas planetarias y registros subacuáticos para la elaboración de sus piezas ambientales.

Hasta qué punto cada uno de estos elementos constituye o no un rumor es algo difícil de determinar, pero lo cierto es que la música de Velvet Cacoon tiene connotaciones realmente inusuales, incluso, para quienes están relacionados con los proyectos de su estilo. En Dextronaut (2002), cuyo título hace referencia precisamente al dextrometorfano -fármaco que puede provocar desde estimulaciones perceptivas hasta sensaciones de desdoblamiento corporal-, se consolida una densidad que invade, no a través de lo sentidos, sino de la sedación del inconsciente; por decirlo de esta forma, la atmósfera del álbum es tan saturada, caótica y disonante que la mente se ve envuelta por un sonido del que apenas logra reconocer algunos aspectos -el sustrato melódico-, mientras los otros se la llevan sobre la corriente del aturdimiento o la hipnosis, según el caso.

Es como si en Dextronaut hubiese un permanente nexo entre lo audible y lo incomprensible: entre la voz crisposa que se escucha y lo que dice, entre la lentitud y su significado, entre la suciedad y la apertura de un vuelo cósmico. Como Xasthur, Velvet Cacoon se proyecta más allá de la oscuridad del Black Metal, deseando alcanzar sobre todo la disonancia, la confusión, para dejar detrás de éstas, aquella atmósfera que embebe los sentidos e impulsa en ondas encubiertas la inconsciencia. Desde esta perspectiva, la Intro "Bloodletting" y el Outro "World Untouched by Mankind" se erigen como la entrada y la salida de un universo que, como en las mejores canciones del álbum -"Setting Off the Twilights" y "A Year of Decembers"-, está caracterizado por su efecto narcótico, desorientador y ameno a un mismo tiempo.

La Full Moon Productions fue la disquera encargada de prensar por primera vez Dextronaut en el año 2002, y además tomó para sí el trabajo de reeditarlo en 2006 en la versión que se presenta en la fotografía, es decir, remasterizada e incluyendo un segundo CD compuesto por 3 temas de Dark Ambient no editados a esa fecha. El cuadernillo del disco se reduce a una página a dos colores y, aunque también reproduce paisajes lúgubres, ofrece una portada distinta a la de la primera edición, que contrastaba oscuramente mar y cielo. Existe, asimismo, otra versión en CD lanzada por Khrysanthoney Records, limitada a 150 copias, de portada otra vez diferente y sin remasterizar; y, finalmente, una edición prensada por ese mismo sello pero en doble LP y limitada según el color del vinilo negro o blanco, a 150 y 100 copias, respectivamente.

La falta de técnica puede ser tan perjudicial para una banda como su exceso, y de este hecho dan fe todas aquellas agrupaciones cuya desmesurada complejidad termina haciendo ininteligible su música. Muy aristotélicamente lo que debería buscarse al respecto es el equilibrio, esto es, que la matemática no arrase la espontaneidad o el instinto, nutrientes no menos importantes del arte, sino que sepa conjugarse adecuadamente con ellos para elaborar experiencias racionales y emotivas a un mismo tiempo. Es una tarea difícil, pero, en ocasiones, se cumple a satisfacción, como en el caso de este disco de los suecos Visceral Bleeding, un debut que, sin lugar a dudas, es la encarnación de ese Death Metal que puede disfrutarse aún, ya sea decostruyendo las estructuras que lo sostienen, o dejándose arrastrar por la corriente de su energía.

Sucede que Remnants of Deprivation (2002) posee composiciones bien complicadas y ejecuciones magistrales, dos aspectos sobre los que descansa su tecnicidad; pero, las digitaciones de la guitarra o el movimiento de la batería, constituyen elementos todavía susceptibles de entenderse y gozarse, y en ello radica su principal virtud. No hay nada repetitivo en el álbum, ni siquiera al interior de una misma canción, y tanto en los momentos caóticos como en aquellos otros de mayor exploración, Visceral Bleeding se muestra dominante, proponiendo riffs excelentes, originales dentro del género (como sucede en "Exposive Surgery" o el tema homónimo del disco), y enseñando a incluir pertinentemente los armónicos, las líneas de los solos, y las pausas tras las cuales debe sobrevenir de nuevo lo desaforado.

La vocal de Dennis Röndum es gruesa, profunda y tiene a su haber dos cosas: la capacidad de mantenerse nítida incluso a velocidades extremas y el poder duplicar su corpulencia para alcanzar los tonos propios del Grind. Además, frente a bandas como Suffocation o Spawn of Possession, sus referentes más cercanos, Visceral Bleeding detenta otras particularidades, como la inclusión de un humor negro (latente, por ejemplo, en las voces de "Spreader of Disease (Burn the Witch)", o los arpegios baqueros de "To Disgrace Condemned"), y el efectivo encuadre de sus líricas, perfectamente definidas bajo el título del disco, pues lo que se halla desperdigado sobre él son las más diversas clases de depravación: violaciones, torturas, cirugías clandestinas, aberraciones post-mortem, etcétera.

El sello inglés Retribute Records fue el encargado de prensar Remnants of Depravation cuando corría el año 2002; en la fotografía se muestra precisamente esa edición, de la cual debe destacarse la calidad de su papel y el diseño que, sin renunciar al enfoque Gore, presenta una visión un poco más futurista. Se incluyen en el cuadernillo las letras de las canciones, fotos de la banda y los datos de la grabación. Existen, además de ésta, otras dos versiones del álbum: una lanzada en 2005 por la Willowtip Records de Estados Unidos, y otra prensada ese mismo año en Holanda por Neurotic Records bajo el título Remnants Revived, la cual contiene 3 bonus tracks de audio (entre ellos un cover de Cannibal Corpse y otro de Dismember) y 4 video-clips, la mayoría de ellos no pertenecientes a material lanzado en este álbum.

Recuerdo que escuché este disco recién fue lanzado en el año 2002, y que mi primera impresión no fue positiva con relación a su producción (al menos, comparada con la de otros discos editados entonces, como el Breath of the End de Misty Fate, el Chapter II de Soulless o el Hellfire de Soulburner) y, de alguna manera, esta sensación la ratifiqué al leer una entrevista hecha a inicios de 2003 por Hard News en la que uno de los miembros de Twilight Glimmer afirmaba que la producción y el sonido del álbum no eran, tampoco para ellos, excepcionales. Lo que no llegué a dudar nunca -y esto era algo que enorgullecía también a la banda- es que Paradox a nivel de composición y ejecución estaba por encima de los otros discos y tenía, paradójicamente, debido a su misma producción, un carácter abisal que lo hacía único.

Twilight Glimmer posee todo lo que se espera de una banda de Melodic Death Metal: una alta capacidad creativa, empalme rítmico y precisión a la hora de ejecutar los instrumentos. Es verdad que en ella resulta evidente una influencia sueca, especialmente de At the Gates, pero esto no resta sus méritos, sino que, al contrario, sitúa a la banda en un plano de exigencia: hay 2 solos en cada canción, los riffs no suelen repetirse, hay constantes cambios de tiempo, la melodía tiene una gran carga emotiva, y las vocales son fuertes, marcadas y con variedad tonal. Así, Paradox puede disfrutarse realmente mucho, incluso, a pesar de los problemas que -como decíamos antes- son palpables en su sonido como la sequedad excesiva del redoblante y, sobre todo, la de los tons, que genera en la grabación casi siempre un ruido incómodo.

Musicalmente, Paradox es un álbum consistente, máxime si se considera que constituye una opera prima; por ello, no es de extrañar que haya abierto las puertas de Twilight Glimmer a varios conciertos internacionales, e inaugurado una discografía que ya enlista 3 títulos más. De igual modo, el campo lírico del disco se halla bien dispuesto: en él hay un concepto unificado, una especie de "libro con argumentación musical" -como declara la banda-: Paradox (paradoja) representa un viaje mental que busca desprenderse de la realidad concreta para alcanzar el conocimiento de lo irracional que es el secreto de todo lo que existe. Cada canción, en consecuencia, es una especie de capítulo en el que cuestiones como la nada, el vacío o las alucinaciones cobran vigencia: "Nothingness Entrails", "Behind Dreamcodes", "Dwell in Emptyness" o "Suspended in the Threshold".

El sello colombiano Decade Records (ahora Hateworks) estuvo a cargo del prensaje de Paradox y, al respecto, realizó una labor destacable: el CD lo acompaña un cuadernillo de 12 páginas a color con las letras, fotos y datos técnicos; además, se incluyó una hoja con las traducciones de las líricas y una orden para pedidos de otras producciones del sello (Masacre, Liturgia, Occultus, Misty Fate e Iniquity). El diseño gráfico fue elaborado por Leo Pinzón (vocalista de la banda), Adrián Holguín (guitarrista) y Rafael Echeverry: una apuesta en la que los elementos naturales parecen enfrentarse en una lucha de subsistencia o participar en la búsqueda del equilibrio; el portal del front-cover simboliza, por su cuenta, el viaje que anuncian las letras. Hay, con todo, dos pequeños defectos en el booklet: las canciones "Deep with my Coldness" y "Feeding the Flame" tienen las letras cruzadas y, en ciertas partes, el color claro del fondo no permite leer bien la información (escrita con letra blanca).

La mayoría de las bandas conocidas de Paraguay iniciaron su trabajo a principios de los noventas, así lo hicieron, por ejemplo, Adonay, Funeral, Sabaoth o Disincarnated; sin embargo, como buena parte de ellas ya no existe en la actualidad, sus nombres han tomado una connotación casi legendaria, hecho al que contribuye el no poder encontrar su material tan fácilmente. De algún modo, esta es la misma condición de Slow Agony, agrupación formada en 1991 que, tras la realización de 3 demos, 2 discos y 2 SPLITS detuvo sus labores hace aproximadamente 10 años para dar paso a un nuevo proyecto que los miembros de entonces concibieron bajo el nombre The Profane. Esos títulos que quedaron atrás, hoy por hoy deberían despertar el interés de quienes aprecian la escena latinoamericana pues, sin exagerar, puede decirse que son el producto de una de las bandas más importantes del Death Metal de su país.

Spiritual Euphoria (2002) encarna, en el conjunto de aquellos títulos, el más logrado de Slow Agony, no sólo porque, al ser el último, la técnica instrumental alcanza en él su máximo desarrollo, sino porque en todos los otros factores que dan forma a un disco (mezcla, producción, estética) francamente la banda se lució. El álbum lo conforman 12 canciones que, descontando "Slave of Pain" (que tiene una base de piano) y el Outro con teclados "The End", reflejan un Death Metal afincado en los cambios de tiempo, la técnica y la precisión armónica. La base rítmica de Slow Agony sorprende por la variedad de elementos que ofrece, todos ellos de excelente calidad: los solos de bajo, las limpias transiciones entre riffs, los punteos de guitarra cuya rapidez y limpieza son notorias, y la percusión que tanto en aceleraciones como mermas de velocidad siempre se halla ajustada.

Punto aparte es la vocalización de David Arriola, la cual no está orientada en las guturales gruesas, sino en tonos más cercanos al Melo/Death, una cualidad que contrasta bien con la pesadez, técnica y calidad instrumental, de la que podría tenerse una idea pensando en una banda como Iniquity. Ciertos pasajes de Spiritual Euphoria parecen, incluso, progresivos, así sucede en temas como "Dogma-Pervertion" o "The Rebirth of Chaos", y esto es algo que asegura que tras sucesivas aproximaciones, quien escucha el álbum podrá seguir encontrando nuevos e interesantes elementos; las mismas letras arrojan aspectos sugestivos ya que, aunque en ellas se percibe el ataque tradicional a las creencias, Slow Agony aborda el tema proveyéndolo de un tono crítico: "nosotros tenemos una misión en este mundo: no ser conformistas con nuestros propios límites y seguir buscando en lo más recóndito, en lo más oscuro de nuestra alma, la verdad sublime, la euforia espiritual, esa felicidad mínima que sólo el arte puede dar".

Spiritual Euphoria fue lanzado en 2002 a través del sello paraguayo Kamikaze Records en una muy depurada edición: el cuadernillo de 16 páginas contiene las letras de las canciones, numerosas fotos de sesión, agradecimientos y algunas líneas reflexivas escritas por la banda; la calidad de la impresión es alta y, por lo que concierne al diseño, aunque tiene una dirección opaca, todo su horizonte caótico y de enajenación se transmite perfectamente. Esta es la única versión que existe del disco y lo más posible es que no se reedite pronto, si bien desde el año 2012 Slow Agony viene trabajando nuevamente y ha anunciado un nuevo álbum para 2014, del cual puede encontrarse un advance-track en la red. Dato curioso: Ángel Giménez (guitarrista) aparece en los créditos de Spiritual Euphoria como músico de sesión.

Room with a View es una banda italiana cuya propuesta, si bien se encuentra emparentada con el Metal, presenta además recursos ajenos a éste y, en consecuencia, podría no ser del agrado de los más radicales. Partiendo del sonido de bandas góticas como To/Die/For, Entwine o Charon, pero nutriéndose con la influencia lenta y melancólica del Doom, amén, de la incorporación de instrumentos inusuales como la trompeta o el acordeón, Room with a View proyecta una música de vanguardia, amplia en la inclusión de perspectivas, aunque unificada en el equilibrio de las mismas. Su sonido puede interpretarse como una divergencia del Metal tradicional, una distancia de esa forma clásica de abordar géneros como el Gothic o el Doom, pero también como un paso adelante en la apertura del Metal hacia espacios más abiertos y fecundos.

El álbum debut de la banda, First Year Departure (2002) es una especie de catálogo, pues cada una de sus 9 canciones, aun compartiendo una unidad artística, expone elementos particulares: "Single Handed", por ejemplo, ofrece una rica exploración de efectos de guitarra y voces susurradas; "Tiergarten", en cambio, utiliza  lances guturales que contrastan notoriamente con el piano y la lentitud de sus pasajes. Room with a View renuncia a las canciones rápidas, prefiere sondear los ritmos sosegados y, por ello, abundan en su música los arpegios acústicos, las guitarras limpias, y las ambientaciones con trompetas; sin embargo, por momentos, la distorsión gana lugar en las composiciones y su energía, al fluir sobre la música, nos muestra nuevas facetas de la banda; así sucede en "Club Epoque" o al inicio de "Budapest Song".

Hay mucha emotividad en los temas de First Year Departure, no sólo en lo que concierne al sonido, a la presencia de tantos elementos musicales (pues, además de los nombrados, también hay panderetas, violines, sintetizadores e intros) o a la variedad de registros vocales, sino, además, al carácter de las letras, que tienen un sentido muy personal, anclado, por así decirlo, en la recuperación de los instantes y de lo que estos representan en la configuración de un recuerdo o deseo. En la citada "Club Epoque" se escucha: "come in / and show me / how it feels to own / all you have ever wanted". Room with a View reproduce en sus canciones el efecto del momento en el espíritu, y asocia esos momentos a escenarios: a Budapest, a Italia, a Kiev, convirtiéndose en una entrada cultural, una apertura al cosmopolitismo.

My Kingdom Music fue el sello encargado de la edición de First Year Departure en 2002, y de entrada debe destacarse que su presentación es extraordinaria: el cuadernillo que acompaña el CD es de 12 páginas y su diseño está enfocado por entero en la cultura europea de principios del siglo XX; por tal razón, se hallan allí fotografías de salones de baile, locomotoras, artístas, bares de la época; todo a color y sobre papel muy fino. Entre la información incluida se encuentran fragmentos de las canciones y los nombres de los músicos que participaron en las grabaciones del disco. Hasta la fecha esta es la única edición que existe del álbum, y al parecer Room with a View ya no está activa desde hace algunos años, aproximadamente desde el lanzamiento de su segundo disco Collecting Shells at Lighthouse Hill en 2005.

Profecía es una banda emblemática del Metal ecuatoriano, no sólo a raíz de su larga trayectoria dentro de la escena (casi 25 años), sino, además, por el hecho de haber encontrado la forma de mantenerse vigente a través de los tiempos, cantando siempre en español y denunciando los problemas que revelan el caos de nuestro mundo. Ya en 1992, con su Demo "La Marca del Mal", era evidente esa dirección que ha marcado el derrotero de Profecía y, aunque por una u otra razón, su historia no haya sido prolífica en términos de discografía, en cambio sí ha mantenido aquello que podríamos llamar una orientación: la música, concretamente el Death/Thrash Metal, como fórmula para expresar una visión apocalíptica en la que cuestiones de orden social y político conducen al hombre directamente hacia su autodestrucción.

Anunciantes del Armagedón (2010) es una recopilación de los dos primeros álbumes de Profecía y, en consecuencia, constituye una pieza propicia para acercarse a la banda de manera retrospectiva. Inicialmente, hallamos los 10 temas que hicieron parte de ...Hacia el Armagedón (1999), un disco caracterizado por un sonido bastante crudo, de distorsiones fuertes y secas. Hay algo en la contextura de estas canciones que permite emparentar el trabajo de los ecuatorianos con el realizado por Reencarnación o Parabellum, mas, aquí no hay aceleraciones excesivas y tampoco un caos tan generalizado como el que sí presentan las bandas colombianas. Al contrario, Profecía mantiene mayormente ritmos medios, líneas de guitarra cercanas al Thrash, y una vocalización que, aun poseyendo un carácter agresivo, resulta inteligible.

Posteriormente, aparecen en el disco las 7 canciones que se incluyeron en Anunciantes del Final (1997), obra que, tal vez por su fecha de grabación, refleja una producción algo más primitiva que la de ...Hacia el Armagedón. Al escuchar esta parte de la recopilación se tiene la impresión de estar frente a una Demo, con todas las desventajas que esto ofrece en términos de mezcla, efectos, limpieza, etcétera; de cualquier modo, si se es amante de la música más descarnada, no se encontrará ningún inconveniente en esto, sino, antes bien, un cierto gusto. Profecía ofrece aquí un Death/Thrash Metal renuente de los recursos técnicos, ya que se inclina por una expresión más visceral, robusta, acaso coherente con el turbio mensaje de sus letras, que van pasando cuenta de hecatombes, verdugos, juicios y catástrofes.

Originalmente, el álbum Anunciantes del Final fue producido por los propios miembros de Profecía, y ...Hacia el Armagedón por el pequeño sello Brutalidad Total, en 1997 y 1999, respectivamente. La recopilación que reseñamos -que enlaza los títulos de ambos discos: Anunciantes del Armagedón- fue prensada de manera conjunta en el año 2009 por la banda y Eralsa Producciones. Aquellas dos obras fueron remasterizadas y grabadas en un solo CD, que se presentó en dos versiones distintas en su portada; el cuadernillo (de 12 páginas) que acompaña dichas ediciones contiene información sobre las grabaciones, fotografías de la banda, letras y un apartado gráfico a color muy bien logrado. La canción 18 de la recopilación es un bonus, "Los 7 Sellos del Horror", aparecida en un sencillo promocional del año 2002.

Nuclear Death es una de las agrupaciones más caóticas que han existido y, aún hoy, a 27 años de la aparición de su primera Demo, Wake Me When I'm Dead (1986), tiene mucho que enseñar a aquellas bandas que se catalogan a sí mismas como extremas únicamente por programar sus voces y batería en un estudio. Muy lejos de esto, la estridencia de Nuclear Death siempre fue un producto natural y un canal de expresión para las ideas mórbidas de sus integrantes, tanto en el plano conceptual (siempre original en ellos) como en el sonoro (plagado de crudeza y velocidad). No hay un solo aspecto que la banda no haya trabajado de modo bizarro: su música es devastadora, sus letras reflejan una obsesión clara por el gore, y su arte gráfico es macabro, ominoso, pintado por los mismos Phil y Lori, esta última utilizando, incluso, la sangre de su mestruación.

NUCLEAR DEATH. ...For Our Dead... / All Creatures Great and Eaten. Extremist Records. 2002 (1992).
RANK: 8.5/10

A dos décadas de la fecha en la que se formó Liturgia (1993), es posible afirmar que esta banda ha desarrollado lo que en rigor se denomina una carrera musical, y no por el hecho de mantenerse vigente a lo largo de los años, o por contar ya con varios discos editados, sino, ante todo, por haber comprendido que la trayectoria de una agrupación debe ir de la mano de su propia madurez. En este momento, Liturgia está posicionada como una de las bandas más importantes del Black Metal colombiano, y puede afirmarlo sin temor a sonar prepotente, pues tiene muchos argumentos para probarlo: la progresión y alto nivel que ha alcanzado su música, la seriedad con que ha asumido el trabajo artístico, su persistencia, la profundización de su concepto lírico, etcétera.

En el año 2002, la agrupación lanzó su segundo álbum, titulado Corvi et Cygnes, una obra en la que se evidencian influencias provenientes del Black, el Dark y el Heavy Metal, todas ellas capturadas en una síntesis lúcida y personal. La música de Liturgia rememora un tanto el sonido de la vieja escuela griega (Necromantia, Varathorn, Rotting Christ), pero es indudable que tiene un estilo único debido a la pulidez de sus melodías y la densidad abisal de los teclados. No hay composiciones rápidas dentro del disco, la banda prefiere explorar los pasajes lentos y de medio-tiempo, y para ello centra su propuesta, primero, en la labor guitarrística de Afar y Jaime, siempre impecable, melódica y de tejido envolvente; y, segundo, en las atmósferas de los teclados, llenas de oscuridad y belleza.

Además de esto, en Corvi et Cygnes se destacan unas vocales secas, dentro del canon del género, acompañadas a veces con coros limpios y altos; algunas estructuras rítmicas cercanas al Heavy Metal y; por último, un par de samplers que enriquecen la instrumentación. Hay temas que realmente son memorables como "Specular Reflects" (rampante, firme), "The Crying of Solitude" (de tono más lúgubre), o "The Battle Has Just Begun" (que contiene cambios impresionantes). En lo que concierne a las líricas del álbum, estás se hallan muy permeadas por el Dark Metal: sondean aspectos cósmicos y existenciales a través de una poesía lóbrega, capaz de sintetizar sueños, sentimientos, colores, y hasta relatos mitológicos: "skin is printed on the reminiscence of a landscapes / dreams are remains of last nightmares / life is torture and punishment of original sins..."

La primera y única edición que existe de Corvi et Cygnes fue editada por el sello colombiano Necrodeath Producciones; el resultado fue bastante profesional: el cuadernillo del álbum contiene 16 páginas en las que se incluyen agradecimientos, fotos de la banda, letras y demás. Puede pensarse que la portada no es muy atractiva, pero en todo caso muestra el contraste entre lo oscuro y lo límpido (Corvi et Cygnes significa "cuervos y cisnes") en todos esos pequeños detalles al interior del pentagrama. Debe recordarse, para finalizar, que en el disco participa como vocalista invitado en 2 canciones Alex Oquendo (líder de Masacre y Morbid Macabre) y que, además, se cierra con un cover de la canción "Hell's Bells", original de AC/DC. Liturgia es una banda imprescindible del Metal hecho en nuestro país.

Estados Unidos ha sido una tierra fértil para el cultivo del Black Metal, especialmente para aquel de línea más cruda, y para comprobarlo basta repasar la discografìa de bandas como Hemlock, I Shalt Become, Black Witchery o Judas Iscariot, de cualquiera de las cuales cabe esperar siempre una descarga disonante y caótica. Otra agrupación que expone este mismo estilo musical es Krieg, el proyecto formado por N. Imperial en 1995 para transmitir su mensaje de odio contra el cristianismo y la humanidad en general. Desde esa fecha, asiduamente se han venido conociendo grabaciones de esta banda, al punto de que, en la actualidad, es uno de los referentes más importantes que se tienen del género en Norteamérica; no en vano por sus filas han pasado miembros de Leviathan, Lurker of Chalice, Nachtmystium, Sarcophagus, Armagedda, Nargaroth, etcétera.

Destruction Ritual (2002) es el segundo álbum de Krieg y contiene 11 canciones cuya composición, en lo que compete a guitarras, arreglos y voces, fue labor exclusiva de N. Imperial. Es por ello, también, un disco personal, en el que el Black Metal posee una dirección clara: riffs sencillos y distorsionados, de predominancia aguda, ajenos a técnicas o solos; una voz rasgada penetrante, de tono atronador y diábolico que se mantiene siempre por encima de la mezcla, y a veces perfila gritos sostenidos de manera macabra (tipo "The Immaculate Whore"); y la ausencia deliberada de bajo en la grabación, que contribuye a que los niveles de estridencia aumenten, y a que la velocidad que predomina en el álbum sea más sórdida y cruda, capaz de dejar nuestros oídos resentidos después de una larga escucha.

En Destruction Ritual todo tiene un sentido visceral, y únicamente en la ejecución de la batería puede hallarse algo de variedad interpretativa; esto se debe a que Duane Timlin (baterista de sesión del disco) tiene una trayectoria considerable en bandas de Death Metal (Broken Hope, Divine Empire, Dying Fetus), hecho que le permite dominar con versatilidad el doble-bombo, los platillos y los cambios de tiempo. Por todo lo demás, Krieg es directa y simple, aunque no de forma aburridora, sino, más bien, impactante, firme, sin pretensiones distintas a hacer de su música un bloque sonoro contra el cual chocar violentamente. Y, asimismo, son sus letras, que no tienen ninguna intención reflexiva o de exposición, sólo un deseo profundo de odio hacia los hombres, su vida y obstinación por buscar en sí mismos algún significado superior.

Los discos de Krieg han tenido una distribución diversa en lo que respecta a sellos discográficos. Destruction Ritual fue editado en 2002 por Red Stream Inc., y esa edición es la que se ve en la fotografía, sencilla en su arte exterior y también en el diseño del cuadernillo, pues este no contiene letras ni tomas de la banda, apenas los agradecimientos de N. Imperial y datos técnicos. También existe una versión limitada a 350 copias que prensó en LP la disquera Sombre Records de Alemania ese mismo año, 2002. Destruction Ritual fue concebido durante 1998 y 1999, concretándose su grabación en un par de tomas de este último año y el 2001; es un álbum que vale la pena tener si se es fanático de la "tortura auditiva". Canciones recomendadas: "Destruction Ritual", "To Wander the Stars" y "Coldwind Flame".

Después de la salida de su disco Into the Infernal Regions of the Ancient Cult (1998), Inquisition tuvo frente a sí un gran desafío: aquel álbum que pronto se había conocido en los círculos del Black Metal subterráneo, asociándose con una propuesta única y oscura, exigía de la banda un segundo trabajo al menos a la misma altura del primero. Y fueron cuatro años los que tardaron Dagon e Incubus en presentar al mundo Invoking the Majestic Throne of Satan (2002), una obra aplastante y maligna en la que supieron condensar elementos que previamente habían usado con otros fruto de su experiencia y definición musical. Es así que este disco resulta una continuación natural del anterior, pero aporta también ciertas novedades en la medida en que aquí el horizonte de Inquisition es más amplio a nivel de composición y atmósfera.

Invoking the Majestic Throne of Satan está compuesto por 9 canciones en las que se evidencia un estilo único: la transición de velocidades frenéticas a pasajes ultra-lentos, riffs tejidos con hilos maléficos e hipnóticos, una batería que no desentona en una sola nota, y la particular vocalización de Dagon que envuelve de modo ritualístico. Cada tema tiene la marca registrada de Inquisition, ese sonido frío que se alimenta apenas de una guitarra y una batería pero que es capaz de cubrirlo todo con su fuerza y estridencia. "For Lucifer My Blood" o "Imperial Hymn for Our Master Satan" son canciones que mantienen el enfoque del primer disco porque en ellas es evidente el mismo tipo de riffs y cambios de tiempo; pero también hay tracks de confección más lenta, como el que da título al álbum y "Ritual of Human Sacrifice for Lord Baal".

Ahora bien, los puntos más innovadores del disco se hallan en canciones como "Hail the King of All Humans", de inicio semejante a Judas Iscariot, con excelentes quiebres de guitarra y una especie de solo melódico; "The Realm of Shadow Shall Forever Reign", que presenta también otra interesante muestra de punteo o; "Enshrouded by Cryptic Temples of the Cult", cuyas líneas iniciales poseen una confección muy propia. Por su parte, las letras del disco conservan al 100% la dirección que les trazara Dagon desde la época del MCD Incense of Rest (1996), es decir, el satanismo en su forma más pura; cada verso presente en Invoking the Majestic Throne of Satan exalta, clama o ratifica alguna figura del mal (Lucifer, Abadón, Satanás), lo que le da a la música un carácter apologético y maligno.

La edición original del disco fue prensada en 2002 por el sello War Hammer Records, el cual se encargó de distribuirlo masivamente por Europa y Norteamérica. Ese mismo año apareció una versión licenciada para Colombia que estuvo a cargo de Sylphorium Records, un par de versiones en LP realizadas por Iron Pegasus Records, y la edición en TAPE de In Coffin Productions. En la fotografía se aprecia el disco prensado por Sylphorium Records, la presentación de este es muy buena, tiene un cuadernillo de 12 páginas con las letras de las canciones y tomas de la banda; su diseño es totalmente en blanco y negro y reproduce las imágenes satánicas que son tan usuales en las producciones de Inquisition.

El sadismo es un tema que vienen trabajando desde hace muchos años distintas agrupaciones de Black Metal. Concretamente en Francia, bandas como ThyLord en su Demo The Earth Last Breath (2001), Vulv en Juice Hole (2005), o la misma Arkhon Infaustus han desarrollado un concepto lírico y, por supuesto, también musical, basándose en la exaltación de toda clase de perversiones, filias y crueldades. Ellas son las herederas contemporáneas de esa doctrina acuñada por Sade a finales del siglo XVIII, y representan uno de los sectores más extremos del Metal. Y es, justamente, a aquella lista a la que debe sumarse este otro nombre, el de Fornication, una banda de Toulouse formada en 1996, cuyos trabajos la ubican a la vanguardia de este enfoque.

En este disco, Sectanik Neocide, encontramos suficientes argumentos para probar lo que decimos. Fornication presenta en él 11 canciones cuyas letras rebosan -a través de la simplicidad de su lenguaje- una mezcla de sadismo y herejía; "perversick Black Metal", como denomina la propia banda su propuesta, señalando que está en contra de todas las religiones, la reproducción humana, la hipocresía y las modas. A lo largo del álbum asistimos a vicios pedofílicos, a la muerte de vírgenes, a flagelaciones y voluptuosidades, todo ello mezclado con un tono fuertemente sacrílego. Así puede observarse en el tema "Pedophiliac Abbot": "By the wish of chastity / I rape children / god told me / to sodomize the little boys / at the mass".

Estas letras están escritas más con frialdad que con talento, algo que tiene su correspondencia en el plano musical, ya que las composiciones de Fornication no dejan de ser incipientes: riffs rápidos, pero sencillos de guitarra; una vocalización cruda que no ofrece novedad al género; y una batería que, aunque es el instrumento más destacado (por su fuerza y el uso del doble-bombo), tampoco refleja tecnicismo. Sectanik Neocide es un disco de canciones cortas (2 minutos cada una) cuyo sonido se asemeja al de las otras bandas de sus integrantes: a Peste Noire, Celestia o Mütiilation, en el caso de Akhron, el baterista; o a Darvulia, en el de Kobal, el bajista. La producción, por demás, es bastante primitiva e, incluye, 3 temas ocultos, grabaciones casi inaudibles de ensayos.

Battlesk'rs Producciones es el nombre del sello que se encargó del prensaje de este álbum; se trata de una disquera especializada en Black Metal que ha venido trabajando desde esa época (2002) con numerosas bandas francess. Curiosamente, Fornication fue la primera en ser fichada por el sello, y su TAPE Stab aparece con el número 001 en el catálogo del mismo. La edición de Sectanik Neocide estuvo limitada a 669 copias, numeradas a mano en el CD; la presentación del cuadernillo (de 8 páginas) es a blanco y negro, y está repleta de fotografías de sadomasoquismo; también se incluye en él información de contacto, algunas tomas del grupo y 3 letras de canciones. Hasta el momento no existen re-ediciones del álbum, si bien la banda presentó ya su segundo disco, titulado D N Hate a través de Rapture Music.

Cuando salió a la venta este álbum, Absemia ya era una banda conocida dentro de la escena Grind de Latinoamérica, y esto aun cuando su discografía se limitaba a una Demo de tres canciones. Este hecho, sumado a que Morbopraxis recibió mayormente buenos comentarios, le auguraba el fortalecimiento de su carrera, iniciada a mediados de los noventas. Sin embargo, después de 2002 el rastro de la banda fue progresivamente diluyéndose hasta desaparecer por completo alrededor de 2005. La decisión de terminar con el grupo quizá se debió a la unión de dos factores: primero, el no contar con una alineación definida y, segundo, la falta de dinero para promoción.

Absemia presenta en Morbopraxis un Grind rápido y bien elaborado; diez canciones en la línea del género con algunos matices melódicos que hacen recordar la mejor época de Avulsed. Es un aspecto que vale la pena resaltar porque cada vez se vuelve más usual en el Grind la mezcla de guitarras simples con una batería programada; en contraste con esto, Absemia ofrece estructuras que exigen a los músicos, y en las que se resalta su velocidad, algunos solos y el uso del trémolo. La extrema vocalización de Ignacio Romano y una batería que cumple, aunque sin lucirse, completan el cuadro de la banda.

Las letras (todas ellas en español) no son el aspecto que más quepa aplaudir; están llenas de toda la visceralidad del Gore, pero en el fondo son más bien simples. En general, se centran en aberraciones y descomposición de cuerpos; así, por ejemplo, "Obsesivo-Morbo-Corporal" o "Neuroperverso Torturador". Eso sí, a la hora de componerlas Absemia no tuvo tapujos, de modo que cada tema puede considerarse una especie de cuadro despiadado del que emerge, según el caso, un psicópata que violenta niñas, un hombre que experimenta su propia putrefacción, o una extraña enfermedad viscosa.

ABSEMIA. Morbopraxis. Extremist Records. 2002.
RANK: 7/10