Fatima Hill constituye un ejemplo más de banda "underrated", pero su caso resulta particularmente indecoroso porque que se trata de una agrupación proveniente de un país muy conocido -como lo es Japón-, posee una trayectoria de más de 20 años, y ha lanzado casi una decena de producciones entre Demos, EP's y álbumes. Lo que no ha permitido que su propuesta llegue a trascender, continúa siendo para mí un misterio, sobre todo, a sabiendas de que el estilo en el que se enmarca su música, esto es, el Progressive/Power Metal, cuenta con un público especialmente acérrimo y unos medios un poco más dispuestos al apoyo de los proyectos que los de otros sectores del Metal. El descuido, así, es deshonroso, pues Fatima Hill sigue sin destacarse dentro de la escena, por lo menos en la proporción que debería permitirle una música tan altamente técnica y creativa como la suya.

Valhalla (1997) fue la opus prima de la banda, y estoy persuadido de que quien la escucha, inevitablemente se ve raptado por una fuerza superior. De entrada, la calidad del sonido es impresionante y, de ahí en más, todo forma un conjunto inmejorable: el amplio espectro que se permiten las composiciones, la ejecución impecable de los instrumentos -entre los cuales llegan a incluirse guitarras de 12 cuerdas y mandolinas-, los tonos bellísimos de Yuko -que está en igual medida alejada de la vocal operática y de la pop que tanto pululan en su ambiente-, la inteligente atención que se le da a las transiciones y los pasajes acústicos, y, en fin, ese alcance que permanentemente se logra de lo épico no a través de la velocidad, sino de la prolongación, del trabajo en los detalles y de la creación de una atmósfera verdaderamente mágica.

Los temas de Fatima Hill, en especial los más memorables, llegan a extenderse hasta 14 minutos y se presentan a sí mismos como si fuesen sound-tracks de pequeñas historias; debido a esto, en cada uno de ellos, se encuentra una vastedad de recursos que producen sensaciones diversas: a veces el descuelgue del ímpetu, otras la delicadeza del romanticismo, y unas más el misticismo de otras épocas. Por demás, justamente eso es lo que elabora Valhalla en su plano temático: la magia, la superstición y la grandeza de lo heroico; todo, como se dijo, trabajado a modo cinematográfico, en medio de composiciones que deben mucho a algunas leyendas -como Rainbow-, y que tienen como último rasgo estético el inglés oriental de Yuko y unos larguísimos punteos que valdrían por sí mismos el disco. 

Valhalla fue lanzado originalmente en 1997 por Fatima Hill, pero posteriormente fue reeditado por la Worldchaos Production en la bella edición que se muestra en la fotografía, limitada a 1000 copias con booklet de cartoné y CD dorado. Sin duda, este cuidado en la parte gráfica es el mejor respaldo para la música que contiene el álbum, y no se escapó ningún detalle en ella, puesto que hasta se llegó a incluir una hoja anexa en papel satinado con la traducción de las letras al japonés. La edición incluye, además, el tema "Aion" como bonus, una pieza que fue compuesta después del Valhalla y que dio título al segundo disco de la banda. Reste dejar aquí el enlace de la canción "Oriel Window" para enterarse del trabajo de Fatima Hill y de la poderosa energía que esta destila.

Mardraum: Beyond the Within (2000) es el resultado de la experiencia que ganó Enslaved con todas sus obras anteriores y de la apertura musical que caracteriza su proceso creativo. Lo primero, le permitió a los noruegos tener un bagaje, y, lo segundo, arriesgarse a depurar los recursos que hacen parte de su sonido, organizándolos de modo que no tuviesen comparación con nada precedente. Y es que, difícilmente podría hallarse un disco como este, con el mismo tratamiento de la pesadez, la cual se forja, no desde la velocidad o el ruido -como es usual-, sino a partir del cruce de numerosos elementos que generan una sensación de densidad. Con Mardraum se está un paso más allá del Black Metal, pues la creatividad de la banda desborda el género, pero, también se permanece en el seno de él, pues esa es la base la banda y aquello que en el álbum se estiliza y reinventa.

Los 11 temas que conforman el disco son de probadísima calidad; en ellos se destaca un empuje épico, producto de los constantes cambios de marcha y de una instrumentación que trabaja intensamente tanto la distorsión como la limpieza. Es indudable que Enslaved tiene una perspectiva progresiva; eso queda remarcado en los variados juegos de guitarra, en la generación de solos por fuera de lo convencional e, incluso, en la propia versatilidad de sus músicos que, por regla, se desempeñan en por lo menos dos roles. Pero, aun así, Mardraum no es un álbum que pueda catalogarse simplemente como técnico; en él habita todavía el nervio del Black Metal, y este salvaguarda en la experimentación toda la pesadez y energía del género.

Mención aparte merece el trabajo vocal que es francamente sorprendente: las fuertes growls de Kjellson están aquí en su mejor momento, y se unen de forma permanente con los tonos altos y las salidas Heavy Metal de Kronheim y Bjørnson. Por añadidura, el hecho de que el álbum se encuentre compuesto casi enteramente en noruego, ofrece a quien escucha un tono y una potencia especiales en las voces. El apartado lírico no desencaja y en todo momento se halla a la altura de la música. En general, las letras se mueven en una dirección que tiene que ver con la vuelta al paganismo nórdico; con todo, no abundan aquí los nombres de dioses antiguos o algo por el estilo, sino más bien, el rechazo a la creencia cristiana, la exhortación a recuperar la voluntad propia y algunas descripciones de gestas vikingas.

Mardraum: Beyond the Within fue grabado en febrero de 2000 en los Abyss Studios bajo la ingeniería de Lars Szöke y Peter Tägtgren y fue prensado ese mismo año por la Osmose Productions; esta doble asistencia garantizó la producción que es, por donde se mire, impresionante. En cuanto al diseño, el CD cuenta con un cuadernillo de 16 páginas a todo color que presenta las letras -tanto en noruego como en inglés-, los agradecimientos de la banda y fotografías en vivo. La portada del álbum tal vez no sea la parte más destacable del mismo, aunque bien podría sostenerse que en ella se exponen las runas y esa especie de rapto que simbolizan las pesadillas para Enslaved -"mardraum" traduce "pesadilla"-. Existen de este título numerosas versiones en todos los formatos, lanzadas, entre otros, por Metal Mind Productions, Necropolis Records y Season of Mist.

No soy un experto en cuestiones de Heavy y Power Metal, pero creo que no se necesita serlo para reconocer que Thoten es una banda profesional, y esto a pesar de que existan muchas críticas negativas sobre su labor en diferentes espacios de la red. Algunas reseñas de su disco Beyond the Tomorrow (2001), por ejemplo, señalan que en él no destaca ningún talento en especial y que, incluso, (esto lo expresan los más radicales) el CD es una pérdida total de tiempo y dinero. Con todo, sigo pensado que hay varios puntos llamativos en el trabajo de Thoten y que estos se hallan tan bien dispuestos en el título antes mencionado (su álbum debut), que dejar de escucharlo puede llegar a constituir una pérdida importante, sobre todo para quienes aprecian la música melódica y la forma como esta se proyecta en las propuestas de vanguardia.

Thoten ofrece, de entrada, una música que no se encasilla fácilmente: hay en ella elementos procedentes del Heavy (en la voz, los solos y riffeos), pero también del Power Metal (en la melodía rítmica y los dúos teclado-guitarra) y hasta del Progresivo (en lo que se refiere a la precisión de los músicos y la complejidad de muchos movimientos). Las 10 canciones que contiene Beyond the Tomorrow ponen en marcha este acople, dando primacía a alguno de los recursos: así, mientras temas como "Lady of the Lake" o la balada "Christened by Flame" poseen una confección muy clásica, otros, como "Ashes in the Abyss" van en la dirección del Power noventero, y unos más, tipo "Wild Life" proponen estructuras complicadas y virtuosas, propias del Progresivo; todo, claro está, reflejando siempre una melodía de avanzada, que es el rasgo transversal que unifica la propuesta.

En efecto, Thoten tiene una mirada vanguardista o, por lo menos, en su música hay matices de esta clase: los teclados, verbigracia, ofrecen un rango que va desde lo clásico hasta lo cibernético; las vocales no se enfocan en un solo tono, sino que poseen variedad (hay algo de Kiske, Halford y Dickinson en ellas); y, por último, hay muchos arreglos que perfectamente encajarían dentro de un álbum de Jazz ("Altar of Freedom" es muy diciente al respecto). Con relación a las letras, estas se hallan lejos de los contenidos del Power moderno: su orientación es la crítica social: "Above the Law" invita a pelear por la democracia, "Wild Life" reproduce la historia de un homicidio", y "Altar of Freedom" denuncia la masacre de los conquistadores en América; cada una, pues, busca suscitar la reflexión y el empoderamiento sobre nuestra vidas.

Beyond the Within fue lanzado originalmente por Metal Gallery Records en 2001, y un año después fue reeditado por el sello italiano Scarlet Records, incluyendo el tema "Scream" como bonus track. En la fotografía puede observarse la primera edición del disco, esto es, la prensada en Brasil, cuya portada es distinta a la de la segunda versión, que exhibe a un indígena en acto de invocación. En lo que respecta a la presentación, el álbum cumple sin destacarse: su cuadernillo contiene las letras de las canciones, los agradecimientos y algunas fotos de los músicos, entre los cuales debe destacarse, por supuesto, a su vocal Renato Tribuzy (de amplia reputación en el Brasil) y a Sidney Sohn e Itho Cruz (tecladista y bajista, respectivamente), quienes se han unido en años recientes a la alineación de la conocida banda Inquisição.

Escuché por primera vez Requiem Aeternam en el CD compilatorio que incluyó la edición #16 de Acero Magazine (2000) y, durante varios años estuve buscando, con bastante mala suerte, su disco Eternally Dying (1998), del cual se extraía el tema de la compilación. Hace un par de meses, sin embargo, cuando ya había desistido prácticamente de su búsqueda, el azar me puso frente a él y toda aquella espera de tiempo atrás fue, de alguna manera, recompensada. Con la emoción que caracteriza estas situaciones me encaminé directamente a casa para escuchar el álbum -que, por demás, había imaginado ya de tantas formas- y, apenas hube comprobado que era admirable, me resultó imposible no pensar copiosamente sobre estas gratificaciones que no significan mucho en una vida regular, pero que para un coleccionista representan todo un acontecimiento.

Ignoro en qué medida esta experiencia que me vincula de un modo tan personal al disco influya en mi juicio sobre su música; está claro que es algo que debe considerarse, pero, por otra parte, al no poderme sustraer de lo vivido, en el fondo, constituye también una pregunta inútil. En todo caso, una reseña siempre es una invitación para certificar o refutar nuestras palabras, y por eso diré que Requiem Aerternam es una banda lúcida, fértil, creativa, capaz de llevar el Metal (el Melodic Death) a una faceta absolutamente artística. Y es que Eternally Dying refleja dicha condición por 2 razones: porque transmite sentimientos de muy distinta naturaleza (melancolía, serenidad, fervor), y porque es capaz de hacerlo en una dirección propia, es decir, apelando a sus medios, que obviamente se vinculan a una tradición, pero están dotados de un espíritu y exploración únicos.

La música de Requiem Aeternam combina estructuras melódicas (del tipo Dissection o Unanimated) con elementos más progresivos, acústicos (similares a los de Opeth) y una ambientación nostálgica (delicadamente trabajada en las vocales y la inclusión pasajera de violines, pianos y chellos). Todos los temas ponen en marcha esa mezcla sin importar sus variaciones rítmicas, pues los hay rápidos ("Infamy", "Nature and Principle") y lentos ("My Misery", "Come Back"). La producción de sonido es limpia, lo cual fortalece la percepción de los detalles, esto es, los quiebres de voz, las atmósferas de teclado, el puntilleo del bajo, etcétera. Asimismo, los 3 miembros de la banda son expertos en su instrumento, José Romero, incluso, es multi-instrumental (guitarra, teclado, voz), y esa pulcritud de ejecución encaja a las perfección con las letras íntimas, poéticas y bien estructuradas que la acompañan.

Eternally Dying fue prensado en 1998 por el sello discográfico Icorp, al parecer propiedad de la misma banda, pues los únicos títulos lanzados por éste son los de ella. El cuadernillo plegable que acompaña la edición contiene las letras de las canciones, fotografías, agradecimientos y la información general (en la que se aclara que el disco se grabó en Montevideo -de donde es oriunda la agrupación-, pero fue mezclado en Santiago de Chile). A la fecha, esta es la única versión que existe del álbum, si bien Requiem Aeternam se mantiene activa y radicada desde hace algún tiempo en Estados Unidos. Finalmente, debe destacarse que por las filas del grupo han pasado figuras de la talla de Martín Méndez (Opeth), Martín López (Opeth, Amon Amarth) y Alex Hernández (Fallen Christ, Immolation).

Evil Knows Evil es el cuarto álbum de la agrupación Crest of Darkness y, sin duda, se trata de una pieza que despierta fácilmente la simpatía de los fanáticos que buscan propuestas vanguardistas de Black Metal. Agrada saber que dentro de la histórica escena de Noruega, hay todavía un sinnúmero de bandas contribuyendo a la evolución de este género en diversas direcciones, algunas de las cuales, incluso, van en contravía del sonido que hizo popular ese país. En el caso particular de Crest of Darkness, dicho desarrollo posee también un carácter transgresor, a tal punto que su disco sólo podría catalogarse acertadamente afirmando que sintetiza el Black Metal con el Progresivo, y ciertos elementos de música industrial y electrónica.

Quien escucha Evil Knows Evil reconoce, por un lado, una potencia sonora similar a la de grupos como Carpathian Forest o Nattefrost, tanto a nivel instrumental como en la extrema vocalización de Ingar Amlien; pero, por otro lado, no se le escapa la madurez musical que hay en la ejecución: melódica, precisa, rica en destiempos y variaciones, influencia todo ello de los proyectos paralelos en que han trabajado los integrantes de la banda (Conception, por ejemplo -agrupación de Progressive/Power Metal-, para el caso del citado Ingar Amlien). Y, sobre estos dos pilares -potencia y ejecución-, se halla la admirable labor de Jan Petter Ringvold, quien convierte los teclados en presencias sutiles (tipo "As a Part of Your Universe"), o en fuerzas atronadoras e industriales (como sucede en "The Lust").

En resumidas cuentas, Crest of Darkness pone en los oídos de quien escucha este álbum una música bastante original, tan melódica como la de Covenant, aunque, al mismo tiempo, más fuerte, y tan soterrada como la de Nattefrost, pero con un mayor repertorio de detalles (en el uso de guitarras, efectos de teclado, etcetéra). Finalmente, el disco de los noruegos ofrece también una visión avanzada del satanismo; ya no es la defensa atrincherada de sus símbolos, o el ataque a los ídolos cristianos, sino una invitación a percatarnos de cómo la maldad es un poder real en nuestro mundo. En "Black Hole Mystery" se escuha: "In the age of materialism and desbelief / the satanic empire is growing stronger"; y en "Cosmic Terror: "This is a neverending story / written by the human race / endless wars, violence and death / a journey through unspeakable acts".

El sello italiano My Kingdom Music fue el encargado del prensaje de Evil Knows Evil en el año 2004 (y esa misma disquera editó su trabajo de 2007 Give Us the Power To Do Your Evil). La presentación del disco es la conveniente teniendo en cuenta la orientación de su música: un Black Metal de nueva generación; el cuadernillo incluye las letras de las canciones y fotos de Amlien, Akke-47 y Hektoen (line-up de la época), todas ellas en fondos sangrientos y macabros. A la fecha no existen re-ediciones de este álbum, como tampoco se tiene mayor información sobre nuevos lanzamientos de la banda, aunque en la página oficial de Crest of Darkness se anuncia para este año la salida de un CD que se titularía In the Presence of Death.

Por las filas de Borknagar han pasado -desde 1995- numerosos músicos pertenecientes a las más reputadas bandas de Noruega: Immortal, Dimmu Borgir, Emperor o Satyricon, por citar algunas. De tal suerte, estamos frente a un proyecto que, si bien se ha centrado en las ideas de Øystein Garnes Brun, se ha enriquecido también con el trabajo de una nómina privilegiada de intérpretes y compositores, quienes han contribuido a mantener a Borknagar en la vanguardia del Metal noruego. No es improcedente afirmar, teniendo en cuenta su evolución, que lo único que ha temido esta banda es estancarse en una visión que excluya experimentar, y prueba de ello se halla en haber combinado miradas tan distintas como las del Black Metal, el Folk y el Progresivo.

Para la época concreta de The Olden Domain (1997), su segundo álbum, Borknagar reunía en sus filas, además del mencionado Øystein Garnes Brun (en las guitarras), a Ivar Bjørnson (tecladista vitalicio de Enslaved), Fiery G. Maelstrom (aka Garm, vocalista de Ulver y Arcturus), Erik Brødreskift (aka Grim, baterista de Gorgoroth en los noventas) y el bajista Kai K. Lie. Una alineación estelar para producir música de primer orden dentro de un disco en el que se destacan todos sus componentes: la vocalización de Garm, oscura cuando suena desgarrada, y sublime, épica en los fragmentos limpios;  los riffs de Øystein, dotados de un estilo que mezcla perfectamente saturación y melodía; y el acompañamiento atmosférico de Ivar, el cual en ciertos momentos asume el protagonismo, como sucede en el instrumental "Om Hundrede Aar Er Alting Glemt".

The Olden Domain es eso, un Black Metal que va un paso adelante, y ya no puede encasillarse tan fácilmente como tal, por un lado, porque su ritmo y estructura dan cabida a elementos del Metal Progresivo y el Avantgarde y; por otro, porque sus letras están lejos del tradicional sentido anti-religioso del género, prefiriendo una orientación mucho más cósmica, en la que la naturaleza se vitaliza y, en consecuencia, las estaciones, los elementos, los astros, etcétera, personifican espacios redescubiertos por el hombre. Ya en "The Eye of Oden", la canción que abre el álbum, se deja ver esta forma de pensamiento: "Up there on the mountain, above all fire, the fields down there and the ravine below, where the elements feast in reckless desire". "The Winterday", "Grimland Domain" y "The Dawn of the End" son otras canciones que dicen mucho a este respecto.

Con The Olden Domain inició Borknagar su contrato con Century Media Records, sello con el que han editado, hasta la fecha, otros siete discos. La versión que se muestra en la fotografía, sin embargo, corresponde a la prensada por la disquera brasilera Black Metal Attack Records, lanzada también en 1997 para distribuirse por toda Suramérica. El cuadernillo del CD es 100% profesional, impreso en papel de lujo; incluye letras de las canciones, imágenes de la banda, y un trabajo gráfico apropiado para la temática que maneja aquí Borknagar. De este mismo álbum existe una edición lanzada en 2002 por la Displeased Records en formato LP; otra en CD que vio la luz a través del sello ruso Фоно en 2004; y la recientemente publicada por Back on Black en Inglaterra, también en LP.