Los proyectos en solitario siempre están orientados por una búsqueda particular y tienden a una concepción totalizante. En el caso de Aras, esa condición resulta especialmente interesante porque su creador, Ehsan, proviene de Irán, un país en el que el Metal sigue siendo severamente censurado. No se trata de un hecho incidental, sino de una coyuntura profunda, pues esta ha restringido la música de Aras al reducto de su intimidad, a un aislamiento con el cual intenta sustraerse del hostigamiento de los musulmanes. Con todo, no ha sido posible resistir el embate de dichas persecuciones y, a pesar de que sus discos se producen a puerta cerrada y se dan a conocer solo a través de sellos foráneos, el propio Ehsan ha tenido que huir de Teherán para evitar ser encarcelado como viene sucediendo con muchos otros artistas, entre ellos, por ejemplo, los miembros de la banda Confess.

Acaso la situación de Aras, al tratarse de una banda de Black Metal, sea todavía más peligrosa: su música se levanta en el contexto religioso y político de Irán (en donde ambas cosas son una sola) como una voz de protesta cuyo objetivo principal es la crítica del régimen. En efecto, las letras de la banda denotan una misantropía general, pero también un odio focalizado hacia la imposición de los dogmas musulmanes; cualidad que, por un lado, la aleja del tradicional satanismo que pulula en el género y, por otro, la acerca, en todo caso, a la cruzada secular contra las religiones dominantes que también es propia del Black Metal y que, en su caso concreto, se ve ricamente alimentada por la "iluminación" recibida de fuentes literarias procedentes de poetas en lengua farsi como Hafiz, Shamlou, Sa'adi, Ferdowsi, Akhavan Sales, Molana y Khayam.

En el caso particular de Hemaseye Andooh (2006) esas influencias se expresan líricamente solo en la primera canción, ya que todos los otros temas son instrumentales. Sin embargo, debido a la atmósfera densa que hay en el EP (muy cercana a la de Xasthur), a su imponente atmósfera y la espesura que inunda la armonía, también se encuentra de esa concepción temática un correlato sonoro. De hecho, el predominio de los cortes instrumentales demuestra la suficiencia que tiene para Ehsan la pura música y, por supuesto, su destacable dominio de los instrumentos, en especial del teclado (con el que perfila continuamente las líneas saturadas de las guitarras) y de la batería (que, aun siendo programada, expresa un dinamismo importante y se alimenta con percusiones orientales, acaso derivadas de la música tradicional persa, que brindan al conjunto un tono bélico y fuerte).

Hemaseye Andooh fue lanzado originalmente de forma digital en 2006 y, dos años más tarde, el sello estadounidense Ragnarok Records se encargó de editarlo en una versión limitada a 1000 copias en formato DIGIPAK. La portada del EP, como puede observarse, ofrece la escena de la crucifixión en un dibujo realizado siguiendo la técnica del carboncillo; ese arte, en conjunto con la fotografía de la contraportada (y que podría equivocadamente dar a entender que se trata de una banda de Depressive Black Metal) es todo lo que puede hallarse de layout en la edición, la cual expresamente prescindió de los datos de contacto o grabación, incluyendo apenas la frase: "In the mourn of the four elements of the existence". A la fecha, esta sigue siendo la única edición del EP, si bien Aras ha seguido publicando con increíble regularidad más títulos.

Tenebrarum es otra encarnación de ese Death Metal radicalmente oscuro que proponen bandas como Sargatanas, Shub Niggurath o Nothingness. En efecto, como pasa con aquellas, esta otra agrupación mexicana funda su música sobre una densidad apabullante que sumerge a quien la escucha en una suerte de extravío. El sonido de Tenebrarum, sin embargo, se alza con un temperamento propio puesto que en él convergen al menos tres corrientes diferentes: por un lado, la herencia caótica del Grind que elaboró el grupo en sus orígenes; por otro, la influencia sombría del Black Metal para la elaboración de las atmósferas y; finalmente, la inclusión de unos teclados que ya desde la canción de apertura se erigen como el principal distintivo de la banda y que, sin llamar a exageraciones, no tienen el más mínimo parangón en las propuestas de su época.

A raíz de esto Alta magia (1994) es un disco cuya imponencia se tasa en el modo en que contrasta el flujo de un sonido muy pesado con aquella fuerza más etérea, misteriosa y a veces, incluso, tranquilizadora que producen los teclados. A lo primero contribuyen la sucia distorsión de las guitarras, la ininteligibilidad que prima en las vocales y los descuelgues de velocidad que sigue la banda cada tanto; a lo segundo, en cambio, solo aquel extrañísimo hipnotismo que emana de los teclados y que en temas como "Lilith" o "Evocation" es capaz de orientar toda la armonía. Hay en este recurso, quizá, algunos vestigios de tonos ambientales, pero en realidad su horizonte resulta indescriptible, especialmente cuando junto a otros elementos -como guitarras acústicas, susurros, cantos gregorianos o audios de aullidos y hogueras- consolida aquel clima tétrico del que se ha hablado más arriba.

Tenebrarum transita los distintos caminos de su música permitiendo que una de sus aristas se pronuncie más o menos, pero no cede un instante en su intención de someter, ya sea apelando a la crudeza de los despuntes o al sortilegio de la atmósfera; así, en la parte inicial e intermedia del disco se muestra frecuentemente la última orientación, mientras que su cierre deja ver la faceta más primitiva del grupo. Por otra parte, en lo que concierne al apartado conceptual, la banda realiza un planteamiento penetrante, toda vez que sus letras, enfocadas en la magia, el esoterismo y los saberes ocultos encuentran su fundamento en autores como Rosario Castellanos, H. P. Lovecraft o Eliphas Lévi, referentes que permiten no caer en el terreno de las vacuidades, sino hallar un verdadero correlato para la oscuridad que caracteriza la parte sonora.

Alta magia fue grabado entre junio y julio de 1994 e inicialmente fue prensado en formato PRO-TAPE por la propia banda. Seis años después, American Line Productions y Morbid Ghoul Records lanzaron de forma conjunta su primera versión en CD, cambiando por entero el arte original del disco. La edición que se muestra en la fotografía, en todo caso, corresponde a una reedición hecha también por American Line en 2016, recuperando la primera portada e incluyendo como bonus los temas de la Demo de 1992 The Distortionated Guts of Idolatry. Se trata de una producción austera con un diseño bastante defectuoso, pues, aunque el arte está basado en impresionantes pinturas de Goya y Hemnling, la calidad de impresión y recorte no es la mejor. El booklet, además, no contiene las letras de las canciones, únicamente información sobre las alineaciones de la banda, un par de flyers y la portada de la Demo.

Yomi Kafeli presenta de forma retrospectiva una recopilación del material lanzado por la banda Mortes Saltantes durante la década de los noventas, es decir, los TAPES Call from Yomi (1998), Yomitivo Ga Mafi (1996) y la Demo #1 (1995), más una canción aparecida originalmente en el sampler Thrash Corps of the Storm (1997). En general, estas grabaciones poseen un sonido destacable que, a pesar de sus variaciones (especialmente en lo que concierne a la Demo #1, que es la más cruda de todas), permiten la proyección de un Black Metal que elude el camino de la sencillez para enrutarse, más bien, hacia la consecución de una música cuidadosa de los detalles, modulada en sus componentes e ingeniosa en la manera de disponer la velocidad, el uso de los teclados, el apartado melódico y la rigurosidad en el tratamiento de los temas mitológicos que integran sus letras.

Es posible que al escuchar a Mortes Saltantes se tenga inicialmente la sensación de una influencia proveniente de grupos como Isengard, Arcturus o Storm, en especial por lo que concierne al tipo de vocales limpias que implementa; sin embargo, a pesar de coincidir con aquellas bandas en una disposición sustancialmente vanguardista, los japoneses encuentran la manera de generar una propuesta propia, en primer lugar, a través de los teclados, cargados de tesituras no occidentales y de aplicaciones que semejando el piano o el órgano producen una versión inédita de lo macabro y, en segundo término, por medio de aquellas mismas voces que en sus canciones se despliegan en coros formados hasta por tres registros diferentes y que cuentan, además, en una de las Demos con la fantástica línea operática de Yuko, quien posee un tono supersticioso y envolvente.

En las grabaciones más antiguas la velocidad de Mortes Saltantes suele incrementarse más y, por momentos, parece expresar un regusto Thrash Metal. Con todo, sin importar la fecha del material, el grupo se cuida de incorporar siempre quiebres melódicos, fragmentos sosegados, refuerzos de bajo y los mencionados aportes corales y de teclado. Además, el marco conceptual también resulta transversal, pues la banda renueva canción tras canción temas tomados de la mitología ancestral japonesa. Aquí no hay apuntes de supremacía racial o satanismo, únicamente la alusión continua a deidades como Yaoyorozu no Kami o Izanami y su adoración como entidades que controlan la vida y la muerte. Esa recuperación de las fuerzas naturales está hasta tal punto fundamentada en las tradiciones orientales que el mismo uso del corpse-paint lo justifica la banda no como un préstamo de Occidente, sino como una encarnación de la apariencia que tienen los demonios Oni en las representaciones de teatro Kabuki.

La disquera encargada de reunir el material para presentarlo en este CD fue la Zero Dimensional Records. El trabajo de diseño que hizo el sello (también japonés) debe destacarse positivamente, pues, aunque modificó la imaginería primitiva que caracteriza las Demos, consiguió mantener la orientación del grupo basándose en un arte circense y oscuro. El booklet de 8 páginas ofrece toda la información sobre la procedencia del material y, asimismo, una galería con numerosas fotografías de la banda y flyers de conciertos. Es importante no dejar de mencionar dos cosas más: primero, que en estas grabaciones tomaron parte como bajistas invitados Miduti (de la agrupación Amduscias) y Kamala (de Funeral Rites) y, segundo, que alrededor de 1999 la banda cambió su nombre a Magane, nombre con el cual lanzaron dos discos, el primero de los cuales, no solo lleva el título Mortes Saltantes, sino que está compuesto enteramente por canciones que ya antes se habían publicado en estas Demos.

Resulta bastante difícil actualmente elaborar Death Metal de estilo clásico sin recaer en las emulaciones y lugares conocidos. Sin embargo, esta joven banda bogotana prueba que, desplegando las posibilidades que ofrece esa tradición, todavía es posible vislumbrar algunas zonas sobre las cuales forjar una identidad. Es por esta razón que el EP Crueldad subconsciente transmite la doble impresión de afincarse en el sonido de la vieja escuela (a propósito de lo cual su férrea producción es muy diciente) mientras que, al mismo tiempo, establece una personalidad que se proyecta a partir de su particular apartado rítmico y el modo en el que realiza las combinaciones vocales. Por supuesto, tratándose de un título que no supera los 15 minutos, dicha condición se presenta in nuce o, más bien, a manera de indicio de las amplias posibilidades con las que cuenta Deathcrime para la consecución de un álbum completo debido a su acople y capacidad creativa.

El EP está integrado por 5 canciones que no siguen el modelo de la simple velocidad, sino el de una disposición más vigorosa, galopante y dinámica. El trabajo de cuerdas, especialmente el de la guitarra líder, es francamente destacable: sin presunciones de orden técnico y con una distorsión enriquecida de medios -a la usanza sueca-, confecciona riffs sostenidos que orientan las canciones, dándoles sentido y carácter; además, de esos ritmos derivan a veces punteos -como el de "Prueba de muerte"- que permiten acrecentar la energía de los temas. Aunado a esto, se halla el activo juego vocal que, al ser encarado por varios músicos, garantiza un variado inventario de registros que van desde los más graves y cavernosos hasta los violentos y desgarrados. Sin duda, en el entrecruce de estos dos elementos recae la vitalidad de Crueldad subconsciente, fortalecida, finalmente, por una batería y un bajo siempre a punto.

Dada la extensión de las canciones que, por regla, están entre los 2 y 4 minutos, las letras que entrega Deathcrime son concisas, directas, con un motivo puntual que las moviliza. El nombre del EP declara con suficiencia el hilo que une las composiciones, a saber: la interiorización de la violencia que vivimos en nuestro país. En efecto, según la canción, la banda denuncia algún factor asociado a esa problemática: el nacimiento de grupos al margen de la ley en "Bacrim", la manipulación masónica en "Illuminati", la corrupción política en "Manipulación", los crímenes de lesa humanidad en "Masacre en Bojayá", o la persecución de líderes sociales en "Prueba de Muerte". Las letras tienen un sesgo crítico y su reprobación -hecha siempre en español- no menoscaba los recursos para mostrar la arremetida de la violencia y la indefensión en la que se encuentra la mayor parte de la población colombiana.

Crueldad subconsciente fue grabado bajo la asistencia técnica de Enrique Buitrago (quien ha trabajado previamente con bandas como Egaheitor, Esbbat o Mortalem, entre otras) y fue lanzado en 2021 por el sello Mutilated Records. A pesar de tratarse de un EP, la edición es muy cuidada en lo que respecta al diseño gráfico, elaborado por Felipe Mora. Como puede observarse, la portada muestra el Palacio de Justicia (epicentro en 1985 de uno de los sucesos más oscuros de nuestra historia) y el monumento a Bolívar transfigurados a través de imágenes escabrosas en un escenario de violencia, atentados y muerte. Distintos planos de ese mismo arte se replican en la contraportada y el cuadernillo, los cuales tienen una positiva calidad, descontando los varios errores de ortografía que aparecen en la presentación de las letras y los agradecimientos.

Este álbum, el tercero en la discografía de Yyrkoon, constituye un ejemplo de cosmopolitismo, puesto que la banda procede de Francia, pero la grabación se hizo en Dinamarca y contó con el apoyo del famoso baterista belga Dirk Verbeuren (quien ha trabajado, entre otros, con Aborted, Soilwork y Cadaver). Bajo estas circunstancias, es razonable que Occult Medicine tenga, por un lado, una producción formidable que garantiza la audición de todos los elementos dispuestos en la mezcla y, por otro, un horizonte moderno, sofisticado, que sabe encuadrar con envidiable corrección los recursos tomados del Death Metal técnico (cercano al de agrupaciones como Carcass, Natron o Iniquity) con aquellos componentes más melódicos que caracterizan a las bandas suecas (tipo The Haunted, The Forsaken o la referida Soilwork).

Por supuesto, Yyrkoon es más que un puente de comunicación porque esas líneas convergen en su música de forma orgánica, es decir, no lucen obligadas a comparecer allí, sino que, más bien, emanan de un mismo impulso. En este sentido, las canciones del disco -que prácticamente carecen de espacios intermedios- están concebidas por un solo nervio que las hace siempre rápidas en los despuntes, fértiles en los cambios o combinaciones, brillantes en los escapes melódicos y estilizadas cuando se permiten el uso de guitarras y voces limpias. Como no hay teclados en Occult Medicine, todo el apartado rítmico recae sobre las cuerdas, las cuales cumplen meritoriamente su tarea ofreciendo solos cautivantes, dotando de personalidad a cada tema, evitando las repeticiones y enseñando innumerables posibilidades de encarar la composición (como puede constatarse al escuchar la eximia "Censored Project").

La vocalización, por su parte, sigue un patrón gutural que descansa en ocasiones de su gravedad para revelarse más entendible, si bien conserva a cada paso un tono marcado y profesional. En cuanto a las letras, basta advertir en los agradecimientos del disco la mención hecha del doctor Herbert West para deducir que estas se encuentran enfocadas en este personaje de Lovecraft. Efectivamente, salvo por algunos cortes de índole más existencial (como "Reversed World" o "Trapped into Life"), Yyrkoon expone en sus canciones la falta de control que existe frente a las investigaciones científicas, el modo en que ciertos experimentos rompen los límites entre la vida y la muerte, o cómo la mala praxis de los médicos responde a veces a mentalidades perversas ("...studying the art of death to feed a morbid thrist", se oye justamente en la canción homónima del álbum).

A la fecha, la única edición que existe de Occult Medicine es la que se muestra en la fotografía, prensada por Osmose Productions en CD (una parte en Estados Unidos y la otra en Europa). Se trata de una versión fantástica, sumamente cuidada, tanto en lo que concierne a la calidad de los materiales como al diseño del arte. Este último corrió por cuenta de Antoine Gallais-Billaud y Nonos et Paillettes, quienes elaboraron un cuadernillo de 16 páginas combinando de forma admirable contenidos gráficos procedentes de pacientes psiquiátricos, materiales quirúrgicos, grabados anatómicos y fotografías de hospitales para conseguir una imaginería capaz de reflejar el concepto central del álbum. En el booklet, además, pueden hallarse las letras, los agradecimientos e imágenes de la banda (incluso del baterista invitado).

He aquí otro ejemplo de desaparición y olvido: Maleficium se formó en 1992 bajo la dirección de Arjen Boers y, tras la edición de su Demo Questions of Existence (1993) y del álbum This Illusion of Humanity (1995), inexplicablemente dejó de trabajar alrededor de 1996. De nada sirvieron los buenos comentarios que se prodigaron a aquellos títulos, tampoco la firma de un contrato con Cyber Music, la reedición de su disco por parte de Massacre Records o, incluso, la aparición de versiones no oficiales en TAPE hechas en Rusia; el grupo simplemente decidió elevar amarras, perdiéndose con ello en el horizonte, pues, de hecho, para sus integrantes (excepción hecha del mencionado Soers y Martin van der Rhee, quienes fundaron el proyecto de Metal Progresivo Confusic) aquella experiencia fue la única que tuvieron en relación con la creación musical.

Todo resulta más extraño aún en la medida en que Maleficium fue, por lo menos, una banda sugestiva. Su álbum debut propone un entrecruce de Doom y Death Metal que, inicialmente parece asemejarse al de los primeros The Gathering, pero que en su desarrollo adquiere un cariz propio gracias a la mezcla de guturales y desgarros, el uso de teclados que insinúan atmósferas y la incorporación de apartados melódicos que, como sucede en "Desillusion", permite evidenciar un gusto refinado. La mayoría de estructuras obedecen, sin más, al canon del Death Metal, solo que Maleficium sabe ensamblarlas dentro de los ritmos medios y lentos del Doom, complementando su sonido con guitarras limpias, solos depurados, pasajeras voces femeninas, espacios exclusivos de teclado o bajo y hasta la implementación del clavicordio y el saxo para alimentar la composición del instrumental "Memorare".

A propósito del apartado temático, el disco revela una sabia disposición. Maleficium concibe sus letras como un ejercicio de desvelamiento a través del cual se descubren toda clase de artificios: en "Downfall", por ejemplo, se equipara a dios con el hombre para mostrar la necesidad de la secularización; en "Uncovered Intentions", la insignificancia y animalidad que subyace a lo humano se plantean desde una mirada abiertamente nihilista; y, así, tal como indica el título del disco, la banda va descorriendo las distintas ilusiones que se esconden detrás de discursos como el de la civilización, la moral o la familia. Huelga decir que en This Illusion of Humanity no hay un interés subversivo, sino el simple deseo de mostrar la futilidad que hay en todas esas personificaciones y la posibilidad de destruirlas completamente por medio de la muerte; no en vano se escucha en "Hydrogen": "Afterlife is your future".

This Illusion of Humanity fue grabado en julio de 1994 y contó con la producción de Patrick Harreman (quien colaborara, además, con otras bandas holandesas como Usurper y Moon of Sorrow). El disco se lanzó un año después gracias al sello Cyber Music, contando con una amplia distribución internacional. La imagen que se usó en la portada, pese a su simpleza, encaja a la perfección con la ceguera que da forma al concepto de Maleficium y, así mismo, con el pesimismo que deviene en su anhelo de muerte. El librillo que acompaña el CD es de 8 páginas y posee un diseño austero, a blanco y negro; en él pueden encontrarse las letras de las canciones, los agradecimientos y algunas fotografías del grupo. Como se mencionó antes existen dos versiones más del álbum, ambas cercanas a la fecha de la edición original y con distintas modificaciones del arte.

La orientación que sigue esta joven agrupación panameña corresponde a la que viene siguiéndose desde los años ochentas dentro del Thrash Metal; sin embargo, como su música no desatiende las ventajas de la producción moderna, ese sonido clásico alcanza particularidades sobresalientes. En este sentido, la banda liderada por Tony Freire y Yigo Manzo puede considerarse un ejemplo de sincretismo, pues sin perder un ápice de fidelidad a lo que es la esencia del Thrash Metal (la rapidez, la agresividad, la vehemencia), se acopla a elementos (como una mezcla limpia o el uso de efectos) que podrían contravenir los principios del género, pero que aquí, contrariamente, se ven enriquecidos al estar direccionados por la inteligencia de músicos que conocen las especificidades de sus instrumentos y también el modo en que estos deben contribuir a la proyección del conjunto.

El álbum debut del grupo, Programados para el caos, expone, como se dijo, influencias innegables: aquí y allá hay desperdigadas reminiscencias de bandas como Slayer o Destruction. Con todo, más allá de esas evocaciones que a estas alturas ya son francamente inevitables, Atrofia despunta con una energía particular, a veces porque mezcla arpegios con riffs distorsionados (tipo "Cáncer global") y otras porque se sustrae momentáneamente de la velocidad para explorar modulaciones medias que se enriquecen con juegos de guitarra y fragmentos melódicos, cuasi progresivos. Como la producción del disco es tan buena, cada elemento tiene asegurada su presencia (las líneas de bajo, el marcado acompañamiento percusivo o la fuerza de los coros) y, en realidad, la banda exhibe momentos de gran intensidad, sobre todo en los punteos, los cuales están llenos de refinamientos y despliegues siempre personales.

Quizá el aspecto menos prolífico de Atrofia sea la vocalización, ya que esta se mantiene dentro de un solo registro la mayor parte de las canciones. No obstante, un tenue delay que se aplicó sobre ella le permite desplegarse por ciertas tesituras y ganar más cuerpo. Para los hispanohablantes, por otra parte, esa voz tendrá un atractivo especial, puesto que la agrupación compone sus letras en español y, tratándose de una vocal que media entre el grito y el desgarro, el contenido es perfectamente audible. Atrofia maneja en sus letras una visión apocalíptica, ya sea en relación con el fin del mundo que se avecina o con la pérdida del presente mismo, el cual es presentado por la banda como caótico e incontrolable, demasiado vinculado a la alienación, la invasión informativa, la religión o las ideologías, como para poder darnos algún margen de independencia.

Programados para el caos fue grabado en Panamá, pero su mezcla y masterización se hizo en Venezuela bajo la dirección de Jorge Luis Medina. La versión en formato CD fue realizada de forma conjunta por 7 sellos discográficos, entre ellos, Bluespoon Records, Lógica Ciega, Green Revolution y Rompiendo Bocinas. Se trata de una edición en DIGIPAK con una manufactura que seguramente habrá satisfecho a la banda tras haber concluido las grabaciones del disco incluso con instrumentos prestados. El disco contiene un cuadernillo de 8 páginas con las letras de las canciones, información sobre la banda y agradecimientos. Esta versión, además, contiene como bonus tracks las canciones que hicieron parte de las Demos Templo de la enfermedad (2017) y La máquina del odio (2013), de suerte que permite, además de la experiencia del disco, tener una visión general de la música de Atrofia.