Si por alguna circunstancia un psicópata vertiera el flujo de su mente en música, el resultado tendría que parecerse al contenido de este EP, en el que es evidente la ruptura de muchos de los paradigmas bajo los cuales opera tradicionalmente la creación artística. El título, de entrada, nos sitúa frente a uno de los casos de demencia más emblemáticos de la narrativa norteamericana -i. e., el del protagonista de la obra de Easton Ellis, American Psycho (1991)-, y, así mismo, la ausencia de nombres para las canciones, la falta de ensayos previos a la grabación -que, apenas llegó a ocupar una jornada- y el privilegio dado a la improvisación convierten a Patrick Bateman (2003) en una pieza singular del Black Metal y en la oportunidad perfecta para atestiguar ese espacio inédito que surge de la música cuando esta rebasa la racionalidad que usualmente la organiza.

Krieg presenta en Patrick Bateman 5 pistas, 3 de ellas dispuestas a modo de apertura, intermedio y cierre, que corresponden a fragmentos de la adaptación al cine que hizo Mary Harron de la novela de Easton Ellis. Dichos pasajes ofrecen indicios del enrevesado pensamiento que experimenta un psicópata: la identidad escindida, el empuje hacia lo violento y obsesivo, o el vértigo que produce lo incontrolable. Mas, en medio de esos instantes -que constituyen algo así como los resquicios de una conciencia que intenta explicarse-, se alza poderosa la estridencia de Krieg: 2 canciones corrosivas que poseen la impronta de lo que surge de forma súbita. Entonces, la coherencia y el orden se difuminan para dar paso a un contenido que discurre de forma arbitraria e insumisa, lejos de todos los arquetipos compositivos.

En Patrick Bateman se descubre el despotismo de la locura y, en consecuencia, se trata de una "no-música" o, por lo menos, de un Metal que se consuma en la llana entrega a lo ininteligible. Como todo lo inicuo, Krieg se presenta aquí sin intenciones distintas al avasallamiento; por ello, no hay mensajes, sino simples vociferaciones; no hay intereses constructivos, solo disonancias; y, a lo sumo, las treguas que se dan en medio de toda esta abrumadora crudeza, son retornos percusivos que se enlazan con algún vestigio tribal y maligno que pervive en nuestro instinto. La misma sensación del tiempo se desintegra -como sucede en la mente de un psicópata-, de suerte que, para quien escucha Patrick Bateman, ese último asidero también se pierda sin poder recuperarlo ya, ni en la forma ni en el fondo de aquello que única y expresamente es destrucción misma del sentido.

Krieg grabó este EP el 2 de enero de 2003 en el Winterblut Studio de Alemania. Como cabe esperar, el espíritu arbitrario del que surgió su música no se entorpeció con una producción sofisticada, de manera que, incluso, en lo que compete al diseño visual, todo fue conducido por una violencia no meditada. En la fotografía se puede observar la primera edición del CD, que, ante la ausencia de cualquier clarificación, parece haberse prensado como lanzamiento independiente. Existen dos reediciones del título hechas en Lituania en DIGIPACK y CD estándar por la Inferna Profundus Records, la primera de esas versiones en edición limitada a 500 copias. En todas estas ediciones se conserva este mensaje consagrador de Imperial -líder de Krieg-: "This recording is dedicated to the spirit of greed and decadence that resides in every human".

En Argentina se ha cultivado el Death Metal prolíficamente, y una muestra de ello puede encontrarse en el trabajo de Vibrion, Lobotomy, 1917, Zoofilia o Necrópolis, bandas que cuentan con un soporte indudable de calidad y fuerza. A ellas quisiera sumar hoy Dislepsia, una agrupación que, a pesar de tener una reducida discografía, posee una trayectoria que casi alcanza los 20 años y una propuesta que no vale la pena desatender. Asentada en Buenos Aires, Dislepsia lanzó en el año 2003 su primer álbum, Delicia Macabra, una obra de 8 temas que se destaca, no solo por su excelente producción, sino también por el talento de unos músicos que, sin llegar a descollar por su sofisticación o técnica, mantienen a lo largo de 30 minutos un sonido que tiene mucho de firmeza, variedad y pesadez.

El disco da la impresión de volverse un poco más pesado tema tras tema, lo cual se debe, a mi parecer, a que las primeras canciones que aparecen en él -"Malditos Perros" y "Decisión"- tienen una base rítmica más acompasada que produce una sensación de cercanía al Groove. Sin embargo, progresivamente las composiciones se tornan más sostenidas y en temas como "Delicia Macabra" ya se hallan afincadas con rigor en el Death Metal. Está claro que esto aplica para el apartado instrumental, puesto que la vocalización sí mantiene desde el inicio hasta el final una guturalidad dura y ominosa que, enriqueciéndose de alternancias con fragmentos rasgados o limpios -como en el tema "Entre el Bien y el Mal"-, llega a ser uno de los elementos más originales del disco por lo que le aporta de versatilidad.

Acaso porque la mayor parte de la composición recae sobre el bajista Ramón Farías, Dislepsia ofrece en Delicia Macabra una mezcla en la que las líneas graves se escuchan ejemplarmente, y esto, sin llegar a opacar los otros sonidos, que también pueden seguirse a la perfección. Es así que en todo momento se cuenta con una imagen completa de la banda: los repiques del bombo, los muteos de la guitarra, la coordinación en el mid-tempo, y hasta la ausencia de solos, que caerían aquí muy bien para refinar las composiciones. En lo que concierne a las letras, Dislepsia se muestra ecléctica, puesto que recorre una amplia gama de temas como, por ejemplo, la crítica religiosa, el apocalipsis, los rituales, el suicidio o la lucha por el poder; la calidad de estas, a mi parecer, es desigual, llegando a contrastar las bien desarrolladas con otras muy manidas como la de "Perforando la Noche".

Delicia Macabra fue grabado, mezclado y masterizado en el estudio La Nave de Oseberg durante mayo de 2003 y posteriormente fue prensado por el sello Macabra Records. La presentación del disco es profesional, y ofrece un cuadernillo tipo gate-fold con las letras de las canciones, los agradecimientos y los datos de grabación. La pintura que aparece en la portada fue hecha por el pintor flamenco Pieter Bruegel en 1562, y se trata de una obra que, en opinión de Dislepsia, "nos muestra todos los horrores de la guerra, los homicidios, la violencia y el exterminio de lo viviente, dando una desoladora impresión de un terror sin fin, al igual que en nuestros días". A la fecha no existen reediciones de Delicia Macabra, pero la banda está próxima a lanzar su segundo álbum que llevará por título Engendrando a Satán.

Soulcide y Nuclear Winter son dos proyectos pertenecientes a la escena más subterránea de Europa Oriental y su música posee, por ello, un espíritu ajeno a las modas y flirteos con la mainstream. Sucede que, aunque no se trata de nombres con una trayectoria particularmente extensa, en cambio sí encarnan ese sentido autodestructivo que caracteriza a las bandas más radicales y, en consecuencia, su sonido constituye una manifestación contra todo aquello que dentro del Metal desea presentarse de un modo afable o afectuoso. Radicalismo, misantropía y nihilismo son los núcleos que emparentan a estos dos grupos, cercanos, además, por su procedencia, pues ambos nacieron dentro del territorio que hasta 1991 fue conocido como la Unión Soviética: Soulcide se fundó en el año 2001 en Bielorrusia, y Nuclear Winter en 1999 en pleno centro ruso.

Las primeras 5 canciones que aparecen en el SPLIT corresponden a Soulcide, agrupación de Black Metal integrada apenas por dos músicos (Jaros y Melkor) que proyectan una especie de fusión entre la simpleza instrumental de Burzum y la densidad caótica de Xasthur. Destacan dentro de estas canciones (bien dispares en su duración) 2 rasgos fundamentales: la presencia rítmica del bajo -mucho más melódico que las propias guitarras- y la maldad que transmiten sus componentes: lo desgarros funestos de la voz, las ambientaciones oscuras y macabras de los teclados e, incluso, los efectos conseguidos con las ejecuciones de guitarras limpias. Una sencilla programación percusiva, ciertos samples incorporados a las composiciones y letras centradas en el genocidio cierran el cuadro musical que presenta Soulcide en su parte del CD, titulada simplemente Misanthropy.

Nuclear Winter, por su parte, es un proyecto Dark Ambient conformado únicamente por Podonok, un músico que a través de 3 largas canciones nos coloca de frente a una serie de sensaciones cercanas al vacío, la agonía y el enigma de la nada. La propuesta de Beyond the Nought se basa enteramente en lo ambiental, excepción hecha del tema homónimo en el que se incluyen algunos riffs de guitarra y batería; lo esencial, así, se encuentra en la creación de atmósferas, en la reiteración de esas resonancias de teclado que, gracias a su lentitud y concentración, nos trasladan al centro mismo de la oscuridad, del abismo. En este sentido, en los temas de Nuclear Winter, aunque no se haga por medio de las letras, también es evidente la negación vital, pues la percepción que se tiene mientras se escuchan los temas es esa: la nulidad, la ausencia, la caída.

SOULCIDE - Misanthropy / NUCLEAR WINTER - Beyond the Nought. Possession Productions. 2003.
RANK: 7.5/10

Si algo resulta reiterativo en las entrevistas y declaraciones de Socavón es su certeza de pertenecer a ese conjunto de bandas que viene trabajando arduamente por fortalecer en todos los frentes la escena colombiana; en su caso, son casi 20 años durante los cuales el esfuerzo, la constancia, el respeto y la profesionalización han sido los principios rectores de una labor que, a toda vista, supera los límites de la música para convertirse también en una propuesta de pensamiento e imagen. Así, aunque las producciones de esta agrupación puedan contarse con una sola mano, no debe olvidarse lo que hay detrás de ellas, esto es, la autofinanciación (Socavón no ha firmado hasta la fecha contratos con ninguna disquera), la experiencia (que llega únicamente tras largas jornadas de ensayo y concierto) y la crítica (o sea, la adecuación del Metal para expresar cuestiones propias de nuestra sociedad).

Pasos en Sangre (2003) sintetiza estas 3 bases: por un lado, se trata de un lanzamiento independiente, por otro, reúne la experiencia de 2 Demos precedentes y, por último, expresa líricamente una denuncia social frente a eventos como la guerra o el olvido. Socavón ejecuta en el disco un Death Metal cuya confección media entre la técnica y la intuición; sus ritmos combinan unas fuertes guitarras con un bajo que se escucha plenamente y una batería que sienta las velocidades con precisión: unas veces apretando su marcha y otras, incluso, desapareciendo para permitir fragmentos estáticos. La armonía la complementan los teclados (incidentales, como los cataloga la propia banda) que, por lo general, forjan atmósferas muy suaves, de soporte, pero que llegan también en temas como "Guerra" a adquirir cierto protagonismo.

La gutural de Óscar Galán es seca, rocosa, una cualidad que contribuye a la pesadez; pero, asimismo, el disco ofrece declamaciones y ejecuciones limpias que establecen un justo contraste. Tal vez el punto menos afortunado de Pasos en Sangre tenga que ver con algunas repeticiones; sucede que en varias canciones (por ejemplo, "Paredón de los Mártires" o "Hijos de la Violencia"), aunque la factura de los riffs es destacable, por efecto de la duración de los temas (5 ó 6 minutos aproximadamente) se tiende a volver sobre los ritmos constantemente, algo que para determinadas personas podría ser poco llamativo. Por supuesto, esto no quiere decir que Socavón sea una banda corta de ideas, al contrario, su visión es clara y de ella emergen productos notables como "Sicofonía" (con sus pulcros detalles de teclado) o "La Condena" (y sus dos solos de guitarra").

Pasos en Sangre fue producido y lanzado por Socavón en el año 2003 a través de su sello independiente Martirio Records, el mismo con el que firmaron su más reciente título Cenizas del Palacio (2009). La presentación del álbum, teniendo en cuenta su autogestión, es aceptable: el contenido fue grabado en formato CD-R; y el cuadernillo tiene una sola hoja -impresa a blanco y negro- en la que aparecen las letras de las canciones, agradecimientos y datos de grabación. Con relación al arte de la portada, no podría decirse que es el de mejor factura pero, en este caso, lo que cuenta sustancialmente es la música. Hasta el momento no existen reediciones del disco. (NOTA: Aprovecho para expresar mi agradecimiento a Hernán Ramírez, quien tuvo la gentileza de enviarme este CD desde Tunja hace algunos años atrás. ¡Fuerza y adelante!).

Aunque existen argumentos suficientes para probar que el Black Metal vivió su apogeo durante los noventas y que los grandes referentes del género crearon sus obras emblemáticas en esa época, no es justo concluir, sin más, que después de aquellos años es imposible encontrar bandas que por su calidad o espíritu merezcan también situarse a la altura de los nombres más reputados. Sargeist, por ejemplo, nacida prácticamente con el nuevo siglo, es una agrupación que se ha granjeado ya un respeto superior al que ostentan, incluso, algunos grupos de vieja data, y esta condición la ha alcanzado gracias a la persistencia con la que ha enfrentado la dura prueba de una escena como la de su país -Finlandia-, en la que muchas bandas están haciendo actualmente Black Metal de primerísimo orden: Satanic Warmaster, Clandestine Blaze, Horna, Behexen, Baptism, Goatmoon, Azaghal, etcétera.

Las alertas de lo que Sargeist vendría a representar para el Black Metal contemporáneo se hicieron latentes en el año 2003 con la aparición de su disco Satanic Black Devotion: una obra maestra de la música oscura, una declaración de la supremacía herética. El género, que parecía haber diluido ya todos sus asideros, de repente fue recuperado por Sargeist penetrando en su núcleo, descifrando ese camino que conduce hacia sí mismo, porque no se trató jamás de una postura retrospectiva, ni tampoco de un asomo de vanguardia, fue sólo a través del hundimiento en la tierra cultivada como la banda descubrió que habían aún espacios por plantar, y que una historia del Black Metal sin temas como "Satanic Black Devotion", "Returning to Misery & Confort" o la propia "Sargeist" estaría inevitablemente condenada a ser parcial.

Sargeist es, por esta razón -por ir en contra de los que vuelven o se van-, una banda avezada: en su música están los riffs clásicos del Black, pero ninguno se parece a los anteriores; la voz de Hoath Torog posee esos gritos rasgados de siempre y, sin embargo, es identificable frente a las otras; sus letras abordan el satanismo tradicional, mas, la melancolía cernida sobre ellas las hace únicas y; en fin, todos los rasgos característicos del Black Metal (velocidad, simpleza, oscuridad) se encuentran en el álbum, sólo que dispuestos de un modo absolutamente personal, inclusive, llegando a materializarse de forma memorable: la abatida vocalización de "Frowning, Existing", el macabro bajo de "Panzergod", el latín satanista de ciertas letras, o esos  riffs que aveces llenan de efusividad y otras nos hunden atravesándonos con su dejo amargo.

Satanic Black Devotion fue, como se dijo, lanzado en 2003 por el sello norteamericano Moribund Records, el mismo que editó los dos siguientes discos de la banda -Disciple of the Heinous Path (2005) y Let the Devil In (2010)-. En la fotografía se observa la edición original del álbum que, como sucede en la mayoría de producciones de la Moribund, tiene una presentación sobria: el cuadernillo es de apenas 2 hojas a blanco y negro, y en él se incluyen las letras de las canciones y el dibujo de un bosque. De este mismo título es posible encontrar una versión en LP realizada por la World Terror Committee, limitada a 500 copias, y un CD promocional editado en Canadá. Para finalizar, debe recordarse que la letra de la canción "Frowning, Existing" fue compuesta por los miembros de la banda sueca Woods of Infinity.

Cuando aparecen recopilaciones como Buried Songs: The Early Times (2003) se celebra por partida doble: de un lado, surge la oportunidad de acercarse a títulos ahora descatalogados y, de otro, la historia de la banda adquiere un sentido profundo. En el caso de Poema Arcanvs, esos títulos pertenecen a grabaciones realizadas en los noventas y, en consecuencia, el giro retrospectivo se remonta hasta la época en la que la agrupación, bajo sus nombres iniciales (Garbage en 1995 y Garbage Breed en 1996), se abría un espacio dentro de la fértil escena chilena. El álbum es algo así como un prontuario de las transformaciones que personificó Poema Arcanvs desde el tiempo en el que su música exponía una mixtura de Groove y Melodic Death Metal, hasta aquella otra centrada casi totalmente en el Doom.

Buried Songs: The Early Times contiene 17 canciones; las primeras 6 pertenecen a Underdeveloped, una Demo que, a pesar de haberse grabado en sólo 15 horas, posee muy buena producción y refleja una banda establecida plenamente. El sonido de estos temas recuerda un poco el Scrolls of the Megilloth de Mortification, con la salvedad de que Poema Arcanvs exhibe estructuras más Groove y sus ritmos tienen un matiz marcadamente melódico. La distorsión acartonada de las guitarras, la rapidez de los temas y la denuncia social (de la avaricia, la masificación o el caos ambiental) están presentes en todos estos temas, a excepción de "Errant Souls", en el que se percibe, además de una marcha más lenta, una confección melancólica de las guitarras y el uso de aquellos elementos (voces limpias y teclados) que, posteriormente, ganarían un lugar privilegiado dentro de la banda.

La recopilación incluye también los 7 temas que componen la Demo Innocent Shades de 1996, una grabación en la que Poema Arcanvs, primero, se aleja de los tintes Groove, segundo, mantiene ya con menos firmeza el Melodeath (apenas presente en "Armygeddon" o "Ruined") y, tercero, se enfoca en la construcción de una música más pausada, íntima y oscura, propuesta que podría asociarse con el primer Opeth o, en un ámbito más próximo, con el trabajo de los uruguayos Requiem Aeternam. Es Doom de una vertiente casi progresiva lo que empieza a desarrollar la banda en estos temas, y lo confecciona ampliando la presencia de voces y guitarras limpias, de teclados y de letras más personales. En las últimas canciones del disco, tomadas de un Promo de 1997 y otra Demo de 2001, estas características estarán ya concretadas: guturales de un tono semejante al de Mikael Åkerfeldt, vocales limpias a lo Moonspell y un esquema general anclado sobre el Doom.

El sello discográfico Rawforce Productions de Chile fue el responsable de la edición de Buried Songs: The Early Times en 2003, labor por la cual debe recibir una verdadera felicitación: no sólo presentó un disco excelente en el plano musical, sino que, además, lo complementó con una presentación 100% profesional. El cuadernillo (de 12 páginas) contiene las letras de las canciones, información sobre las demos incluidas en el CD, un texto biográfico escrito por Igore Leiva (guitarrista de Poema Arcanvs) y numerosas fotografías de la banda. El apartado gráfico fue una tarea adelantada por Claudio Botarro y, como puede observarse, se centra en el uso de colores rojos y oscuros: hay en el diseño de la portada y las páginas interiores un contraste interesante entre la simbología de la muerte, rostros humanos y diagramas futuristas.

Cuestionar el minimalismo dentro del Black Metal puede conllevar a exponerse inútilmente, pues habiendo tantas bandas que canalizan su propuesta a través de él, no escasean los defensores dispuestos a rebatir cualquier señalamiento. Con todo, es preciso observar que no siempre el centrarse en la repetición y la sencillez redunda en propuestas como las de Darkthrone o Judas Iscariot, es decir, conscientes de ser realizaciones anti-natura de la música. Pagapu es justamente un ejemplo de todos aquellos grupos para los que se hace vigente la siguiente pregunta: ¿su trabajo es directo o anodino? Y esto es así porque en ella la reiteración de los recursos es tan fuerte que resulta imposible no inquietarse frente a su monotemismo, sobre todo, si partimos de la base de un álbum como Seven Days of Storm (2011) que condensa prácticamente toda su discografía.

Hay una línea repetida a lo largo de la historia de Pagapu, y esto queda claro después de escuchar la compilación que ahora presentamos: siempre se hallará en sus canciones la misma confección simplista de los riffs, una batería de acompañamiento y la velocidad a fondo. No hay posibilidad para los rasgos distintivos entre temas, aun cuando pertenezcan a épocas diferentes; de las 4 canciones que componen su Demo Arte, Magia y Sangre (2003) a las que componen War (2005) apenas se advierte algo más de limpieza en la grabación y un sonido más brillante. La posible diversidad desaparece mientras las consabidas estructuras del Black Metal ganan fuerza: guitarras reducidas a dos cuerdas, ni un pequeño solo en 10 canciones, un bajo que repite sin fuerza propia los ritmos principales y una percusión que pasa sin pena ni gloria.

En ocasiones, Pagapu recuerda la primera etapa de Melechesh, así ocurre en "Hate and War" y, aún más, en "Enemy Blood"; sin embargo, el sonido de los peruanos luce primitivo y despunta de otra forma. Caso aparte son las vocales de la banda, que de lejos son el aspecto más destacable de su música, pues poseen un tono más cercano al Doom y sumándose a voces limpias bien sombrías y a ciertos rasgados sostenidos, brindan un matiz vivificador a las canciones, una especie de contraste entre lo típico del Black y las guturales (como en su momento lo mostrara Thus Defiled). Las letras también contienen un enfoque que vale la pena resaltar, toda vez que expresan un paganismo fundamentado en la cultura wanka: la fuerza que permite asumir una batalla frente a la usurpación desarrollada por Occidente.

Como se mencionó Seven Days of Storm recapitula varios títulos lanzados por Pagapu previamente: su TAPE Arte, Magia y Sangre, el EP War y 2 temas de ensayo reunidos bajo el nombre Death Possession Armageddon. Las dos primeras producciones salieron originalmente a través de Vermis Mysteriis Records, sello propiedad de John Karma (líder de la banda), pero el prensaje de esta compilación corrió por cuenta de la alianza entre Espíritus Inmundos, Pentagram Records y Ácido Producciones, todas ellas disqueras peruanas. La presentación del álbum es profesional, si bien el cuadernillo (de apenas 1 hoja) no contiene las letras de las canciones ni información sobre las grabaciones; la caja de plástico está acompañada por un slipcase de color gris que reproduce las mismas imágenes de la portada y la contraportada.

Cut Your Head Before They Do (2003) es un SPLIT que reúne a 3 bandas polacas, emparentadas no sólo por su procedencia, sino, además, por la estridencia de su sonido. En primer lugar, tenemos a Parricide, una agrupación de Grind que con su densidad armónica y alta velocidad sienta claramente las bases del caos que hay a lo largo del disco. En las 6 canciones que nos presenta este cuarteto, entre ellas un cover de Cannibal Corpse, el concepto de brutalidad se halla rigurosamente desarrollado: una gutural ultra gruesa, cambios despachados con rapidez y una excelente combinación de agresividad y técnica, destacable especialmente en el trabajo del baterista, quien, en temas como "Daddy's Death", convierte su instrumento en una herramienta farragosa y lúcida a un mismo tiempo.

PARRICIDE / PATOLOGICUM / DEFORMED. Cut Your Head Before They Do. Surgical Diathesis Records. 2003.
RANK: 7/10

Afirmar que Leviathan pertenece a la élite del Black Metal estadounidense puede parecer innecesario; sin embargo, lo remarco desde el inicio para recordar que no estamos frente a un proyecto más dentro del género, sino ante toda una figura emblemática, reputada y de culto. No hace falta penetrar demasiado en la escena norteamericana para comprobar que junto a bandas como Judas Iscariot, Xasthur o Krieg, entre otras, Leviathan ha trazado un sonido que en la actualidad resulta identificable por sus niveles de crudeza, caos y oscuridad. Incluso, para los fanáticos que transitan la línea mainstream del Black Metal, el encuentro con cualquiera de estas agrupaciones llega a ser perturbador ya que ninguna de ellas dio (o ha dado) un paso atrás cuando se trata de renunciar al espíritu negro y turbio de su música.

The Tenth Sub Level of Suicide (2003), primer disco de Leviathan es, justamente, un encuentro con lo soterrado: grabado de forma exclusiva por Wrest (vocales, instrumentos) en una consola de 4 canales, las 10 canciones que lo conforman están signadas por lo descarnado y lúgubre. En efecto, el álbum se funda sobre 3 pilares fundamentales: la velocidad del Black Metal tradicional, acompañada con riffs simples y sostenidos (tipo "Fucking Your Ghost in Chains of Fire"); la lentitud de pasajes depresivos en los que no solo merma el ritmo, sino que toda la música se satura, volviéndose fúnebre y mohína (como en "The Bitter Emblem of Dissolve"); y, finalmente, la aparición de elementos ambientales, a veces, sobre el cuerpo de las composiciones y, otras, independientemente, algo que transforma el disco en una experiencia tenebrosa, lóbrega (como el final de "He Whom Shadows Move Towards").

Wrest logra equilibrar estos 3 recursos de manera magistral en las canciones, acondicionándoles, además, un par de valores agregados: la excelente ejecución del bajo (poco usual en discos de esta naturaleza), y su extrema vocalización: ruidosa, aguda, muchas veces ininteligible (similar a la trabajada por Malefic en Xasthur). The Tenth Sub Level of Suicide, por otra parte, propone un enfoque conceptual bien claro: la exploración de ese espacio que antecede la muerte y que está plagado de espectros, agonía y experiencias complejísimas; la mayoría de las letras fueron escritas con antelación a la música (llegan a datar, incluso, de 1997) y, a pesar de su corta extensión, transmiten emociones atribuladas y oscuras. Ya en la misma Intro del álbum puede escucharse: "There is no light for you... at the end of the tunnel".

La edición de este disco por parte de la Moribund Records marcó el inicio de las relaciones entre Leviathan y este sello, las cuales duraron hasta la salida de su obra de 2008 Massive Conspiracy Against All Life. Es de destacar la labor que hizo la disquera con The Tenth Sub Level of Suicide pues, al contrario de lo que sucede con la presentación austera de muchos de sus títulos, en este incluyeron un cuadernillo de 8 páginas con las letras de las canciones, fotografías, etcétera. La parte gráfica y de diseño fue labor también de Wrest, y puede verse que sus dibujos están en la misma vía que su música. Del álbum existen a la fecha 3 versiones: la primera editada en CD, que es la que se muestra más arriba, y 2 más prensadas en LP en el año 2006. Para finalizar, debe recordarse que Leviathan lanzó en el 2002 una Demo con el mismo nombre de este disco, pero todas las canciones que aparecen allí (a excepción de una) son diferentes.

Italia es uno de los países europeos que más ha explorado las posibilidades del Metal Gótico, y lo ha hecho estableciendo relaciones entre éste y otros géneros del Metal, el Industrial y la Electrónica; nombres como Theatres des Vampires, Lacuna Coil, Ataraxia o The Frozen Autumn constituyen una pequeña muestra de esa búsqueda, a la que debería sumarse también el trabajo de Hortus Animae, una banda procedente de Rímini, que a lo largo de su historia ha venido vinculando elementos propios del Gothic con otros procedentes del Black Metal y la música sinfónica. Tal es así que, al repasar la propuesta implícita en sus 3 discos, especialmente en Waltzing Mephisto (2003), lo que se encuentra es un empalme, el deseo de fusionar la estética, el sonido y el lenguaje de aquellos estilos musicales. 

Lo que sucede es que Waltzing Mephisto es un álbum concebido a manera de pasajes, es decir, en una misma canción se hallan fragmentos rápidos y furiosos (a la usanza del Black Metal), otros de mid-tempo con numerosos matices de teclado (al estilo sinfónico) y, por último, algunos más lentos, atmosféricos y lúgubres (de puro tinte gótico). La inclusión de violines, guitarras acústicas, piano y voces de distinto color contribuye a acrecentar la multiplicidad de Hortus Animae hasta el punto de que su sonido nos recuerda a agrupaciones muy diversas como Lacrimosa (por ejemplo, al inicio de "Springtime Deaths"), la citada Theatre des Vampires (en "A Lifetime Obscurity"), Anorexia Nervosa, o Ancient (grupo en el que participó el baterista de esta banda, Grom, durante algunos años).

Resalta en las canciones de Hortus Animae el alto nivel de sus músicos: la mayoría de los temas incluyen solos de excelente calidad, las composiciones de teclado son ricas en detalles, y las voces no desencajan en ningún momento. Es posible ver todo esto materializado en la versión que hace la banda del tema "Freezing Moon" de Mayhem, ambientándolo con líneas de piano y fundiéndolo con ritmos de "Terzo Incontro" (de Il Balleto di Bronzo) y "Tubular Bells" (de Mike Oldfield). Tal vez, el único punto en contra de Waltzing Mephisto sea el hecho de que al apuntar hacia tantos puntos diferentes -musicalmente hablando-, muchos de ellos quedan apenas esbozados, sin desarrollarse a fondo y, en consecuencia, adeudando buena parte del potencial que podrían alcanzar.

La primera edición de Waltzing Mephisto fue lanzada por el sello griego Black Lotus Records en el año 2003; la presentación de dicha versión es profesional en todo sentido: el cuadernillo contiene 16 páginas con numerosas fotografías, letras de las canciones, agradecimientos y demás; todo el arte fue elaborado por Loretta Militiano quien, sobre colores grises y oscuros, desarrolló las ideas primarias de Martyr Lucifer (líder de la banda) sobre la dualidad entre lo bello y lo grotesco, la muerte y la vida, lo clásico y lo futurista. Además de la edición de Black Lotus Records, existe otra prensada en Rusia por Cd-Maximum; ambas conservan la extraña numeración de los temas (el track 1 no tiene nombre y dura apenas 7 segundos, y las canciones 3 y 4 se enlazan en una sola pista). Hortus Animae dedicó este disco a la memoria de Chuck Schuldiner (Death) por su inspiración musical e ideológica.

No soy un amplio conocedor de la escena ecuatoriana, pero puedo dar fe de algunas excelentes bandas como Basca, Profecía, Legión, Necrofobia o Ente, estas dos últimas encaminadas dentro del Death Metal, el cual ejecutan de la forma más visceral posible. Ahora bien, mientras Necrofobia representa el sonido elaborado fuera de la capital (en Riobamba), Ente es la muestra de toda esa brutalidad que se vive en Quito, la ciudad que la vio nacer por allá en el año 1995. A la fecha, Ente no ha editado más que 2 discos y algunas producciones menores, pero no hay duda de que se encuentra a la vanguardia de su género, y que escucharla es una experiencia que pone en nuestros oídos una descarga de caos y dureza.

Este álbum, autotitulado Ente, fue lanzado hace casi una década y contiene 10 canciones que atraviesan diversas facetas del Death Metal: de la velocidad infatigable a los fragmentos lentos y sostenidos, de las letras grotescas a algunas otras de tono más filosófico. Por donde se mire, la música de Ente es rica en variaciones; la banda es hábil, por ejemplo, para trastrocar los tiempos, para combinar las gruesas guturales con los rasgados y las voces limpias, para pasar de riffs graves a líneas melódicas o con armónicos, para facilitar la presencia del bajo y la batería. Todo esto, amén de una producción adecuada, ponen a la altura de muchas agrupaciones extranjeras a este trío quiteño, formado en esta época por Gabriel Tapia (bajo y vocales), Igor Icaza (batería y coros) y Nelson Rodríguez (guitarras).

El campo lírico de Ente refleja el esfuerzo de superar los contenidos superfluos, en este sentido el grupo utiliza muchas palabras que generalmente no hacen parte del "léxico artístico" y que, por lo tanto, le brindan una identidad muy propia. Canciones como "Espacio Infecto", "Ángel de Sangre" o "Blanda Carne Falsa Sangre" señalan una primera orientación de Ente, muy cercana al gore; en cambio, otras como "Miles de Lenguas" o "Morada de Dioses", dejan ver una crítica mordaz a los ídolos de la religión, sus altares y costumbres. Puede encontrarse en el disco también un instrumental bastante rápido, y el tema "Infinito Grito Terminal" en el que se escucha: "Cuáles son las causas / la dulce motivación del suicidio / destrucción de toda opción / depreciación de toda estima".

El conocido sello ecuatoriano Hybrid Music asumió la edición de este álbum en 2003, y creo que los resultados fueron satisfactorios; la presentación del mismo es profesional, contiene las letras de las canciones (en inglés y español), los agradecimientos de la banda y demás. El concepto que se manejó en el art-work corresponde a una propuesta que ha gustado desde sus inicios a Ente, es decir, la combinación de imágenes fuertes con toques más modernos; la sola portada ya deja ver la mixtura entre lo macabro y lo robótico, y al interior del cuadernillo hay muchas más ilustraciones por el estilo. Esta es la única versión que se conoce del disco hasta la actualidad.

Los tres músicos encargados de darle forma a Death Dies pertenecieron a la banda de culto Evol, dos de ellos (T-Rex y Demian de Saba) desde 1998 -la época del EP Ancient Abbey- y, uno más (Lord of Sorrow), desde la fundación del grupo en 1993. La aclaración es pertinente para resaltar que, aunque Death Dies practica Black/Thrash Metal, es decir, está muy lejos del sonido de Evol, cuenta en sus filas con personajes de mucha experiencia, y eso es garantía de profesionalismo. Además, no se trata de un proyecto alterno o de menor importancia, sino de una banda que se abrió camino apelando, sí, un poco, a la reputación de Evol, pero también gracias a su propuesta, la cual tuvo desde sus gestación visos de originalidad.

Product of Hate constituye el segundo álbum en la carrera de Death Dies, y vino sólo un año después del lanzamiento de su debut The Sound of Demons (2002). Lo que ofrecen aquí los italianos es, se dijo, una mixtura de Black y Thrash Metal. En términos generales, su música es de ejecución rápida; con riffs de guitarra memorables, llenos de agresividad y energía; una voz predominantemente  desgarrada que, por su timbre, de a momentos recuerda la de Legion al frente de Marduk; y un trabajo de batería inmejorable, siempre mostrándose veloz, prolijo e, incluso, progresivo. Un disco que refleja consistencia y que es capaz de sorprender a quienes desean conocer bandas tipo Desaster o Aura Noir, esto es, que tengan una base rítmica thrashera y una vocalización oscura y fría.

Son en total 12 temas los que componen Product of Hate y, desde el primero hasta el último, Death Dies se encarga de mantener el acelerador a fondo. Pero así como sucede a nivel musical, en el plano temático tampoco hay tregua: con semejante título, ya puede intuirse que las canciones de la banda manifiestan un abierto odio hacia el cristianismo, a veces motivado por su fe ciega en dios, como sucede en "Sundown"; y en otras ocasiones debido a la esclavitud con que esta doctrina somete la mente de los hombres, tipo "Day of Doom". Con todo, la agrupación también tiene algunas líneas más apocalípticas, en las que se exalta una posible venganza del instinto natural ("Unholy Revenge"), o una guerra entre las fuerzas espirituales ("Faust 2000").

En el año 2002 Death Dies firmó un contrato con la Blood Tears of Death Records para el lanzamiento de su primer disco; ese mismo sello fue el encargado de editar este Product of Hate en 2003, con un prensaje limitado a 1000 copias, las primeras 100 con slipcase. La presentación del álbum es muy cuidada: desde el arte de la portada (un detalle de Las Tentaciones de San Antonio, de Hyeronimus Bosch) hasta el diseño del cuadernillo que incluye las letras de las canciones y fotografías de la banda, todo sobre papel grueso brillante. A la fecha no se conocen reediciones del disco, aunque la disquera italiana sigue activa, como lo comprueba la realización de un par de producciones este mismo año.