Trail of Tears hizo parte de la ingente escena gótica que explotó en Noruega a mediados de los noventas, si bien su propuesta supo forjar un camino propio al evitar sustancialmente los aparatajes clásicos y encarrilarse hacia un sonido más moderno y fuerte. De hecho, su música posee un regusto a Black Metal que inmediatamente la aleja de nombres como Tristania, Sirenia o Theatre of Tragedy y la acerca, más bien, a la línea sinfónica de bandas como Dismal Euphony o The Sins of Thy Beloved. En 2002, la época de su tercer álbum, A New Dimension of Might, esa personalidad estaba más que desarrollada, de suerte que el disco resulte muy profesional, tanto en lo que respecta a la calidad operativa de sus músicos, como a la agudeza desde la cual encuadran todos los elementos para crear una obra entretenida y polifacética.

A New Dimension of Might toma forma a partir de tres pilares: una fuente gótica que emana de las voces operáticas, los riffs melódicos, los pasajes sosegados y el contraste entre lo luminoso y lo oscuro; una fuente Black Metal que se descubre en los fragmentos en que Trail of Tears propone vocales desgarradas, acelera la marcha o presenta guitarras sostenidas; y una fuente electrónica que enriquece los temas con el uso de sintetizadores y samples. Según la canción, es posible que una de estas facetas predomine, pero la banda tiene un maduro sentido del equilibrio, gracias al cual, a lo largo de los 50 minutos que dura el disco, se experimenta la sensación de hallarse frente a una propuesta completa que va descorriendo sus distintas dimensiones obedeciendo solamente al discurrir que proyecta la misma música.

La conciencia de lo simétrico en Trail of Tears es admirable, además, porque, a pesar de que a los siete integrantes del grupo se suman varios músicos de sesión (todos ellos con un nivel notable), el álbum realza siempre el espíritu del conjunto sobre la individualidad, abocándonos a una arquitectura sumamente sólida. En lo que sí exhibe la banda un carácter íntimo es en las letras de las canciones: buena parte de ellas está enfocada en el aislamiento, la oscuridad del mundo interior y el modo como la integridad se pierde por efecto de los miedos o la ilusión. Hay una concepción casi laberíntica en el disco, pues por momentos se abre la puerta a voces de auxilio o a la salvación en el plano de lo sexual para cerrarse nuevamente en esos estados extremos que se describen en temas como "Splendid Coma Visions" o "Bloodred Trance".

A New Dimension of Might fue lanzado por Napalm Records en la época más prominente de este sello, es decir, cuando su catálogo presentaba, además de las bandas mencionadas antes, otras tan interesantes como Dargaard, Darkwell, Hollenthon, Lacrimas Profundere o Visions of Atlantis. La presentación del CD es muy cuidada: incluye un cuadernillo de 16 páginas con fotografías de la banda, las letras de las canciones y los agradecimientos. El diseño corrió por cuenta de Nieraj Singh, quien utilizó estrictamente tonos azules, grises y negros para dar forma a un arte que responde correctamente a la música y letras de Trail of Tears. De este mismo título existe también una versión en CD no oficial prensada en Rusia por la Steamhammer Records y otra en TAPE hecha por Irond Records, ambas lanzadas en 2002.

La densidad doomy que caracterizó el álbum debut de Hefeystos (1996) cedió su lugar en Psycho Café (1998) a una experimentación que, pese a no abandonar el cuño místico, desplazó la banda hacia un entrecruce de Heavy Metal, Gótico y Avant-garde. Ese cambio de orientación, sin duda, desanimó a aquella parte de los seguidores que no logró comprender cómo esta segunda placa, en el fondo, respondía a una evolución previsible, al menos si se toman en cuenta los indicios de un sonido más diáfano y confeccionado que ya se encontraban en el primer disco y, sobre todo, el impulso que poseía el genio creativo de la banda que con toda seguridad iba a conducirla, después de la primera grabación, no solo a aumentar su profesionalismo, sino, además, a recorrer las rutas necesarias para que su creatividad fluyese libremente.

Psycho Café constituyó, así, un álbum esencialmente vanguardista, el producto de una experimentación que, interpretando bien el eclecticismo de su época, exhortó a Hefeystos a dar un paso más allá. Las vocales del disco, para dar un ejemplo, son sorprendentes en sus tonos, alcances y combinaciones: solo la figura de Alicja Szumska atestigua resonancias de fuentes tan diversas como Lahka Muza, Diamanda Galas y Mazzy Star. La instrumentación, así mismo, resulta apabullante: bajo, batería y guitarra se ejecutan con una precisión ejemplar, no exenta de feeling; cada instrumento tiene su momento de destacar por medio de solos (el bajo en "Adoration of the Earth", la batería en "Psycho Café" y la guitarra en numerosas ocasiones durante cada corte); además, la conexión del conjunto (en ese predominante mid-tempo que maneja) nunca deja de mostrarse fértil, de suerte que la proyección del álbum sea, al mismo tiempo, individual y colectiva.

Aunque los teclados suelen tener un papel más protagónico en este tipo de títulos, en Psycho Café la base rítmica reposa en las guitarras; esto significa que su música es pesada y que el aporte del teclado se limita a algunos acompañamientos psicodélicos y, a veces también folclóricos (muy bien encuadrados), que aparecen en determinados momentos del disco. Las letras, por su parte, son otro gran acierto de Hefeystos: estas se organizan en textos poéticos que conectan numerosas influencias literarias (Sade, Nietzsche, Byron, Lautreamont, etcétera) con experiencias propias de Piotr Weltrowski (principal compositor de la banda). El disco demuestra una gran atracción por el tópico de la lujuria, de allí que elabore paráfrasis de relatos como el del pecado original o incorpore textos enteros procedentes de los escritos de Aleister Crowley.

De Pyscho Café existen varias versiones: Wounded Love Records prensó en 1998 la edición en Digipak que se muestra en la fotografía y otra promocional en formato Cardboard Sleeve. Ese mismo año, la NEMS Enterprises lanzó otra versión en CD que contiene como bonus tracks los dos temas del EP Vilce Sjen (1997). La presentación que hizo la Wounded Love es impecable: el Digipak está acompañado de un librillo de 12 páginas con las letras de las canciones, agradecimientos, fotografías y datos de grabación. El diseño general establece una mezcla entre lo arcaico y lo moderno, aspecto que captura el enlace que existe entre el nombre del grupo (propio de una etapa remota de lo humano) y su música (la cual nos aboca al lugar más contemporáneo). Vale la pena recordar, para finalizar, que entre los músicos invitados a Psycho Café, se encuentra Nergal de Behemoth, quien hizo parte de las vocales de apoyo en tres temas.

En el cuadernillo que acompaña la edición de este CD, Willow Wisp decidió incluir un pequeño mensaje en el que critica a quienes sólo son capaces de escuchar un estilo musical, reduciendo todo concepto a dominar y destruir, y reprochando cualquier viso comercial sin darse cuenta de que, inevitablemente, toda banda existe en términos más o menos masivos. Todos ellos actúan -en su opinión- con la misma estrechez mental de un religioso, y desatienden la fertilidad que alcanza el Black Metal cuando se alimenta con recursos distintos a los tradicionales, algo a lo que apunta Willow Wisp con firmeza, defendiéndose, además, de aquellos que la vituperan por su apertura mental e, incluso, por hacer parte de una disquera de reputada conexión con la música más purista: la Full Moon Productions.

Es por esta razón que Delusion of Grandeur (1999) no es una producción dirigida al sector intolerante del Metal, sino a aquel que se permite el eclecticismo, encarnado aquí en una especie de polifonía que alterna el Black Metal, el Gótico y el Darkwave. En efecto, de acuerdo a la canción que escuchemos del disco, estaremos frente a una faceta diferente de Willow Wisp: la asociada al sonido de Cradle of Filth por la rapidez y alternancia vocal (por ejemplo en "As They Age, They Engage" y "A New Ice Age Approaches"); o aquella otra que está más cercana al Gótico de los ochentas, con voces limpias, atmósferas sombrías y ciertos toques electrónicos (tipo "Bastard" y "Cruel, Despicable, Non-Caring Breed"); o, finalmente, la volcada sobre lo ambiental, semejando proyectos como Mortiis o Skythrone en el uso abundante del teclado (como sucede en "A Widow Cries...").

Dicha variedad permite que el álbum resulte entretenido a lo largo de los 67 minutos que dura y, por supuesto, que se tengan distintas sensaciones sonoras. Por demás, los músicos de Willow Wisp son talentosos, lo cual asegura buenas composiciones y la suficiente versatilidad como para salir con la frente en alto después de personalizar cada experimento: los bits electrónicos, los apuntes acústicos, las aceleraciones a fondo, la combinación de voces, etcétera. En el plano lírico, Delusión of Grandeur refleja el mismo multi-enfoque de su música y, así, en ocasiones atiende la cuestión de la evolución tecnológica; en otras, el hastío de la vida; más adelante, el odio y la misantropía; y, por último, asuntos relacionados con la instigación religiosa y la necesidad de superar los dogmas impuestos por su discurso.

Como se mencionó más arriba, Delusion of Grandeur fue lanzado por la Full Moon Productions, y no es patraña que la disquera soportó las críticas por aceptar en sus filas a Willow Wisp, banda que, en opinión de muchos, desentona con otras tan radicales como Black Funeral, Acheron u Octinomos, firmadas por el sello en algún momento de su historia. En todo caso, la Full Moon realizó en lo que respecta a este disco un muy buen trabajo, y esto se percibe, primero, en la calidad de sonido que tiene el CD y, segundo, en el diseño e impresión del cuadernillo, repleto de fotografías, letras e imágenes. A la fecha, esta es la única versión que existe del álbum y difícilmente llegará a reeditarse algún día, si bien la banda ha permanecido activa desde su salida, lanzando después de él 2 EP's y un par de discos.

Con Theatre of Tragedy se inaugura prácticamente el puente que comunica el Doom con el Gothic Metal, no sólo por cuestiones de orden temporal, sino también porque el concepto del que se sirve para este enlace explicita ya de manera más que clara las coordenadas por las que se rige. Esto significa, en otras palabras, que Theatre of Tragedy elabora una propuesta cuyos antecedentes son pocos y que, además de ello, en su obra (refiriéndonos, por supuesto, a su primer disco, auto-titulado) las bases de creación están perfectamente definidas: ese paisaje gris, lúgubre del Doom empezará a adquirir, por efecto de los recursos góticos, un nervio clásico, antesala de lo que serán las armonías y el estilo propio de las bandas que vendrán un par de años después como Tristania, Within Temptation, The Sins of Thy Beloved o Trail of Tears.

Es posible que antes de 1995 algunas bandas se hubiesen aproximado a aquello que Theatre of Tragedy convierte en proposición, pero lo cierto es que ninguno de esos acercamientos tuvo en su abordaje del Doom un carácter que lo acercara tanto al Gótico en una doble dirección: primero, la presencia de esos elementos en los que se afinca la raíz clásica -el chelo, piano, soprano- y, por otra parte, la marcada presencia de los opuestos: belleza y fealdad, luz y oscuridad, tranquilidad y conflicto. De esta manera, al escuchar los temas que componen su álbum, se experimenta una emoción compleja: el sentirnos arrastrados por una corriente lenta, nostálgica y oscura que nos lleva de vuelta hacia el pasado, a un espacio impreciso, pero colmado de los más diversos estados: la agonía, el temor, el vértigo, la contingencia, el vacío.

¿Qué criterio podría utilizarse para juzgar "...A Distance There Is..."? ¿Cómo interpretar la sublimidad de "Mïre" o de "Dying: I Only Feel Apathy"? El arte se ha volcado fértilmente sobre estas canciones, y sólo la perfección, el equilibrio de la forma, el rapto, la catarsis parecen servirnos de guía. En la misma pausada melodía -cuya estampa se asemeja a la de Katatonia-, se filtran los destellos de un tiempo invocado desde tantos puntos: desde el encanto luminoso de Liv Kristine, desde la soledad que mueve el chelo, desde el ímpetu que declina en la palabra ("...In peace I now will rest..." / "...On his knees, a plea to harvest roses..."). Todo Theatre of Tragedy avanza en un sentido puro, develando el quiebre de la vida, su claroscuro y enfrentándonos, al final, con la sentencia que condensa su mensaje: nuestra vitalidad es un teatro hasta la última tragedia.

Originalmente, esta obra maestra fue lanzada por Massacre Records; sin embargo, en 1998 fue reeditada por Century Media Records, siendo justamente esta la versión que se muestra en la fotografía. El diseño del cuadernillo que acompaña el CD conserva el enfoque artístico de la música; la portada, incluso, simboliza mucho de su orientación, y el apartado gráfico restante (elaborado en tonos grises) es pulcro; se incluyen en el booklet las letras de las canciones, los agradecimientos, varias fotos de Theatre of Tragedy y la información técnica, en la que se puntualiza que el disco no fue grabado en Noruega -a pesar de la procedencia de la banda-, sino en Suecia, con la asistencia en producción de Dan Swanö, quien garantiza, como es costumbre, una mezcla y sonido excelentes. 

TRISTANIA. Beyond the Veil. Napalm Records. 1999.
RANK: 9.5/10

Room with a View es una banda italiana cuya propuesta, si bien se encuentra emparentada con el Metal, presenta además recursos ajenos a éste y, en consecuencia, podría no ser del agrado de los más radicales. Partiendo del sonido de bandas góticas como To/Die/For, Entwine o Charon, pero nutriéndose con la influencia lenta y melancólica del Doom, amén, de la incorporación de instrumentos inusuales como la trompeta o el acordeón, Room with a View proyecta una música de vanguardia, amplia en la inclusión de perspectivas, aunque unificada en el equilibrio de las mismas. Su sonido puede interpretarse como una divergencia del Metal tradicional, una distancia de esa forma clásica de abordar géneros como el Gothic o el Doom, pero también como un paso adelante en la apertura del Metal hacia espacios más abiertos y fecundos.

El álbum debut de la banda, First Year Departure (2002) es una especie de catálogo, pues cada una de sus 9 canciones, aun compartiendo una unidad artística, expone elementos particulares: "Single Handed", por ejemplo, ofrece una rica exploración de efectos de guitarra y voces susurradas; "Tiergarten", en cambio, utiliza  lances guturales que contrastan notoriamente con el piano y la lentitud de sus pasajes. Room with a View renuncia a las canciones rápidas, prefiere sondear los ritmos sosegados y, por ello, abundan en su música los arpegios acústicos, las guitarras limpias, y las ambientaciones con trompetas; sin embargo, por momentos, la distorsión gana lugar en las composiciones y su energía, al fluir sobre la música, nos muestra nuevas facetas de la banda; así sucede en "Club Epoque" o al inicio de "Budapest Song".

Hay mucha emotividad en los temas de First Year Departure, no sólo en lo que concierne al sonido, a la presencia de tantos elementos musicales (pues, además de los nombrados, también hay panderetas, violines, sintetizadores e intros) o a la variedad de registros vocales, sino, además, al carácter de las letras, que tienen un sentido muy personal, anclado, por así decirlo, en la recuperación de los instantes y de lo que estos representan en la configuración de un recuerdo o deseo. En la citada "Club Epoque" se escucha: "come in / and show me / how it feels to own / all you have ever wanted". Room with a View reproduce en sus canciones el efecto del momento en el espíritu, y asocia esos momentos a escenarios: a Budapest, a Italia, a Kiev, convirtiéndose en una entrada cultural, una apertura al cosmopolitismo.

My Kingdom Music fue el sello encargado de la edición de First Year Departure en 2002, y de entrada debe destacarse que su presentación es extraordinaria: el cuadernillo que acompaña el CD es de 12 páginas y su diseño está enfocado por entero en la cultura europea de principios del siglo XX; por tal razón, se hallan allí fotografías de salones de baile, locomotoras, artístas, bares de la época; todo a color y sobre papel muy fino. Entre la información incluida se encuentran fragmentos de las canciones y los nombres de los músicos que participaron en las grabaciones del disco. Hasta la fecha esta es la única edición que existe del álbum, y al parecer Room with a View ya no está activa desde hace algunos años, aproximadamente desde el lanzamiento de su segundo disco Collecting Shells at Lighthouse Hill en 2005.

El punto es que no podría señalarse, sin más, que Nightsky Bequest sea una banda de Doom Metal, pues su música sobrepasa de lejos este calificativo. Ante todo se trata de una búsqueda, el intento de plasmar la polifonía de la propia naturaleza; así en Keep the Lonely Trees se siente esa mesura, la lentitud propia del Doom Metal, afincada principalmente en ciertas canciones ("My Silent Melody" o "Bequest") de modo similar a como lo hacía en sus primeros años My Dyring Bride, pero también hay exploraciones más personales en las que se incluyen flautas pulidas y envolventes ("Enchanted Name"), momentos en los que la armonía se concentra en los sonidos acústicos -tipo Opeth- ("Illusions of Salvation") y, por último, destellos de claridad absoluta, a veces producto de la etérea voz de Radoslava, y otras de la efusividad con que irrumpen en la melodía los teclados.

No hay ninguna clase de exceso en Keep the Lonely Trees: su música se va tejiendo naturalmente, sin acelerarse, enriqueciéndose con atmósferas diversas, declamaciones apenas susurradas, arpegios y acordes de belleza extraordinaria. Y así como en lo musical Nightsky Bequest mantiene siempre el equilibrio, en el plano lírico la banda no desentona: sus letras despliegan una sensibilidad especial que capta, a la manera que lo hace la poesía, una señal del universo. En el primer tema del disco, "Time In Outerspace", se invita a contemplar un cielo resplandeciente, interpretando en las estrellas el secreto de lo que existe; en "Silver Seas of Freedom" se busca descubrir la magia de la creación. Cada verso rebosa de lirismo: "far away from the beautiful things / the night is the salvation / the sky devours you / the starry night is absorbing the unrest".

Existen a la fecha 4 versiones de Keep the Lonely Trees: en primer lugar se encuentra la edición original del disco lanzada en 1996 por el sello italiano Polyphemus Records; dicha edición -que es la que se muestra más arriba- es bastante depurada en lo que corresponde a la calidad de su papel e impresión, contiene las letras de las canciones, tomas de la banda y algunos retratos de espacios naturales. En 1997, la diquera Counter Attack Productions reeditó por primera vez el álbum, tanto en formato CD como CASSETTE; en dichas versiones la portada original se redujo para darle espacio a un encuadre azul, y se modificó el track-list incluyendo una canción extra ("Unfounded Dreamland") y, al parecer una versión más larga de "Silver Seas of Freedom". Finalmente, en el año 2007, la misma Counter Attack volvió a editar 500 copias del CD, acoplándose a la lista de temas que aparecieron en la primera edición.

Italia es uno de los países europeos que más ha explorado las posibilidades del Metal Gótico, y lo ha hecho estableciendo relaciones entre éste y otros géneros del Metal, el Industrial y la Electrónica; nombres como Theatres des Vampires, Lacuna Coil, Ataraxia o The Frozen Autumn constituyen una pequeña muestra de esa búsqueda, a la que debería sumarse también el trabajo de Hortus Animae, una banda procedente de Rímini, que a lo largo de su historia ha venido vinculando elementos propios del Gothic con otros procedentes del Black Metal y la música sinfónica. Tal es así que, al repasar la propuesta implícita en sus 3 discos, especialmente en Waltzing Mephisto (2003), lo que se encuentra es un empalme, el deseo de fusionar la estética, el sonido y el lenguaje de aquellos estilos musicales. 

Lo que sucede es que Waltzing Mephisto es un álbum concebido a manera de pasajes, es decir, en una misma canción se hallan fragmentos rápidos y furiosos (a la usanza del Black Metal), otros de mid-tempo con numerosos matices de teclado (al estilo sinfónico) y, por último, algunos más lentos, atmosféricos y lúgubres (de puro tinte gótico). La inclusión de violines, guitarras acústicas, piano y voces de distinto color contribuye a acrecentar la multiplicidad de Hortus Animae hasta el punto de que su sonido nos recuerda a agrupaciones muy diversas como Lacrimosa (por ejemplo, al inicio de "Springtime Deaths"), la citada Theatre des Vampires (en "A Lifetime Obscurity"), Anorexia Nervosa, o Ancient (grupo en el que participó el baterista de esta banda, Grom, durante algunos años).

Resalta en las canciones de Hortus Animae el alto nivel de sus músicos: la mayoría de los temas incluyen solos de excelente calidad, las composiciones de teclado son ricas en detalles, y las voces no desencajan en ningún momento. Es posible ver todo esto materializado en la versión que hace la banda del tema "Freezing Moon" de Mayhem, ambientándolo con líneas de piano y fundiéndolo con ritmos de "Terzo Incontro" (de Il Balleto di Bronzo) y "Tubular Bells" (de Mike Oldfield). Tal vez, el único punto en contra de Waltzing Mephisto sea el hecho de que al apuntar hacia tantos puntos diferentes -musicalmente hablando-, muchos de ellos quedan apenas esbozados, sin desarrollarse a fondo y, en consecuencia, adeudando buena parte del potencial que podrían alcanzar.

La primera edición de Waltzing Mephisto fue lanzada por el sello griego Black Lotus Records en el año 2003; la presentación de dicha versión es profesional en todo sentido: el cuadernillo contiene 16 páginas con numerosas fotografías, letras de las canciones, agradecimientos y demás; todo el arte fue elaborado por Loretta Militiano quien, sobre colores grises y oscuros, desarrolló las ideas primarias de Martyr Lucifer (líder de la banda) sobre la dualidad entre lo bello y lo grotesco, la muerte y la vida, lo clásico y lo futurista. Además de la edición de Black Lotus Records, existe otra prensada en Rusia por Cd-Maximum; ambas conservan la extraña numeración de los temas (el track 1 no tiene nombre y dura apenas 7 segundos, y las canciones 3 y 4 se enlazan en una sola pista). Hortus Animae dedicó este disco a la memoria de Chuck Schuldiner (Death) por su inspiración musical e ideológica.

Definir cuál es la orientación de Hypnosis en Shadoworld (1999), el primer disco de su carrera, resulta una tarea compleja debido a la multiplicidad de elementos que lo conforman; es más, ni siquiera en lo que respecta al género de la banda las cosas parecen claras, pues, aun si afirmáramos que se trata de una propuesta de Melodic Death Metal, tendríamos que añadir acto seguido que también hay en ella elementos de Industrial, Progresivo y hasta Rock Gótico. Con todo, no cabe pensar que la dificultad para precisar lo que hacen los franceses obedece a su propia indefinición musical ya que, por el contrario, esto se debe a la amplitud con que asumen el trabajo creativo, es decir, haciendo fértiles las zonas de contacto entre sonidos y lenguajes de diferente naturaleza.

En Shadoworld es posible distinguir 2 partes principales: una, encierra las primeras 5 ó 6 canciones, en las que Hypnosis propone una excelente mezcla de Melodeath con recursos provenientes de otros géneros: del Industrial, en todo lo que concierne al uso de algunos samplers, sonidos futuristas y modificaciones completas de voz y percusión (como ocurre en "Frozen Shadows"); del Progresivo, por ejemplo, en el tipo de riffs y solos que alimentan los temas (así es el caso de "Dreaming"); y del Heavy, por lo que a la ejecución de estructuras y juegos de guitarra se refiere ("Introspection"). Esta es, tal vez, la mejor sección del disco, al menos en la que Hypnosis alcanza las armonías más originales, y en la que las guturales de Pierre Bouthemy se combinan de modo más lúcido con las líneas limpias de Cindy Goloubkoff.

La otra parte del disco es la compuesta por sus últimas canciones, es decir, de "Alone in Your Head" en adelante; allí, la agrupación toma un tinte más gótico, los recursos del Death Metal se reducen y la exploración de los sonidos industriales se amplía. La canción antes mencionada representa muy bien esta dimensión de Hypnosis que sorprende por los niveles a los que llega, aun cuando se trata de una banda conformada apenas por 2 mujeres (Cindy y Patrice) y un hombre (Pierre). Las funciones se comparten y multiplican (bajo, guitarra, teclados, voces), a excepción, de la composición de las letras que recae enteramente en Pierre, quien, a través de un lenguaje muy íntimo y reflexivo, proyecta un espacio de encuentro entre el mundo de la realidad y el de los sueños, ese mundo oscuro -como indica el título del disco- en el que debe rastrearse la existencia de los hombres.

Cada uno de los 5 álbumes que realizó Hypnosis a lo largo de su carrera, interrumpida en el 2010, fueron lanzados por disqueras diferentes; en el caso de Shadoworld, esta tarea corrió por cuenta de Black Lotus Records, un importante sello griego que editó bandas de la talla de Astarte, Necromantia o Septic Flesh. La producción del disco es envidiable en todos los sentidos: en su calidad de sonido, en su presentación, etcétera. El cuadernillo (de 16 páginas) contiene las letras de las canciones, fotografías de los miembros del grupo, e información técnica. A pesar de la distancia temporal que ya hay con relación a su fecha de salida, todavía es posible adquirir copias del CD en la red, así como de los otros títulos de la banda, y también de las producciones que con Scars of Murmansk, su proyecto actual, han lanzado Cindy y Pierre).

Para quienes vivimos en Colombia la transición de los noventas al nuevo siglo, Ethereal representa un suceso memorable; para muchos, incluso, debe tener la connotación de lo clásico y, en consecuencia, estimársele por encima de todo lo demás. Se entiende que no se trata de la banda en general, sino de esta época concreta entre 1998 y 1999, cuando se editó el EP As Sad As Beautiful, cuando sus conciertos tenían ese aire gótico (de flautas, violines y candelabros) y, en fin, cuando el grupo no había picado todavía en el anzuelo del Black Metal. Como tal vez ninguna otra banda lo había hecho en nuestro país, Ethereal supo explorar las ideas del Metal Gótico, comandado entonces en el mundo por agrupaciones como Tristania, Theatre of Tragedy y The Gathering.

La música de Ethereal era considerada ya en esa época particularmente fértil a la hora de despertar emociones, de transmitir sentimientos; y es que, aunque As Sad As Beautiful contiene apenas 4 canciones, pueden encontrarse en ellas atmósferas tristes y melancólicas, espacios de belleza hipnótica, arranques de agresividad, etcétera, todo ejecutado con excelencia. El conjunto estaba sincronizado 100%: la hermosa voz de Ana María, los desgarros de John Cadena, la melodía instrumental (guitarras, teclados, violines), la extensión de las canciones y sus transiciones internas; tal es el acople en el que todo se hallaba dispuesto que el carácter rústico de la grabación queda en un segundo plano o, si se prefiere, sirve más para darle un tono particular que para restarle puntos.

Complementariamente, la banda propone aquí unas letras que, por su contenido y calidad, están bien lejos de las que harían parte de sus álbumes posteriores; tres de ellas están escritas en inglés ("In Dreams of Dust", "Far Memories" y "As Sad As Beautiful") y una más en español ("Melancolía"), pero no hay ninguna distancia en su orientación poética y conceptual. Ethereal nos sumerge en la nostalgia, en la experiencia del vacío interior, revelándonos de forma catártica la paradoja encerrada en el título de su EP: la tristeza también tiene un lado bello, una dimensión artística. En "Melancolía" se escucha: "Tras una difusa existencia, conjunto perfecto / es mi comunión, de mi alma / y tu piel, fruto de nuestro fuego que aún me asfixia".

As Sad As Beautiful fue prensado por el sello colombiano Cornucopia Entertainment, con el cual había firmado Ethereal un contrato en 1998 por 2 discos (éste y el Shroud of Flesh). Como era de esperarse, se vendieron más de 2000 copias, y a la banda se le abrieron muchas puertas en las escenas de Norte y Latinoamérica. La portada del EP sintetiza muy bien el espíritu de su música, y todo el diseño interior, a pesar de no haberse trabajado tanto como en su siguiente álbum, conserva un espíritu gótico. A la fecha existen dos re-ediciones de este título: una en formato TAPE, realizada por Imperioculto Producciones en 2013, con un prensaje limitado a 100 copias; y otra en CD que estuvo a cargo de Viuda Negra Music en 2016. Ambas versiones conservan el arte original del EP.