Después de escuchar durante años este disco sigo pensando dos cosas: que es una obra maestra, y que, entre las muchas razones que hay para probarlo, la más importante es que logró captar de manera muy personal el espíritu de aquella época en la que el Doom Metal alcanzaba su matiz más melódico y depresivo. Katatonia compartió con otras agrupaciones de entonces -Anathema, Paradise Lost, Tiamat, The Gathering- una misma raíz que fue, justamente, la del Doom, pero mientras las otras bandas edificaron su música acercándose también a elementos del Death Metal, Katatonia se enriqueció siempre con recursos más cercanos al Dark Metal: primero, los tonos desgarrados de su vocalización y, segundo, esa atmósfera lóbrega que permea cada una de sus composiciones hasta eclipsarlas casi totalmente.

Tal es así que podría afirmarse que antes de la salida de Dance of December Souls, en 1993, ninguna otra banda había editado un disco que proyectara una combinación similar de materiales: ritmos lentos dotados de belleza y melodía; una voz expresiva, rica en tonos afectados, tristes; y arreglos sutiles que  estilizan cada composición (los ecos de "Without God", los teclados de "Gateways of Bereavement", o los efectos de guitarra de "In Silence Enshrined"). Cada canción de Katatonia es una larga página que se abre para recorrer con parsimonia paisajes poblados por la desesperación, el miedo o las frustraciones; y cada pequeña parte de su música se orienta bien en este sentido, haciéndonos experimentar sensaciones semejantes, unas veces a modo catártico, purificándonos espiritualmente y, otras, con fuerza catatónica, sometiéndonos con frialdad lúgubre y oscura.

Como en pocos álbumes, aquí, en Dance of December Souls, la armonía tiene una densidad tan melódica y mustia a un mismo tiempo: con las guitarras uniéndose y separándose constantemente, pero siempre manteniendo entre sí una relación artística, limpia; con la batería proponiendo, a pesar de su lentitud, una ejecución resuelta, que sabe sacar el máximo provecho al bombo y el redoblante; con la voz de Renkse, mohína, ideal para transmitir sus propias líneas poéticas ("farewell life and all I died for / now my time is over on earth / another journey has begun"); y, finalmente, con la intervención ocasional de cortes instrumentales tipo "Seven Dreaming Souls" a base de teclados, "Elohim Meth" de guitarras limpias sobre cortina lluviosa, o "Dancing December" con cuya solemne cadencia cierra Katatonia su disco.

La primera edición de Dance of December Souls fue prensada por No Fashion Records en 1993, y desde esta fecha sucesivamente han venido apareciendo nuevas versiones: la que realizó Mystic Productions en TAPE en 1995, la de Hellion Records en LP ese mismo año, los nuevos prensajes en CD de la Irond, Peaceville y Mystic Empire, etcétera. La versión que se muestra en la fotografía es la lanzada en formato DIGIPACK por la disquera sueca Black Lodge Records en 2004; se trata de una re-edición oficial que, sin embargo, no contó con el pleno apoyo de la banda, puesto que a los miembros de Katatonia no les agradó, ni el cambio de la portada original, ni el hecho de haber usado su nuevo logo en una producción de su primera época. Con todo, la edición de la Black Lodge es limitada, y su presentación es pulcra tanto en la caja y el CD, como en el cuadernillo que los acompaña.

Este fue el primer disco que escuché de Hypocrisy y, aunque han transcurrido más de 20 años desde entonces, sigue siendo mi favorito; constantemente está en el reproductor, y no deja de sorprenderme en todo sentido: por su oscuridad, por su fuerza, por la maldad que emana cada una de sus canciones. Es posible que el mayor porcentaje de fanáticos prefiera los discos intermedios de la banda, los cuales tienen una mejor producción y, además, una personalidad más propia; sin embargo, esa época inicial de Hypocrisy (con Masse Broberg en las vocales, Mikael Hedlund en el bajo, Lars Szöke en la batería y, por supuesto, Peter Tägtgren en las guitarras) marcó un sonido que podría llamarse de culto, en la medida en que contribuyó a precisar la identidad del Death Metal sueco, a partir de ciertas bases que Tägtgren había conocido en Estados Unidos.

Osculum Obsenum (1993) es una obra maestra; posee todos los elementos que uno quiere encontrar en un disco de Metal: es rápido, y no a esa velocidad frenética que carece de méritos, sino de un modo violento, localizado; también es pesado, primero, por la potencia seca de las guitarras y, segundo, por las crudas guturales de Broberg que siempre tienen un matiz siniestro. Las 9 canciones que compuso Hypocrisy para este álbum desarrollan estas características a la perfección en un trabajo que se complementa con punteos agresivos, breves apariciones de teclado, y una atmósfera bastante oscura. Ni siquiera el hecho de que solo Tägtgren estuviese a cargo de ambas guitarras (la líder y la de apoyo) le resta fuerza al álbum, pues, aun sin existir juegos destacados, los riffs son sombríos y de una melodía envolvente.

Visto desde una óptica más histórica, Osculum Obscenum representa también un espacio interesante de Hypocrisy, toda vez que las ideas sobre las que giraba entonces la banda involucraban a todos sus miembros; al respecto, creo que todavía no terminan de valorarse los aportes hechos por Broberg, pues más allá de la ejecución vocal, participó activamente en la concepción artística de Hypocrisy, estuvo inmerso en el grupo desde los tiempos de la Demo Rest In Pain y, finalmente, escribió algunas de las letras que aparecieron tanto en el álbum Penetralia como en éste. Bien es cierto que el reconocimiento amplio de la escena lo alcanzó Broberg cuando se unió a Dark Funeral a finales de los noventas, pero ya aquí era palpable toda la oscuridad que era capaz de transmitir; nunca volvió a sentirse esa cualidad en la música de Hypocrisy desde el momento en que Tägtgren asumió el rol de vocalista.

Desde 1993 han venido editándose diferentes versiones de Osculum Obscenum; la primera, como se sabe, fue prensada por la Nuclear Blast Records en formato LP y CD; posteriormente, esta misma disquera reeditó el disco en DIGIPACK agregando como bonus los EP's Pleasure of Molestation (1993) e Inferior Devoties (1994). La versión que se muestra en la fotografía conserva esos mismos bonus, y está fechada en 1996, pero debe tratarse de alguna reedición más reciente si se tiene en cuenta el hecho de que ya aparece en el back-cover la dirección de internet del sello. La presentación de esta edición es bastante simple, su cuadernillo no contiene ni letras, ni información técnica, apenas fotos de la alineación de Hypocrisy después de la salida de Broberg, es decir, ya como trío. Hay otras ediciones polacas, griegas y rusas del álbum lanzadas en LP y CD en diferentes fechas.

Tras una carrera de más de 20 años, Crowbar es una especie de leyenda viviente y, sin lugar a dudas,  la banda más importante del Sludge Metal, puesto que su música ha hecho escuela de un modo bien particular: influenciando a numerosas agrupaciones, ninguna de las cuales ha logrado alcanzar el estilo que ella trabaja tan naturalmente. Así, no hay manera de que Crowbar no figure en un lugar destacado cuando se intenta trazar la historia del sonido de New Orleans, bien sea dentro del citado Sludge Metal, género del que no podría desligarse, o bien, dentro de alguno de los muchos caminos paralelos, como el Southern Metal, el Stoner Rock e, incluso, el Doom Metal.

En 1993, la banda, joven todavía, ya contaba con su álbum debut Obedience Thru Suffering, un contrato con Pavement Music, y cierto reconocimiento local. Sin embargo, al editar este segundo trabajo, autotitulado Crowbar, el éxito fue monumental: se renovó el contrato con la Pavement, Phil Anselmo se convirtió en su productor de cabecera, varios video-clips empezaron a rotarse en canales especializados, y las giras se multiplicaron. Y la situación no resulta sorprendente, toda vez que el disco presenta 10 canciones absolutamente originales: pesadas, lentas, cargadas con la densidad que sólo puede darles una distorsión ultra baja y la emotiva voz de Kirk Windstein (quien a través de los años sólo ha venido perfeccionando los tonos que ya lograba en esta época).

Este es un disco para quienes gustan de los riffs largos y firmes como las rocas, para los que aprecian las melodías graves que se van tejiendo morosamente, en ausencia de cualquier virtuosismo que no sea el de llevar al máximo la concentración de la pesadez. Todo está puesto aquí en el sitio correcto: la potencia de las guitarras, el golpeteo del bajo, la pausada ejecución de la batería, y las vocales de Windstein que nos enteran de un atribulado horizonte: la soledad y el vacío, en la conocida "All I Had (I Gave)"; el dolor y las frustraciones, en "Self-Inflicted"; el escepticismo y la agonía, en "Existence is Punishment"; o la pérdida del control, en la canción de cierre "I Have Failed".

Como se dijo antes, Crowbar fue lanzado en 1993 alternativamente en Alemania y Estados Unidos por la Pavement Music. La portada del disco fue creada por Mitch Nawara -productor del primer trabajo de la banda-, y es la parte más notoria de la presentación, pues el resto del cuadernillo mantiene un diseño sobrio. En 1995, la misma Pavement re-editó el álbum, cosa que ya había hecho para ese entonces la Crash Music en Estados Unidos, y también vendría a hacerlo en el 2000 la Spitfire Records (con un nuevo art-cover), y en el 2008 la Metal Mind Productions de Polonia (en una versión limitada a 2000 copias, con sonido remasterizado, y con la misma portada de la primera edición del disco).

No es mucho lo que se sabe sobre Bubble: al parecer se formó a finales de los ochentas en Blois -Francia- y editó, bajo el nombre Bubble Beer, el TAPE Not Too Serious? (1990); una grabación que contiene 30 canciones compuestas en una línea que, según se lee en ciertas reseñas, mezcla el sonido de D.R.I. con el de Bad Religion. En algún momento antes de 1993, la agrupación decidió llamarse simplemente Bubble, y así lanzó a través de la Rythm Prod. el disco No Time to Lose, co-financiado por la Dirección Provincial de la Juventud y los Deportes de Loir. Finalmente, Bubble desapareció de la escena a mediados de los noventas por razones desconocidas.

No Time to Lose es el producto de una banda de Hardcore/Punk honesta y enérgica que, en buena medida, recuerda el sonido inglés de los setentas, enriquecido con toques más alternativos, propios del Rock estadounidense. Un álbum que fue grabado en apenas 6 días y que, con una duración de 73 minutos, tiene la virtud de transmitir un amplio repertorio de sensaciones que van desde el ánimo extremo en los temas rápidos, hasta la intensidad contenida, en aquellos otros en los que merma la velocidad. Guitarras distorsionadas en infinidad de formas; riffs melódicos, sencillos, a los que eventualmente se suman solos y tonos agudos; una batería ejecutada siempre en su punto; un bajo de soporte adecuado; y una vocalización que resulta original, primero, por lo afrancesado de su inglés y, segundo, porque sin renunciar al estilo Punk suena a veces cercana al Alternativo; es el resumen del cuadro que ofrece Bubble a nivel musical.

En cuanto a las líricas, hay una variedad casi irreductible: están las de orientación social, tipo "TV Lies", "Holidays" o "Dyin' World"; las que muestran historias y perfiles anecdóticos, como "The Very Last Days", "The Fallen Lovers" o "Spongers" y; finalmente, unas más personales -a veces vinculadas con la vida como músico y, otras, con la experiencia de la exclusión-: "Concert's Families", "Barfly" o "Passive Consumer". Más allá de las diferencias temáticas, todas las canciones están compuestas con un lenguaje muy directo y tienen estribillos bien logrados (el "I don't want to see those lies on my TV, I just need the reality", de "TV Lies" es un ejemplo de esto). 

Como se mencionó anteriormente, No Time to Lose fue prensado por Rythm Prod., sello que debió ser propiedad de Bubble, si tenemos en cuenta que la dirección de la banda que aparece en su Demo de 1990, es la misma que aparece aquí para la disquera (34 Rue Costes et Bellonte). El disco no se destaca por su diseño, aunque las fotografías de aquella mujer envuelta en bolsas resultan, por lo menos, originales. El cuadernillo (impreso a blanco y negro sobre papel brillante) incluye las letras de las canciones, pero no presenta fotos de la agrupación. Un álbum difícil de conseguir, y para ser escuchado inteligentemente, si no se desea ser un consumidor pasivo más: "Yes, we've formed a band, but what are we playin' now? A song you won't understand, 'cos you don't wanna make an effort: a perfect consumer and a stupid asshole".