Hay en este título de Ghast una conjunción hasta tal punto cautivante de Doom y Black Metal que, aun tratándose de un EP con solo 2 canciones, las expectativas de quien lo escucha se superan con suficiencia. La fuerza de la propuesta que presentan estos ingleses radica en declinar ex profeso el uso de los aditamentos que ofrece la producción moderna e inclinarse hacia un sonido más visceral y frío, pero radicalmente orgánico. En otras palabras, Terrible Cemetary entrega, no el resultado de un ejercicio en el que convergen dos influencias (pues, en ese caso estaríamos ante un simple eclecticismo), sino el fruto único que surge cuando los géneros se articulan por vía natural, garantizando que el tejido de los elementos y su cohesión se dé en una materia realmente viva.

El corte que abre el EP, “O Akhea Rheōn”, recupera y amplía un tema aparecido originalmente en una Demo que la banda grabó durante la época en que funcionaba bajo el nombre Souldust. La canción inicia con una estructura lenta que va mudando hacia el distintivo sonido de Celtic Frost para desembocar en una velocidad pronunciada. La música de Ghast se muestra instintiva en esas transiciones y la voz de Arrrrrrrach unifica aún más el conjunto a través de unos desgarros Black Metal que en algunos finales de frase poseen los quiebres depresivos característicos de bandas como Bethlehem o Silencer. La letra del tema, como lo expresa su título, está basada en la mitología griega y recrea el monólogo de un hombre que exhorta a Caronte a que lo traslade, en cumplimiento de su destino, a las profundidades del inframundo.

La segunda canción comienza otra vez con la morosidad típica del Doom y así se prolonga por más de 10 minutos, adquiriendo después un tono Black Metal que realza la rapidez. Nuevamente aparecen aquí las vocales llenas de emociones negativas (a veces multiplicadas con un leve efecto de delay), en este caso para elaborar el retrato de una conciencia que descubre la muerte en el paisaje y su conexión fatal con lo viviente. Por la extensión del tema, que supera por mucho a la del anterior, la canción contiene numerosos espacios para que las guitarras aborden sus propias líneas o se unan reforzando determinados motivos; asimismo, da el chance al bajo de descollar o integrarse a las disonancias propuestas por Ghast; y, por último, valiéndose únicamente de los instrumentos base (bajo, guitarra y batería), estimula una densa experiencia de lo fúnebre.

Terrible Cemetery fue lanzado en 2010 por el sello inglés Todestrieb Records. Aunque el prensaje original se realizó en CD, también existe una versión en LP (realizada cinco años más tarde por la Forgotten Wisdom Productions) y otra digital compartida en Bandcamp. Como puede observarse, el arte del EP (elaborado por el mencionado Arrrrrrrarch) se adecúa bien al concepto de Ghast: un paisaje en el ocaso, con testimonios de muerte surgiendo de la tierra, todo ello en medio de una atmósfera fantasmagórica y decadente. Ateniéndonos a la información proveída en el booklet, la grabación del disco no se prolongó más que una sesión (la del 15 de agosto de 2009), y seguramente tampoco el proceso de mezcla tomó mucho tiempo, pues, como se indicó, uno de los rasgos distintivos del EP es su crudeza.

La particularidad de Bolt Thrower dentro del Death Metal radica en dos aportes fundacionales: ser pionera en la inclusión de la guerra como sustrato lírico y haber incorporado como bajista a una mujer, Jo Bench, en una época en la que lo común eran todavía las alineaciones masculinas. Los dos elementos hicieron parte del horizonte de la banda desde su primer disco, In Battle There Is No Law (1989), y se mantuvieron a lo largo de tres décadas de trabajo, aunque resultasen particularmente fecundos en los albores de los noventas, periodo al que pertenece The IVth Crusade (1992), el cuarto álbum de Bolt Thrower y, sin duda, uno de los más brillantes en lo que concierne a su capacidad creativa y la consecución de ese sonido que no encuentra parangones ni siquiera entre las otras agrupaciones inglesas.

The IVth Crusade es una obra maestra porque establece con claridad un fin a cuyo recaudo se disponen todos los medios. Esto significa que el conjunto sabe dirigirse siempre sin vacilaciones o apuntes desordenados, distinguiendo qué falta y qué sobra a cada paso. El ensamble, por ejemplo, posee una densidad perfecta que empalma la solidez de la afinación baja con líneas melódicas que despuntan continuamente; del mismo modo, los punteos evitan tanto el exceso de técnica como el puro empirismo, resultando de ellos un brillo a la vez emotivo e inteligente. Hasta en lo que respecta a la velocidad, Bolt Thrower se muestra entendida, apropiándose de un mid tempo permanente que llega a ofrecer tantas vertientes que nunca se corre el riesgo de desentonar por prisa o morosidad.

Destacan en el trabajo general, la impasible vocalización de Willets y las numerosas figuras de platillo y hi-hat con las que Whale acompaña cada tema. Mención aparte también merece el apartado lírico, pues sin que se trate de una pieza conceptual, The IVth Crusade sabe en cada línea exactamente hacia dónde se dirige: la posición que corresponde al individuo ante la inminencia de la guerra y la devastación. Bolt Thrower elabora sus letras partiendo de una premisa histórica ("visions of the future reflected in the past") que le permite sostener que los factores desde los que se articula la crisis contemporánea -v. gr., las guerras nucleares, la imposición dogmática, el miedo, etcétera- son simples prolongaciones de un sistema bélico que viene levantándose en y por la humanidad desde hace mucho tiempo.

Este es el punto en el que parece encajar la impresionante pintura de Eugène Delacroix que sirve de portada al disco, así como los distintos símbolos representativos del caos que, tanto al interior del cuadernillo como en el back-cover, se disponen a modo de referencias de la fuerza superior de la discordia. The IVth Crusade ha sido editado en sucesivas ocasiones y en todos los formatos, aunque siempre manteniendo estos elementos del arte original. La fotografía muestra la que debe ser la primera prensa del disco, cosa que, en todo caso, puede resultar discutible, toda vez que Earache Records editó por lo menos cuatro versiones el mismo año de lanzamiento que varían en los códigos del CD o en pequeños aspectos relacionados con el color.

Los comentarios que despertó Welcome to Hell a finales de 1981 denotan, a un mismo tiempo, la fascinación y el desconcierto generados por aquel nuevo sonido que se instalaba sobre el mundo y se anunciaba de modo radical en el título del disco. Se habló entonces de una "explosión de halitosis herética", de "una banda que ensordece", y hasta de que Venom equivalía a descubrir toda la suciedad que existe en el subsuelo. Sin embargo, lo que más sorprende es que las críticas recientes sigan coincidiendo con aquellas palabras y que, a pesar de las más de 3 décadas que nos separan del álbum, sigan manifestando que éste condensa el sonido más visceral que logrará tener el Heavy Metal, capaz, incluso, de generar impacto en los oídos y sensibilidad de aquellas personas que se hallan habituadas a la estridencia.

Destinado a erigirse como pieza de culto, Welcome to Hell es la obra que abrió al mundo la música de Venom, tanto a los fanáticos y honestos admiradores (Death, Asphyx, Deceased, Mayhem), como también a todos aquellos dedicados con desigual suerte a imitar su sonido. En todo caso, el punto es que sólo Venom suena como ella, haciendo resonar la batería con su bombo acartonado, y tejiendo riffs sucios, de solos crisposos y acelerados. La misma voz de Cronos ofrece un timbre único, levemente rasgado y atento siempre a transmitir las emociones particulares de los temas, despachando coros que se dirigen directamente a las mentes: si no fuese así, no vendrían a ella, casi de modo inevitable, los de "Poison", "One Thousand Days in Sodom" o "In League with Satan" apenas escuchádolos.

Por otra parte, son muchos los caminos que, en su momento, abrió Welcome to Hell para la música: los arpegios de "Mayhem with Mercy" inauguran los instrumentales que se tornarán comunes dentro del Black Metal, los falsetes de "Poison" serán popularizados después por los vocalistas del Thrash (los de Destruction o Sarcófago, por ejemplo), y el protagonismo del bajo, su marcaje, también será retomado numerosas veces. Con todo, más allá de ésto, tal vez el elemento que más se torna visionario sea el lírico, pues, Venom se desplaza por todo el espectro conceptual del Metal: trabaja el satanismo, se enfoca en asuntos de la muerte, destaca el alcohol, se relaciona con el sexo, rechaza a dios; en fin, condensa muchísimas de las posibilidades, construyendo letras ágiles, y concisas, pero también penetrantes y bien sobrellevadas.

La Neat Records fue la disquera que se encargó de editar originalmente Welcome to Hell en vinilo de 12" y, desde entonces, las reediciones no han parado de realizarse en todos los formatos -TAPE, CD, LP-. La que se presenta en la fotografía es una versión lanzada en el año 2002 por el sello Castle Music, propiedad de Sanctuary Records; esta edición tiene la particularidad de incluir en su cuadernillo una serie de reseñas tomadas de zines antiguos en los que se habló del disco, numerosas fotos de la banda y el back-cover de la primera edición; además, se agregan después de las 10 canciones originales algunos bonus-tracks extraídos de EP's y Demos. La misma Castle Music ha editado las otras piezas emeblemáticas de Venom: In League with Satan (1981), Black Metal (1982) y At War with Satan (1984) en formato CD.

Paul Carter, frontman de la agrupación Thus Defiled desde 1992, declaró en una entrevista realizada por Destructive Music que nunca ha estado dentro de sus deseos el pertenecer a una escena que busca unificar todas las propuestas bajo una sola orientación estética y sonora. Dicha posición permite interpretar algo tan sencillo como su renuncia al uso del corpse-paint (práctica masificada desde mediados de los noventas), pero también, asuntos más complejos, como la singularidad de su álbum Through the Impure Veil of Dawn (1995), el cual omite hasta tal punto la tradición del Black Metal (especialmente del noruego), que alcanza un lugar bastante original, de urdimbre bien inglesa, y con mucho de eso que el propio Carter ha llamado un "naive charm", pero que, en realidad, es una especie de intuición totalmente afortunada.

Es verdad que ciertas atmósferas del disco pueden asociarse con las que por la misma época creaban bandas como Bal-sagoth o Cradle of Filth, pero lo cierto es que Thus Defiled se distancia, incluso, de sus compatriotas en muchos sentidos: no proyecta un sonido sinfónico con los teclados, sino que los utiliza a modo de ambientación; no centra sus ritmos en la rapidez, sino en los medios tiempos; y sus composiciones en general no ofrecen la complejidad de los referentes contemporáneos -A Black Moon Broods Over Lemuria (1995) y The Principle of Evil Made Flesh (1994)-, sino una sencillez perspicaz, olfativa, cargada de melodías que no exigen técnicamente a los músicos pero, en cambio, transmiten energía pura, oscuridad no diseminada, como ocurre con los distractores que acompañan la música más elaborada.

Es más, Through the Impure Veil of Dawn está compuesto desde una perspectiva interesante de guitarras, pues estas pueden desaparecer, acompañarse o alternar, según el caso, en una práctica más cercana al Death Metal que al Black. Asimismo, en la vocalización predomina la gutural gruesa, que se muestra sobria y densa, arrastrando cada palabra por varios segundos a modo de un ejercicio ritual. Por último, la producción (cruda y sombría) resulta la mejor aliada para Thus Defiled en la comunicación de su apartado lírico: las letras, por regla, son muy cortas, y no están basadas en el anticristianismo (que, en opinión del grupo, no es una base apta para definirse), sino en la afirmación del satanismo  y su doctrina más primaria: "We walk as one with shadows / formless, silent, yet screaming (unheard) / eternal in our service to the fallen one / we hunt under Artemis as one".

Through the Impure Veil of Dawn fue prensado por el pequeño sello inglés Dark Trinity Productions, constituyendo hasta la fecha la única versión que existe del álbum. La presentación es sencilla, el cuadernillo (de apenas 4 páginas) incluye las letras de las canciones, los agradecimientos de la banda y una fotografía de la misma. A pesar de esta sobriedad, Thus Defiled ganó tras la salida del disco una importante reputación, obviamente dentro del underground, pues la banda no ha tenido la intención de expandirse por fuera de estos terrenos, es decir, en el medio comercial (como sí lo hicieron algunas otras bandas de su época); la misma dedicatoria del álbum ("to those who truly understand Black Metal") ya habla de esta óptica a la que no ha renunciado la banda en sus más de 20 años de carrera, como tampoco los otros proyectos de sus miembros: The Meads of Asphodel, Iceni, etcétera.

Still Dreaming (1995) es un álbum ecléctico que reúne en sus 12 canciones elementos provenientes del Darkwave, el Doom Metal y el Industrial, todo organizado de manera efectiva por las mentes de David Dando y Martyn Lear, miembros creadores del proyecto Eterne. Para los fanáticos de Moonspell, Tiamat o Samael es seguro que la música de estos ingleses resulte atrayente pues, como la de aquellas bandas, es rica en atmósferas, teclados y exploraciones de sonido; con todo, Eterne alcanza ciertas particularidades, especialmente con respecto a la sobriedad de las voces, el tono elegido en la programación de la batería y la densidad que predomina sobre la instrumentalización.

Antes de este disco -que constituye su primer larga duración- la banda había lanzado un par de maquetas en formato TAPE que delimitaron la dirección musical que propondría profesionalmente aquí. Still Dreaming refleja variedad: canciones como "Divine", "Scarlet Field" o "In Retrospect" se ubican en una línea Doom y, por tanto, son lentas, con ritmos sostenidos y ambientaciones lúgubres; en cambio, temas como "The Crawling Chaos", "Forever" o "Epilogue" exploran un sonido más cercano al Darkwave, con teclados y orquestaciones bien logradas; finalmente, otros tracks, tipo "Flesh Made Word" o "A Certain Kind of Bitterness" están concebidos desde una influencia más industrial, en ellos se acelera el ritmo y los efectos sonoros.

Sobre la diversidad de su música, Eterne implementa una unidad conceptual; a este respecto es muy diciente el nombre de la banda, ya que en sus líricas es evidente una mirada trascendente del hombre y la naturaleza: a veces esta mirada se materializa en la pregunta por la divinidad, otras veces en la lucha entre el mundo de las ideas y el de la carne y, unas más, en el choque de la vida con la muerte. No estamos frente a letras que sobresalgan por su confección, pero tampoco sería justo decir que en ellas no se palpa cierta profundidad; así se prueba en "The Endless": "Alone at last, I feel free as I can be / the darknest hour has passed unhindered and slowly I can see / loneliness is a word that's without meaning / and the cold temptations of the flesh present themselves to me".

El sello inglés Candlelight Records fue el encargado de prensar Still Dreaming y también el segundo álbum de la banda, Deadauthor, en 1996. El diseño en general es artístico, pero no sorprende demasiado; está compuesto por tomas de hojas, nubes y tierra, dispuestas sobre un fondo blanco en el que también se hallan las letras de las canciones; la portada es lo mejor del conjunto si nos remitimos a su color y surrealismo. La edición que observamos en la fotografía es la original del disco, enteramente inglesa y descatalogada desde hace bastantes años; hay que recordar que antes del 2000 todos los discos de la Candlelight fueron editados en Inglaterra, y que sólo desde el 2001 con la apertura de Candlelight America se inició el prensaje de los mismos en Estados Unidos.

La pequeña frase de Nietzsche que se recupera en el art-work de este disco permite aproximarse acertadamente a su concepto: "there is no beast without cruelty". En efecto, la crueldad es la acción más representativa de los seres instintivos, de aquellos que usualmente se encierran bajo la noción de bestia. En la historia particular de Europa resalta una de estas figuras, la de Báthory Erzsébet, condesa húngara acusada de asesinar en rituales de magia roja a más de 600 mujeres (entre los 9 y 26 años), buscando mantener la belleza física con la sangre de sus víctimas.

La propuesta de Cradle of Filth en Cruelty and the Beast es recuperar la historia de esta "condesa sangrienta" y explorarla a través de una óptica en la que se mezcla la crueldad, el erotismo y lo pagano. Un concepto bastante claro que la banda concreta en un conjunto de letras que tienen una base histórica evidente, y se caracterizan por su tono poético, barroco e intenso. Sin duda el tratamiento más completo que una banda de metal haya hecho sobre aquella leyenda, y esto aun cuando ha sido abordado prolijamente desde los ochentas por bandas como Venom, Tormentor, Dissection y, por supuesto, Bathory.

Musicalmente, Cruelty and the Beast puede considerarse la cumbre de la carrera de Cradle of Filth; al menos, este disco señala el cierre de su etapa Black Metal, la cual inició con la edición de The Principle of Evil Made Flesh en 1996. Como en ningún otro álbum está impreso aquí el sonido original de la banda: la agudeza y versatilidad características de Dani Filth, la base melódica del trabajo guitarrístico, la puntillosa percusión de Nicholas Barker, y las atmósferas sinfónicas que provienen tanto del uso de teclados como de las voces femeninas.

CRADLE OF FILTH. Cruelty and the Beast. Fierce Recordings. 1998.
RANK: 10/10

Hablar sobre Anathema es referirse a una de las bandas que más contribuyó a la evolución del Doom Metal en Inglaterra durante la década de los noventas. Como sus compatriotas Paradise Lost y My Dying Bride, la agrupación ha mantenido la conciencia de explorar progresivamente nuevos sonidos y posibilidades en su música, siendo así que de su primer álbum Serenades al último We're Here Because We're Here dista un abismo. Por lo que compete a The Silent Enigma podría afirmarse que corresponde a una etapa decisiva de la banda porque en ella coinciden la salida de su vocalista original Darren J. White, y el abierto deseo de Vincent Cavanagh de adentrase mucho más profundamente a nivel lírico en el ámbito de la soledad y la desesperanza humana.

Y es, justamente, la materialización de ese deseo lo que puede rastrearse en el concepto del disco: letras bastante poéticas basadas en la incertidumbre, el escepticismo y la misteriosa relación del hombre con la naturaleza. Todas las canciones parecen haberse escrito desde una situación límite: en "Restless Oblivion" desde un corazón paralizado, en "Shroud of Frost" desde el hundimiento en visiones y sueños destrozados, o en "A Dying Wish" desde la soledad de una promesa rota. Pero hay un elemento que contribuye a realzar todavía más este aspecto lírico y es la creación de las letras en primera persona: "My love's torn apart...", "You left me dying...", "My mind is burning", "I hear the seed of ruin", son algunas de las líneas que se escuchan a lo largo del álbum.

Ahora bien, de poco serviría la claridad conceptual de The Silent Enigma si esta no tuviera su contraparte musical. Lo que presenta Anathema a este respecto es de todo punto admirable: estructuras lentas, pero firmes y pesadas; composiciones en las que se mezclan muy bien los teclados y las guitarras; el uso simultáneo de voces limpias, rasgadas y guturales. Todo enmarcado dentro de un sonido que realmente hace experimentar una extraña síntesis de vigor y melancolía. La producción del disco es notoria, aunque en canciones como "...Alone" algunos sonidos se pierden si se escuchan con poco volumen (curiosamente esta canción fue grabada en un estudio distinto al resto del álbum), pero por todo lo demás la mezcla es brillante, incluso, en los fragmentos de un solo instrumento o los textos en limpio.

ANATHEMA. The Silent Enigma. Fierce Recordings. 1997 (1995).
RANK: 10/10