Trail of Tears hizo parte de la ingente escena gótica que explotó en Noruega a mediados de los noventas, si bien su propuesta supo forjar un camino propio al evitar sustancialmente los aparatajes clásicos y encarrilarse hacia un sonido más moderno y fuerte. De hecho, su música posee un regusto a Black Metal que inmediatamente la aleja de nombres como Tristania, Sirenia o Theatre of Tragedy y la acerca, más bien, a la línea sinfónica de bandas como Dismal Euphony o The Sins of Thy Beloved. En 2002, la época de su tercer álbum, A New Dimension of Might, esa personalidad estaba más que desarrollada, de suerte que el disco resulte muy profesional, tanto en lo que respecta a la calidad operativa de sus músicos, como a la agudeza desde la cual encuadran todos los elementos para crear una obra entretenida y polifacética.

A New Dimension of Might toma forma a partir de tres pilares: una fuente gótica que emana de las voces operáticas, los riffs melódicos, los pasajes sosegados y el contraste entre lo luminoso y lo oscuro; una fuente Black Metal que se descubre en los fragmentos en que Trail of Tears propone vocales desgarradas, acelera la marcha o presenta guitarras sostenidas; y una fuente electrónica que enriquece los temas con el uso de sintetizadores y samples. Según la canción, es posible que una de estas facetas predomine, pero la banda tiene un maduro sentido del equilibrio, gracias al cual, a lo largo de los 50 minutos que dura el disco, se experimenta la sensación de hallarse frente a una propuesta completa que va descorriendo sus distintas dimensiones obedeciendo solamente al discurrir que proyecta la misma música.

La conciencia de lo simétrico en Trail of Tears es admirable, además, porque, a pesar de que a los siete integrantes del grupo se suman varios músicos de sesión (todos ellos con un nivel notable), el álbum realza siempre el espíritu del conjunto sobre la individualidad, abocándonos a una arquitectura sumamente sólida. En lo que sí exhibe la banda un carácter íntimo es en las letras de las canciones: buena parte de ellas está enfocada en el aislamiento, la oscuridad del mundo interior y el modo como la integridad se pierde por efecto de los miedos o la ilusión. Hay una concepción casi laberíntica en el disco, pues por momentos se abre la puerta a voces de auxilio o a la salvación en el plano de lo sexual para cerrarse nuevamente en esos estados extremos que se describen en temas como "Splendid Coma Visions" o "Bloodred Trance".

A New Dimension of Might fue lanzado por Napalm Records en la época más prominente de este sello, es decir, cuando su catálogo presentaba, además de las bandas mencionadas antes, otras tan interesantes como Dargaard, Darkwell, Hollenthon, Lacrimas Profundere o Visions of Atlantis. La presentación del CD es muy cuidada: incluye un cuadernillo de 16 páginas con fotografías de la banda, las letras de las canciones y los agradecimientos. El diseño corrió por cuenta de Nieraj Singh, quien utilizó estrictamente tonos azules, grises y negros para dar forma a un arte que responde correctamente a la música y letras de Trail of Tears. De este mismo título existe también una versión en CD no oficial prensada en Rusia por la Steamhammer Records y otra en TAPE hecha por Irond Records, ambas lanzadas en 2002.

Mardraum: Beyond the Within (2000) es el resultado de la experiencia que ganó Enslaved con todas sus obras anteriores y de la apertura musical que caracteriza su proceso creativo. Lo primero, le permitió a los noruegos tener un bagaje, y, lo segundo, arriesgarse a depurar los recursos que hacen parte de su sonido, organizándolos de modo que no tuviesen comparación con nada precedente. Y es que, difícilmente podría hallarse un disco como este, con el mismo tratamiento de la pesadez, la cual se forja, no desde la velocidad o el ruido -como es usual-, sino a partir del cruce de numerosos elementos que generan una sensación de densidad. Con Mardraum se está un paso más allá del Black Metal, pues la creatividad de la banda desborda el género, pero, también se permanece en el seno de él, pues esa es la base la banda y aquello que en el álbum se estiliza y reinventa.

Los 11 temas que conforman el disco son de probadísima calidad; en ellos se destaca un empuje épico, producto de los constantes cambios de marcha y de una instrumentación que trabaja intensamente tanto la distorsión como la limpieza. Es indudable que Enslaved tiene una perspectiva progresiva; eso queda remarcado en los variados juegos de guitarra, en la generación de solos por fuera de lo convencional e, incluso, en la propia versatilidad de sus músicos que, por regla, se desempeñan en por lo menos dos roles. Pero, aun así, Mardraum no es un álbum que pueda catalogarse simplemente como técnico; en él habita todavía el nervio del Black Metal, y este salvaguarda en la experimentación toda la pesadez y energía del género.

Mención aparte merece el trabajo vocal que es francamente sorprendente: las fuertes growls de Kjellson están aquí en su mejor momento, y se unen de forma permanente con los tonos altos y las salidas Heavy Metal de Kronheim y Bjørnson. Por añadidura, el hecho de que el álbum se encuentre compuesto casi enteramente en noruego, ofrece a quien escucha un tono y una potencia especiales en las voces. El apartado lírico no desencaja y en todo momento se halla a la altura de la música. En general, las letras se mueven en una dirección que tiene que ver con la vuelta al paganismo nórdico; con todo, no abundan aquí los nombres de dioses antiguos o algo por el estilo, sino más bien, el rechazo a la creencia cristiana, la exhortación a recuperar la voluntad propia y algunas descripciones de gestas vikingas.

Mardraum: Beyond the Within fue grabado en febrero de 2000 en los Abyss Studios bajo la ingeniería de Lars Szöke y Peter Tägtgren y fue prensado ese mismo año por la Osmose Productions; esta doble asistencia garantizó la producción que es, por donde se mire, impresionante. En cuanto al diseño, el CD cuenta con un cuadernillo de 16 páginas a todo color que presenta las letras -tanto en noruego como en inglés-, los agradecimientos de la banda y fotografías en vivo. La portada del álbum tal vez no sea la parte más destacable del mismo, aunque bien podría sostenerse que en ella se exponen las runas y esa especie de rapto que simbolizan las pesadillas para Enslaved -"mardraum" traduce "pesadilla"-. Existen de este título numerosas versiones en todos los formatos, lanzadas, entre otros, por Metal Mind Productions, Necropolis Records y Season of Mist.

Con Theatre of Tragedy se inaugura prácticamente el puente que comunica el Doom con el Gothic Metal, no sólo por cuestiones de orden temporal, sino también porque el concepto del que se sirve para este enlace explicita ya de manera más que clara las coordenadas por las que se rige. Esto significa, en otras palabras, que Theatre of Tragedy elabora una propuesta cuyos antecedentes son pocos y que, además de ello, en su obra (refiriéndonos, por supuesto, a su primer disco, auto-titulado) las bases de creación están perfectamente definidas: ese paisaje gris, lúgubre del Doom empezará a adquirir, por efecto de los recursos góticos, un nervio clásico, antesala de lo que serán las armonías y el estilo propio de las bandas que vendrán un par de años después como Tristania, Within Temptation, The Sins of Thy Beloved o Trail of Tears.

Es posible que antes de 1995 algunas bandas se hubiesen aproximado a aquello que Theatre of Tragedy convierte en proposición, pero lo cierto es que ninguno de esos acercamientos tuvo en su abordaje del Doom un carácter que lo acercara tanto al Gótico en una doble dirección: primero, la presencia de esos elementos en los que se afinca la raíz clásica -el chelo, piano, soprano- y, por otra parte, la marcada presencia de los opuestos: belleza y fealdad, luz y oscuridad, tranquilidad y conflicto. De esta manera, al escuchar los temas que componen su álbum, se experimenta una emoción compleja: el sentirnos arrastrados por una corriente lenta, nostálgica y oscura que nos lleva de vuelta hacia el pasado, a un espacio impreciso, pero colmado de los más diversos estados: la agonía, el temor, el vértigo, la contingencia, el vacío.

¿Qué criterio podría utilizarse para juzgar "...A Distance There Is..."? ¿Cómo interpretar la sublimidad de "Mïre" o de "Dying: I Only Feel Apathy"? El arte se ha volcado fértilmente sobre estas canciones, y sólo la perfección, el equilibrio de la forma, el rapto, la catarsis parecen servirnos de guía. En la misma pausada melodía -cuya estampa se asemeja a la de Katatonia-, se filtran los destellos de un tiempo invocado desde tantos puntos: desde el encanto luminoso de Liv Kristine, desde la soledad que mueve el chelo, desde el ímpetu que declina en la palabra ("...In peace I now will rest..." / "...On his knees, a plea to harvest roses..."). Todo Theatre of Tragedy avanza en un sentido puro, develando el quiebre de la vida, su claroscuro y enfrentándonos, al final, con la sentencia que condensa su mensaje: nuestra vitalidad es un teatro hasta la última tragedia.

Originalmente, esta obra maestra fue lanzada por Massacre Records; sin embargo, en 1998 fue reeditada por Century Media Records, siendo justamente esta la versión que se muestra en la fotografía. El diseño del cuadernillo que acompaña el CD conserva el enfoque artístico de la música; la portada, incluso, simboliza mucho de su orientación, y el apartado gráfico restante (elaborado en tonos grises) es pulcro; se incluyen en el booklet las letras de las canciones, los agradecimientos, varias fotos de Theatre of Tragedy y la información técnica, en la que se puntualiza que el disco no fue grabado en Noruega -a pesar de la procedencia de la banda-, sino en Suecia, con la asistencia en producción de Dan Swanö, quien garantiza, como es costumbre, una mezcla y sonido excelentes. 

Dos cosas quedan claras cuando se escucha Twin Obscenity: la primera es que estilos como el Pagan o el Viking fueron variaciones naturales del Black Metal y, en consecuencia, inicialmente su distinción fue sólo conceptual; y la segunda es que, más allá de los aportes hechos por las bandas más crudas de Escandinavia, la melodía siempre supo abrirse allí un camino sobresaliente. Es verdad que sobre esto puede discutirse prolijamente, pero jamás se logrará probar algo distinto a que, en esencia, el sonido de Twin Obscenity corresponde al del Black Metal, que las etiquetas de Viking/Pagan que usualmente se le adjuntan obedecen ante todo a su plano lírico o estético y que, por otra parte, la banda es portavoz de la cosmovisión nórdica de los noventas, concretamente de su deseo de dirigirse por un camino menos primitivo que el recorrido por las primeras bandas.

Con relación a todo esto, For Blood, Honour and Soil (1998), segundo disco de Twin Obscenity ofrece una excelente ilustración. En efecto, se halla en él una temática perfectamente establecida, de la cual hablan ya tanto la portada como el título; las nueve canciones del álbum nos remiten a un espacio en el que las batallas, los dioses y los héroes se entrecruzan formando un discurso que rememora lo más propio de la épica vikinga: "Our swords will mark our stand / by glory this our right / once more unto the field / once more we stand and fight". Las letras de la banda son, por así decirlo, himnos de guerra, y en tal sentido se enfocan en las estrofas, coros e intervenciones de los vocalistas, pues estos últimos pueden alternativamente ejecutar susurros, rasgados, guturales gruesas y, en el caso de un par de canciones, hasta líneas femeninas.

Ahora bien, la música que acompaña este ideario, no posee ritmos o elementos vikingos, sino, como dijimos, la estructura propia del Black Metal melódico. A este respecto es muy diciente la influencia de Dissection, evidente en la confección de los solos y ciertos riffs (como los de "The Wanderer"); asimismo, los teclados (ejecutados aquí por Mona Skottene -la vocal femenina-) comparten más o menos la dirección de grupos como Old Man's Child o Dimmu Borgir, sólo que sin caer en la saturación de las composiciones, insinuando más que protagonizando. La producción de For Blood, Honour and Soil permite escuchar cada instrumento y sorprenderse con pequeños detalles: el eco de las voces en "In Glorious Strike" o "Upon the Morning Field", los logrados fragmentos acústicos, o el uso del doble bombo, entre otros.

Twin Obscenity firmó un contrato con la Century Media Records a finales de los noventas al parecer por más de 5 discos, pero lamentablemente tras el lanzamiento del segundo -Bloodstone  (2001)- la banda se desintegró. For Blood, Honour and Soil, al haber sido prensado también por este sello, contó con una presentación profesional y, por supuesto, una amplia distribución en el mundo; la portada y todo el diseño interior están basados en gestas épicas, y las mismas fotografías de la banda reflejan esta orientación. A la fecha no existen reediciones del disco, si bien la mayoría del catálogo del sello se ha vuelto a prensar, de suerte que únicamente es factible buscar las versiones de época, editadas en Alemania y Estados Unidos. Debe destacarse que ninguno de los 3 miembros de Twin Obscenity en esta época (Tønnessen, Wiig y Naesje) han tenido otros proyectos desde entonces.

TRISTANIA. Beyond the Veil. Napalm Records. 1999.
RANK: 9.5/10

Después de editar dos álbumes con alineaciones de al menos 4 integrantes, Old Man's Child lanzó en 1998 un nuevo disco -Ill-Natured Spiritual Invasion- en el que la creación recaía enteramente en un solo miembro. Se ratificaba así algo que ya resultaba evidente: más que una banda, Old Man's Child constituía un proyecto que giraba en torno a las ideas de Galder, aquel músico que hasta el 2000 elaboró con su música un buen contrarrelato de Dimmu Borgir y que, partir de esta fecha, se integró a las filas de esa banda como miembro regular, claro está, sin abandonar su trabajo en solitario. Sin duda, Galder es un artista ambicioso, y ha contribuido en no poca medida a la evolución del Black Metal noruego, crudo y oscuro durante sus primeros años de vida, pero luego cargado también de los más variados visos exploratorios: lo atmosférico, lo sinfónico, lo melódico, lo progresivo, etcétera.

Ya desde la época de Born of the Flickering (1996), Old Man's Child se destacaba entre las bandas de su país justamente por no anclarse en su mismo sonido, sino sondear estructuras mucho más melódicas. Con Ill-Natured Spiritual Invasion esta búsqueda se hace explícita totalmente, hasta convertirse en un referente para quienes aprecian el sonido de bandas como Naglfar, Covenant, Dimmu Borgir o Susperia. Lo que impresiona es que, detrás de la concepción de este disco se halle únicamente la mente de Galder, que sólo él componga las líneas de guitarra, el soporte armónico de los teclados, y que además se encargue de la parte vocal, la mezcla y la producción. Una excelente labor que apenas complementa Gene Hoglan (Dark Angel, Death, Testament), baterista invitado que imprime sobre las melodías de Galder un acompañamiento puntual y diverso.

Ill-Natured Spiritual Invasion contiene 8 temas de Melodic Black Metal cuya velocidad combina ritmos medios y rápidos. En total son 35 minutos muy bien utilizados, en los que se puede disfrutar de riffs oscuros, aunque emparentados con los del Heavy Metal ("Demoniacal Possession" o "Thy Servant"); una fuerte presencia de teclados ("Towards Eternity", "Captives of Humanity"); y una ejecución vocal que ofrece ciertas tonalidades cercanas al Death (como ocurre en "My Evil Revelations"). Tal vez el aspecto que menos sobresale en el disco es su parte lírica (al parecer improvisada en por Galder en el estudio), pues la mayoría de las letras tienden a seguir el cliché de la rebelión anticristiana, sin ofrecer ninguna cualidad particular. Ahora bien, aun aquí es justo resaltar que hay algunas líneas interesantes y que los coros de las canciones son memorables.

En la fotografía se observa la edición original del disco, lanzada por la Century Media Records tanto en Europa como en Norteamérica en 1998. La presentación interior cumple sin llegar a sorprender, pues la imagen de la portada se repite aplicándole diferentes colores en las 8 páginas del cuadernillo. Aparecen allí las letras de las canciones, la información técnica y la publicidad de discos precedentes. De este mismo álbum de Old Man's Child existen otras 2 versiones también editadas por Century Media: un LP prensado en Alemania en 1998 y un CD de procedencia brasilera del 2000. Asimismo, es posible encontrar una edición japonesa realizada por Avalon Records que contiene el tema "The Millenium King" como bonus track.

Detrás del nombre de Limbonic Art hay todo un concepto estético y filosófico porque, como bien ha explicado el mismo Daemon, el limbo representa un campo ideal para experimentar las pasiones y los límites del hombre; es ese espacio en el que emerge con mayor potencia el lado oscuro de la vida. Una postura que resulta atrayente, en especial cuando se mezcla con la música fina y compleja que desarrolla la banda, enmarcada dentro del Symphonic/Black Metal, de corte vanguardista, incluso, con relación al trabajo de otras bandas de su país (Emperor, Dimmu Borgir, Tartaros), fértil en exploraciones de este tipo. Ya son 20 años de trabajo dentro de la escena, 7 álbumes de estudio, giras por todo el planeta y una reputación prácticamente consolidada, los logros obtenidos por Limbonic Art hasta la fecha.

Epitome of Illusions (1998) es el tercer título en la carrera de los noruegos, y se considera un disco como tal porque, a pesar de que en él aparecen temas regrabados de sus primeras Demos, posee una unidad y dirección claras. Las 7 canciones aquí incluidas son lúcidas, profundas, de una belleza sublime y oscura; en ellas, los teclados se vuelcan de forma abrasiva sobre los otros instrumentos, llenándolos con su presencia y otorgando a las armonías una densidad cósmica, universal. Tal es la importancia que tienen los teclados para la banda que en temas como "Sources to Agonies" se prescinde por entero de la guitarra, y en otros como "Artic Odyssey", también de la batería. Y es que no son atmósferas lo que construye Limbonic Art, son verdaderas sinfonías, con sus correspondientes oberturas, clímax y cierres, y para probarlo basta oír "The Black Heart's Nirvana".

Ahora bien, que primen los teclados en Epitome of Illusions no significa que todo lo demás sea accesorio; por el contrario, hay en el disco un buen trabajo de guitarras, con sus propios riffs y solos; también una ejecución de voces increíble, capaz de conseguir diversos tonos rasgados y registros altos; una batería no lineal, acompañada de percusiones operáticas; y una gama amplísima de velocidades (que van de los fragmentos ambientales a aquellos otros con el redoblante a fondo). Escuchar Limbonic Art es adentrarse en un escenario de comunión entre el hombre y el universo, así queda expuesto en su música y en el enfoque de sus letras, elaboradas todas al modo de una poesía de trazos oscuros y simbólicos: "I dwell in a mournful symphony / as I prepare for the cosmic funeral / the body yearns for dormancy / my spirit awaits to be set free".

La primera edición de Epitome of Illusions fue prensada en 1998 por el sello noruego Nocturnal Art Productions (propiedad de Samoth, guitarrista de Emperor). En la fotografía puede observarse dicha versión, cuyo cuadernillo de 12 páginas incluye tomas de la banda, las letras de las canciones y el arte principal, diseñado por el propio Morfeus. Existe también una re-edición remasterizada lanzada por Nocturnal Art a los pocos meses de la primera; su diferencia física radica en el logo del sello (más pequeño en la re-edición), el código de barras, y la falta de los datos de los distribuidores. Asimismo, existe una versión en TAPE hecha en Polonia por Mystic Production, y las recientes versiones editadas en CD por la Candlelight Records (que incluye bonus tracks) y en LP por la Floga Records.

Aunque la popularidad de Keep of Kalessin se debe, ante todo, a su trabajo desde 2003, época en la que la presencia en su line-up de Frost (Satyricon, 1349, Gorgoroth) y Attila Csihar (Mayhem) despertó el interés de muchos seguidores del Black Metal, no hay que olvidar que antes de esta fecha la banda había editado ya 2 discos con su formación original (Warach, Obsidian, Vyl y Ghâsh) y que estos representan un viraje importante dentro de la línea típica del género. Se trata de una exploración iniciada algo intuitivamente en Through Times of War (1997) y que, en su segundo disco, Agnen: A Journey Through the Dark (1999), adquiere un sentido más elaborado a través de los aportes técnicos y de estructura que hay allí, suficientes para reconocer que no estamos frente a un álbum más de Black Metal.

Keep of Kalessin es una banda rápida, a veces hasta los límites de la demencia; sin embargo, su velocidad no es plana, sino que se enriquece técnicamente con muchísimos recursos: el increíble trabajo de Vyl en la batería, cargado de cambios y un uso inmejorable de los platillos; la ejecución de las guitarras, firmes a cada momento y llenas de riffs memorables (tipo "Orb of Man"); el puntilloso toque del bajo, decisivo en todas las canciones que conforman Agnen, especialmente en algunas como la citada "Orb of Man" o "Towards I Roam" en las que se convierte en el instrumento que señala el ritmo; y, por último, la excelente vocalización de Ghâsh, contundente en todas sus variantes: los rasgados, las partes limpias, los tonos altos e, incluso, los gritos al estilo Cradle of Filth que hay en la canción de cierre.

Agnen: A Journey Through the Dark es una pieza con una buena producción, si bien esta puede resultar algo aguda, brillante, un poco al estilo del primer Emperor, descontando obviamente los elementos sinfónicos que aquí no existen. Hay mucho valor agregado en las composiciones de Keep of Kalessin pues muchas de ellas son intrincadas (tipo "Pain Humanised"), otras, experimentales (como el inicio atípico de Agnen y su sucesión de fragmentos lentos y rápidos), y también por el modo sutil como son usados los samples cibernéticos (en "I Deny" o "Dragonlord", por ejemplo). Y lo propio podría decirse con relación a las letras del disco que, aunque son discretas en su propuesta, tienen la fortuna de tener versos logrados y un enfoque claro: "sólo la oscuridad está en contra de lo oscuro", no hay dualidad en el mundo, todo es una continua lobreguez. 

La edición original de Agnen: A Journey Through the Dark fue lanzada por el sello italiano Avantgarde Music en 1999, conociéndose de ella la versión promocional y la oficial (que es la que se muestra en la fotografía, y de la cual hay 2 prensajes). La presentación del álbum es cuidada; tiene un cuadernillo de 8 páginas que incluye las letras de las canciones y tomas de la banda; su arte refleja una mixtura entre lo mitológico y lo futurista, quizá producto del entusiasmo que siempre ha sentido Keep of Kalessin por Úrsula K. Le Guin. De este disco existe una reedición hecha en Estados Unidos por Mercenary Musik en 2002, y otra lanzada por Peaceville Records en formato DIGIPACK en 2007. Cabe resaltar que en las ediciones de Avantgarde y Mercenary Musik hay errores en la lista que enumera las canciones, pues los temas 1, 4 y 6 aparecen de otra forma en el CD.

Más allá de las diferentes opiniones que cada quien pueda tener sobre esta agrupación, está claro que Immortal constituye uno de los nombres de mayor trascendencia dentro del Metal noruego. Desde los tiempos de su primer disco, Diabolical Fullmoon Mysticism (1992), hasta los del más reciente, All Shall Fall (2009), la banda no ha dejado de figurar junto a los otros dioses de su país (Emperor, Mayhem, Satyricon, Darkthrone), llegando a consolidar su música alrededor del mundo; no en vano, los miembros de Immortal viven actualmente de las regalías de su material (más de cien mil copias por título), las ganancias por giras y todos los otros dividendos producto de sus objetos comerciales: ni la triste salida de Demonaz en 1997, ni el cese de actividades de la década pasada (2003-2006) mermaron esta cruzada expansiva a la que apostó Immortal desde su formación en 1991.

El papel que desempeña este álbum, Damned in Black (2000), en la carrera de estos noruegos es decisivo porque define la transición musical iniciada en At the Heart of Winter (1999) y consolidada en Sons of the Northern Darkness (2002); es decir, implica la inclusión dentro de los usuales recursos Black Metal que venía manejado Immortal (rapidez, oscuridad, agresividad) de otros procedentes de géneros alternos (Death y Thrash especialmente) como, por ejemplo, estructuras rítmicas diversas, mayor tecnicismo en la ejecución, y una mejor y más limpia producción (en este caso, lograda con la colaboración de Peter Tägtgren en los Abyss Studios). Por tal razón, los temas del álbum son rápidos y oscuros, pero también de un riffeo más fértil en sus alcances, versátiles en lo que concierne al acompañamiento de la batería y siempre efectivos en el trabajo de Iscariah con el bajo.

El impactante inicio de "Triumph", las memorables guitarras de "Against the Tide (In the Arctic World)", o el perfecto acople de "Damned in Black", reflejan una banda madura, que tiene clara su dirección y no teme ir en contravía del género por evitar los tonos sostenidos y repetitivos que caracterizan el Black Metal tradicional. Immortal es incisiva, rica en cambios, limpia y llena de ese toque nórdico que le es tan propio, no sólo por lo que compete al sonido, sino también a las letras (compuestas, como ha venido sucediendo desde su salida, por Demonaz) y enfocadas en la naturaleza y todos los sentimientos oscuros que esta despierta en las zonas más frías del planeta; bien puede entenderse así con el inicio de "My Dimension": "Eyes of stone / eyes of ice are watching me / their glimpsing light comes in my sleep / chained in a dream from the ancient deeps / mindtravelling the darkest paths".

Damned in Black fue lanzado por Osmose Productions en el 2000, siendo el último disco de Immortal editado por este sello, el cual prensó sus primeros 5 álbumes. Ese mismo año apareció en Estados Unidos la versión licenciada de la Osmose para distribuir por The End Records, que es la que puede apreciarse en la fotografía; se trata de una edición cuidada, con un cuadernillo de 12 páginas que incluye tomas del grupo (Abbath, Horgh e Iscariah), las letras de las canciones y datos sobre la grabación y fan clubs; el arte de la portada es bastante discreto como el diseño del interior. De este disco también existe una edición limitada a 15000 copias en caja de lujo, y una edición en LP, ambas lanzadas por Osmose Productions. Además es posible hallar la edición en TAPE de Yücel Müsik, y una re-edición estadounidense en CD de 2006.

Gaahl se dio a conocer en la escena del Black Metal en 1994 con la edición de la primera Demo de Trelldom, banda que había formado junto a otros dos músicos noruegos un par de años antes. Sin embargo, fue sólo hasta su llegada a Gorgoroth en 1998 cuando su reputación traspasó definitivamente los límites de Noruega, alcanzando el reconocimiento como uno de los mejores vocalista del género. En aquella misma época, Gaahl se había unido a Skagg (guitarrista que empezaba a incursionar en el movimiento) con la intención de dar forma a un proyecto que mezclara la crudeza del Black Metal  con la estridencia y fuerza de la música Industrial; la banda terminó llamándose simplemente Gaahlskagg y, aunque es poco lo que se sabe de ella después del 2000, grabó un SPLIT EP con Stormfront y este disco titulado Erotic Funeral (2000).

Lo que se encuentra en el álbum es justamente una combinación del sonido que para los tiempos del Destroyer trabajaba Gorgoroth con fragmentos industriales macabros. Erotic Funeral está dividido en tres partes, la primera de las cuales ya había aparecido en el SPLIT que antes mencionamos; son en total 13 canciones sobre las cuales Gaahlskagg despliega sus principales argumentos: en primer lugar, la extrema vocalización de Gaahl, fría y apabullante; la rapidez de la ejecución (sobre todo en temas como "Skullfuck" o "I Am Sin"); el fuerte y seco sonido de la batería; y, por supuesto, la programación de los segmentos industriales, que unas veces se unen con los instrumentos y la voz ("Mankind-Development?"), y otras se convierten en canciones independientes ("Whipper", "Moralens Hammer").

El sonido en general de Gaahlskagg mantiene relaciones muy estrechas con Gorgoroth y con otras bandas como Nattefrost o Carpathian Forest porque, como ellas, se inclina por las guitarras sucias y una percusión bien marcada. Pero, además, también comparte con ellas un concepto que está centrado en la destrucción y la exaltación de las perversiones. Bien claro deja la banda este asunto al afirmar que la única razón para grabar Erotic Funeral es blasfemar el mundo y, mucho más, cuando en tono sarcástico escribe: "conviértete en prostituta si no tienes el suficiente dinero para colocarte una bala en el cerebro". Sexualidad, pecado, placer y un aquelarre caótico es lo que se encuentra a lo largo del disco.

La disquera alemana No Colours Records fue la encargada de editar las 2 piezas de la discografía de Gaahlskagg: su SPLIT con Stormfront y el álbum Erotic Funeral. El prensaje original de este último se realizó en formato CD, y es el que se muestra en la fotografía; su presentación es bastante regular en lo que a arte se refiere: contiene 2 tomas de desnudos, la primera de una mujer, y la otra de un grupo de hombres; el resto de la información se refiere a los lugares de grabación del disco (como se dijo grabado en tres partes) y las direcciones de contacto. En el año 2008, el mismo sello No Colours Records re-editó el álbum en formato LP con una nueva portada y en doble versión: la tradicional black vynil y una edición limitada a 100 copias en blue vynil.

Emperor no es solamente una de las bandas más influyentes en la historia del Black Metal, sino también una de las que más ha contribuido a la evolución de este género. Desde la primitiva época de su Demo Wrath of the Tyrant (1992) hasta la más moderna de su álbum Prometheus (2001), estos dioses noruegos no han cesado de sorprender a sus fanáticos explorando un sinnúmero de rutas compositivas y dejándoles en claro que, en su país, la música no es algo que se tome a la ligera. Lastimosamente, ya es más de una década el tiempo que la banda ha permanecido desintegrada, y con sus últimos miembros (Ihsahn, Samoth y Trym) dedicados a sus proyectos personales: The Wretched End, Hardingrock e Ihsahn, por citar algunos.

Este disco, IX Equilibrium (1999), es una pieza singular por dos motivos: en primer lugar, porque constituye un viraje en la orientación musical que hasta ese entonces había trabajado Emperor, es decir, el paso del Symphonic Black Metal a una línea mucho más ecléctica y elaborada y, en segundo término, porque en comparación con los álbumes precedentes, el nivel de ejecución instrumental aquí es impresionante. Las ocho canciones que componen esta pieza se caracterizan por su variedad de matices en el uso de teclados (épicos, atmosféricos, caóticos), la técnica progresiva de la guitarra (con muchos cambios y grados de dificultad), y la ampliación de las vocales (que ya no se limitan a los rasgados, sino que incluyen tonos limpios e, incluso, registros agudos propios del Heavy Metal).

Escuchar IX Equilibrium es adentrarse en un universo en el que el espíritu del Black Metal se enriquece con riffs de alta calidad, exquisitas melodías de teclado y constantes cambios de tiempo. Hay temas de ritmo vertiginoso -como "Curse You All Men!" o "Sworn"-, y otros con espacios más lentos, propicios para la exploración sonora -tipo "Nonus Aequilibrium" o "Blindness and Subsequent Seers"-. Además de esto, Emperor aporta en este álbum unas líricas logradas, intensas y unificadas; en todas ellas prima la búsqueda de la supremacía y la exaltación de la naturaleza; de este modo unas veces hablan sobre la necesidad de apartarse de los miedos y conformismos, otras, sobre el compromiso con la inmortalidad y, unas más, sobre el orgullo del hombre sabio que se enfrenta con todas sus fuerzas al destino.

IX Equilibrium fue lanzado el 29 de noviembre de 1999 conjuntamente por la Candlelight Records (Inglaterra) y la Century Media (Estados Unidos). La presentación del disco es notoria, con muchísimos detalles épicos y apocalípticos, una labor que estuvo a cargo de Stephen O'Malley -Boris, Khanate, Sunn O)))-; el cuadernillo incluye las letras de las canciones y los agradecimientos de la banda. La versión que se muestra en la fotografía corresponde a la primera edición prensada por la Century Media para distribuir en América. En la actualidad existen más de 15 ediciones diferentes en formatos CD, LP, DIGIPACK y TAPE; algunas de las más reconocidas son las de Toy's Factory (Japón, 1999), Mystic Production (Polonia, 1999), y la versión en Picture Disc de la misma Candlelight Records (2001).

Evil Knows Evil es el cuarto álbum de la agrupación Crest of Darkness y, sin duda, se trata de una pieza que despierta fácilmente la simpatía de los fanáticos que buscan propuestas vanguardistas de Black Metal. Agrada saber que dentro de la histórica escena de Noruega, hay todavía un sinnúmero de bandas contribuyendo a la evolución de este género en diversas direcciones, algunas de las cuales, incluso, van en contravía del sonido que hizo popular ese país. En el caso particular de Crest of Darkness, dicho desarrollo posee también un carácter transgresor, a tal punto que su disco sólo podría catalogarse acertadamente afirmando que sintetiza el Black Metal con el Progresivo, y ciertos elementos de música industrial y electrónica.

Quien escucha Evil Knows Evil reconoce, por un lado, una potencia sonora similar a la de grupos como Carpathian Forest o Nattefrost, tanto a nivel instrumental como en la extrema vocalización de Ingar Amlien; pero, por otro lado, no se le escapa la madurez musical que hay en la ejecución: melódica, precisa, rica en destiempos y variaciones, influencia todo ello de los proyectos paralelos en que han trabajado los integrantes de la banda (Conception, por ejemplo -agrupación de Progressive/Power Metal-, para el caso del citado Ingar Amlien). Y, sobre estos dos pilares -potencia y ejecución-, se halla la admirable labor de Jan Petter Ringvold, quien convierte los teclados en presencias sutiles (tipo "As a Part of Your Universe"), o en fuerzas atronadoras e industriales (como sucede en "The Lust").

En resumidas cuentas, Crest of Darkness pone en los oídos de quien escucha este álbum una música bastante original, tan melódica como la de Covenant, aunque, al mismo tiempo, más fuerte, y tan soterrada como la de Nattefrost, pero con un mayor repertorio de detalles (en el uso de guitarras, efectos de teclado, etcetéra). Finalmente, el disco de los noruegos ofrece también una visión avanzada del satanismo; ya no es la defensa atrincherada de sus símbolos, o el ataque a los ídolos cristianos, sino una invitación a percatarnos de cómo la maldad es un poder real en nuestro mundo. En "Black Hole Mystery" se escuha: "In the age of materialism and desbelief / the satanic empire is growing stronger"; y en "Cosmic Terror: "This is a neverending story / written by the human race / endless wars, violence and death / a journey through unspeakable acts".

El sello italiano My Kingdom Music fue el encargado del prensaje de Evil Knows Evil en el año 2004 (y esa misma disquera editó su trabajo de 2007 Give Us the Power To Do Your Evil). La presentación del disco es la conveniente teniendo en cuenta la orientación de su música: un Black Metal de nueva generación; el cuadernillo incluye las letras de las canciones y fotos de Amlien, Akke-47 y Hektoen (line-up de la época), todas ellas en fondos sangrientos y macabros. A la fecha no existen re-ediciones de este álbum, como tampoco se tiene mayor información sobre nuevos lanzamientos de la banda, aunque en la página oficial de Crest of Darkness se anuncia para este año la salida de un CD que se titularía In the Presence of Death.

Covenant constituye uno de los referentes más importantes para rastrear la evolución que parte del Black Metal noruego experimentó desde mediados de los noventas, y que tuvo como principal objetivo la consecución de un sonido que se alejara de la crudeza y minimalismo que caracterizó a las primeras bandas de ese país. En este sentido, agrupaciones como Old Man's Child, Dimmu Borgir, Susperia, Mactätus y, por supuesto, Covenant, hicieron una apuesta que, aunque en un principio no fue bien recibida por todos los fanáticos, a la postre ha sido definitiva a la hora de dar una identidad más precisa al metal hecho en Noruega.

De este modo, lo que contiene Nexus Polaris -segundo álbum de Covenant-, es un Black Metal forjado con base en elementos de avanzada: primero, el uso de teclados en direcciones atmosféricas, sinfónicas y hasta electrónicas, trabajo magistral ejecutado por Sverd (Arcturus); segundo, la impecable ambientación de Sarah Jezebel Deva (Therion, Cradle of Filth), vocalista que da a las canciones un toque gótico, etéreo; tercero; una estructura melódica perfectamente acoplada entre las guitarras y la batería, esta última con un doble bombo que tiene el sello personal de Hellhammer (Mayhem, Arcturus); y, cuarto, las notorias vocales de Nagash (Troll, Carpe Tenebrum) que recorren una gama amplísima de tonalidades.

La música de Covenant no se destaca por su velocidad: también en este aspecto se aleja de la tradicional línea del Black Metal, pues Nexus Polaris presenta 8 canciones con continuos cambios de tiempo, desaceleraciones, fragmentos densos, etcétera. Por lo que corresponde a las letras de la banda, hay un enfoque bastante claro que tiene que ver con lo astral, la ampliación de lo humano en ese plano del universo. Algunos títulos hablan por sí mismos: "Bizarre Cosmic Industries", "Bringer of the Sixth Sun", o "Planetary Black Elements"; una tendencia temática que la banda ha mantenido desde 1999, fecha en la que pasó a llamarse The Kovenant, y a orientar su música hacia una onda más Industrial/Electrónica.

La edición que se muestra en la fotografía corresponde al prensaje original del disco, hecho por el sello alemán Nuclear Blast Records; se trata de una producción 100% profesional, con un cuadernillo de 16 páginas que incluye tomas de la banda, letras y un art-work elaborado en colores azules y morados. El álbum fue grabado en Woodhouse Studios, así que la calidad de la mezcla es inmejorable (por allí mismo han pasado grupos como Alastis, Kreator, Rotting Christ o Tristania, por citar algunos). Nexus Polaris fue editado también en 1998 por Wizard Records, Spinefarm Records y Metal Mind Productions, en Bulgaria, Finlandia y Polonia, respectivamente. Asimismo, es posible encontrar re-ediciones japonesas, rusas y alemanas un poco más recientes.

Por las filas de Borknagar han pasado -desde 1995- numerosos músicos pertenecientes a las más reputadas bandas de Noruega: Immortal, Dimmu Borgir, Emperor o Satyricon, por citar algunas. De tal suerte, estamos frente a un proyecto que, si bien se ha centrado en las ideas de Øystein Garnes Brun, se ha enriquecido también con el trabajo de una nómina privilegiada de intérpretes y compositores, quienes han contribuido a mantener a Borknagar en la vanguardia del Metal noruego. No es improcedente afirmar, teniendo en cuenta su evolución, que lo único que ha temido esta banda es estancarse en una visión que excluya experimentar, y prueba de ello se halla en haber combinado miradas tan distintas como las del Black Metal, el Folk y el Progresivo.

Para la época concreta de The Olden Domain (1997), su segundo álbum, Borknagar reunía en sus filas, además del mencionado Øystein Garnes Brun (en las guitarras), a Ivar Bjørnson (tecladista vitalicio de Enslaved), Fiery G. Maelstrom (aka Garm, vocalista de Ulver y Arcturus), Erik Brødreskift (aka Grim, baterista de Gorgoroth en los noventas) y el bajista Kai K. Lie. Una alineación estelar para producir música de primer orden dentro de un disco en el que se destacan todos sus componentes: la vocalización de Garm, oscura cuando suena desgarrada, y sublime, épica en los fragmentos limpios;  los riffs de Øystein, dotados de un estilo que mezcla perfectamente saturación y melodía; y el acompañamiento atmosférico de Ivar, el cual en ciertos momentos asume el protagonismo, como sucede en el instrumental "Om Hundrede Aar Er Alting Glemt".

The Olden Domain es eso, un Black Metal que va un paso adelante, y ya no puede encasillarse tan fácilmente como tal, por un lado, porque su ritmo y estructura dan cabida a elementos del Metal Progresivo y el Avantgarde y; por otro, porque sus letras están lejos del tradicional sentido anti-religioso del género, prefiriendo una orientación mucho más cósmica, en la que la naturaleza se vitaliza y, en consecuencia, las estaciones, los elementos, los astros, etcétera, personifican espacios redescubiertos por el hombre. Ya en "The Eye of Oden", la canción que abre el álbum, se deja ver esta forma de pensamiento: "Up there on the mountain, above all fire, the fields down there and the ravine below, where the elements feast in reckless desire". "The Winterday", "Grimland Domain" y "The Dawn of the End" son otras canciones que dicen mucho a este respecto.

Con The Olden Domain inició Borknagar su contrato con Century Media Records, sello con el que han editado, hasta la fecha, otros siete discos. La versión que se muestra en la fotografía, sin embargo, corresponde a la prensada por la disquera brasilera Black Metal Attack Records, lanzada también en 1997 para distribuirse por toda Suramérica. El cuadernillo del CD es 100% profesional, impreso en papel de lujo; incluye letras de las canciones, imágenes de la banda, y un trabajo gráfico apropiado para la temática que maneja aquí Borknagar. De este mismo álbum existe una edición lanzada en 2002 por la Displeased Records en formato LP; otra en CD que vio la luz a través del sello ruso Фоно en 2004; y la recientemente publicada por Back on Black en Inglaterra, también en LP.